Mi Logica Retorcida

We can work it out

2011-12-21T14:46:00.002-03:00

Tengo una sensacion extrañahace una cantidad razonable de dias....me he paseado constatemente por esteblog (algo abandonado) asi como por otros cuantos por ahí, yrealmente parecen ciudades muertas y tiradas con muchas historiasalmacenadas, pero eso es lo que principalmente me preocupa. Da la idea quebloguer últimamente esta siendo lentamente reemplazado por otrasplataformas express.. (twitter)...y bajo ese razonamiento en que todo debe serveloz, se esta generando la pálida sensación quees mejor compartir que crear, el citar en vez de proponer..

Y con esto no estoy de acuerdo , los blogs nacen comomaneras de expresión mas alla de 140 caracteres, que es una formade comunicación bastante limitada dicho sea de paso, sobretodohabiendo tanto que contar... En particular este 2011, que ya a los melomanosrondantes les debe sonar como una de esas cosechas mas prolíficas encuanto a discos en bastante tiempo..asi se suman excusas para seguir narrandoesta historia..asi como muchas otras que puede seguir viniendo..

Las formas son ilimitadas, pero una tan rica como esta...hay quecuidarla..con tinta..

PD: la canción que suenafuerte..precisamente..AHORA

2011-09-13T13:42:00.001-03:00

100 años de soledad

…Empieza a hacer más calor, las lluvias no ceden terreno, pero al menos ya le van dejando mas espacio a las tardes soleadas y el brumoso frio de agosto comienza a ser mas un pálido fantasma, que una realidad intransigente. Debe haber sido a inicios del otoño mas o menos que inicie con el clásico de García Márquez, tipo al que tengo en un altar; sus libros tienen la “mágica” (anoten esa palabra porque probablemente la reiterare mucho) tendencia a substraerme de la realidad mientras le voy dando vueltas y vueltas a las paginas, ya lo había conseguido antes con “El amor en los tiempos del cólera” hace poco, “La triste historia de la cándida Erendira” hace mas, “Del amor y otros demonios” hace años, y “Crónicas de una muerte anunciada” hace ya casi una década. Sus lecturas no tienen un avance fijo, mas bien me parece reiterada la intención de deleitarnos en los detalles, de hacernos ver (y sentir) la rutina de los personajes, sus pesares, alegrías, sus penas y supersticiones, pero por sobre todo en este libro, esa idea de avance cíclico (notable la habilidad del autor para ir girando y girando en torno a una trama que parece mas profundizar que avanzar) se hace mas presente que nunca y lo mejor es que ahí es donde residen sus principales fortalezas; en la descripción, en los detalles, como dice ese viejo refrán “en los detalles esta el diablo” y cien años de soledad tiene muchos diablos con los que “cuentearnos”.

Y así entre el castaño en el que duerme el fantasma del buen José Arcadio Buendía, en el mismo en que se muriera el Coronel Aureliano Buendía meando, la ascensión mágica de Remedios, la bella, en unas sabanas voladoras, las atracciones traídas desde el mundo “ajeno a los acontecimientos rutinarios de Macondo” por los siempre itinerantes gitanos, o las necesarias e inútiles guerras libradas entre liberales contra conservadores y viceversa, o mezclados entre ellos. Los hijos nacidos del incesto con sus colas de chancho, o bien el milagro de la alquimia y los pescaditos de oro hechos, destruidos y vueltos a armar es que se vuelven características tan necesarias como las mismas manías de los personajes con nombres heredados y repetidos hasta el cansancio, casi tan repetidos como el inevitable sino de soledad que va recubriendo a todos los habitantes de la casa fundadora. Es una lectura hipnótica, que goza de total vitalidad en todo instante (de ahí es que me pregunto por que abandone en su momento la lectura cuando estaban a punto de fusilar al coronel). Lectura larga dicho sea de paso, no obstante si se contrapone con el goce de cada pagina, se sobreentiende el apelativo de clásico inmutable del cual se a apropiado su nombre.

Por eso y por mucho mas es que espero “al menos como intención” el volver a reencontrarme y releer algunas cuantas veces mas la génesis, éxodo, auge y descenso de Macondo al menos antes que acá en Talagante (mi nuevo Macondo personal), me asome por la ventana y empiecen a llover flores amarillas, como el día en que José Arcadio Buendía abandono su cuerpo material.

PD: este no es el análisis del libro, simplemente es la comprensión de la abultada cantidad de sabores que me dejo el sucumbir a su cronología plagada de “MAGIA” (ahora si con mayúsculas).

“Bajo la luz rojiza del Jamaican Rock N’ Roll”

2011-08-16T10:02:00.001-04:00

porque se lo debia, ahi va para la calcetinera Andrea

The Slackers – Redlight

Y me niego rotundamente a guiar esta reseña por esta pobre información “The Slackers es una banda estadounidense, formada en 1991 en Brooklin, Nueva York. Su sonido es una mezcla de ska, rocksteady, reggae, dub, soul, garage rock, y jazz, que la conforman como una de las bandas de mayor trascendencia en la escena neoyorkina” que es lo que aparece en la wikipedia y en varias paginas que copian y pegan los textos tanto de esta como de su versión en ingles .Es una significación algo ambigua, escueta y por decir lo menos, fría. ¡Esta bien! nos da mas menos las coordenadas del ADN sónico del grupo, pero ni siquiera nos señala algo sobre su eje, nos indican sus raíces pero se estanca ahí (de hecho omiten otras tantas), no las explica ni por un segundo y lo peor aun se saltan un dato fundamental; el mestizaje sonoro del grupo.

Resalta al instante el mote de underground que conlleva The slackers, o mas complejo aun; ese fantasma omnipresente en casi todas las bandas dadas al estrellato en los finales de los 90’s y lo que va corrido de siglo XXI, esa imprecisión sonica con que cobija ese genero del Indie a las bandas que pone bajo su alero. Y ya se denota en las disciplinas por las que se inclinan teniendo reggae, ska y bastante jazz al menos en este disco. Pero tambien hay rock, como dicen las referencias a la hora de hablar del grupo. Se nota que los tipos admiran a Bob Marley o los Upsetters (por nombrar algún exponente reconocible) pero tambien hay lugar para el Blues (Fried Chicken (Mary Mary)) o los Rolling Stones. ¡Es una apertura sonora total!, que paradójicamente suena unitaria y firme.

¡Y hay mas! Tomando en cuenta la sensación de melódica melancolía en la que se predispone Redlight. El encontrar impecables ganchos pop (Watch This), es siempre de agradecer para quienes les gusta ser atrapados desde el minuto 0. Sonando urbanos y cobijando esa música enraizada en una sola toma. Vic Ruggiero se hace acreedor de una voz identificada con los géneros que aborda y que tiñe de esa melancolía la riqueza instrumental de la banda. Se hacen presentes tambien, una buena cantidad de instrumentos apropiados para las ejecuciones Saxo, Trompetas, Bajo, Batería, Percusiones (es que estoy viendo un yembe!! XD) o la infaltable guitarra eléctrica.

Ya para adentrarnos en los ofrecimientos de Redlight les dije que encontramos una atmósfera ligeramente melancólica cierto? Lo entrañable es que no suena ni por un segundo depresiva. Hay melodías con un sentido tristón, pero tambien deja cabida para una sensación ambigua de relajo y esperanza. Y ese sentido musical cercano, nos acerca de inmediato a abanderarnos con la naturaleza cosmopolita de este disco neoyorkino. Es como hacer una fiesta de los malos momentos, hay que celebrarlo igual, metiéndole una pintura lúdica a todo el desencanto de las temáticas. Y ese aspecto es por lo cual la doble visión de la placa se me hace demasiado interesante como para pasarla por alto. ¡Que las mareas tragicómicas de estas diez canciones y dos instrumentales nos engullan entonces!

Abre el instrumental “Cooking for Tommy”, de aires cargadísimos se ve precedido por una batería urgente, que da el paso para que los metales (Saxo y Trombón) apliquen toda la cadencia al tema, también incluye la percusión de sonajeros o maracas que van tiñendo de sonidos arenosos este denso instrumental. La preponderancia de los bronces se dejara notar de lleno desde el 02:30 cuando entren en una performance bohemia y sugerente estos instrumentos. El titulo ha de ser un claro homenaje al saxofonista cubano Tomy McCook.

Le sigue la instantánea “Watch This”, de ganchos pop muy fuertes. Resulta encantadora desde el principio, por ende no resulta extraño que sea uno de los temas reconocibles dentro del amplio catalogo del septeto. El trombón tiene un papel notable en la composición, lanzando sus dulces estertores cada vez que el vocalista termina de lanzar sus líricas, las que por cierto están muy bien edificadas, particularmente las lineas donde dice “…now a bee in a birds nest never made no honey and a bird in a hive sang no song. God makes the man, man makes the money. So who am i, and who am i to judge” . Pedazo de canción, que desde ese canto de gallo inicial hasta el último segundo funciona inmediatamente.

“Married Girl”, es divertida hasta decir basta no solo por la historia que relata sobre un romance con una mujer casada donde el protagonista termina asesinando al esposo en confabulación con la chica, para quedársela y pese a ello, luego termina solo. XD. Si no que todo se inicia con unos insinuantes muros de teclados para luego dejarse llevar por las cadenciosas curvas del Trombón, me sorprende la preponderancia de este recurso ya que de la mano del Saxo, han de ser los ingredientes principales para estos temas donde es tan marcado el jazz-pop. Recuerdan lo que decía? Ya van tres canciones y estamos ante un evidente collage unificado.

Le sigue “I Still Love you”, que con ese titulo invita a errar sobre su significación. Al menos yo inferí de inmediato un contenido amoroso o algún derivado, no obstante me parece una declaración cínica sobre el desencanto con la vida sistémica, dicese nación, sociedad etc, al menos las siguientes lineas dan para pensar eso “When the time comes, i wont go .I’m not gonna fight, no i wont bleed to protect the glory of your greed. Well, do you believe, that i still love you” . Me encanta Cuando se puede parodiar con cierto grado de acidez en las líricas, eso habla solo del desarrollo inteligente de un grupo con relación a su material. Ahora bien musicalmente con el solo de Saxo ya tenemos otro aliciente lúdico para esta pieza.

“Soldier”, tiene un cronometro en su bajo que le va dando la directriz a la canción, tambien la guitarra deja entrever algún destello bluesero (01:14). Sin embargo me parece que la intención principal va por el lado de un infeccioso “Reggae Soulero” de lo más agradable, ha de ser ese dúctil desempeño vocal, el que lo vuelve imposible de eludir.

“Chicken Fried (Mary Mary)”. Implicito en este track viene una convergencia de sonidos latinos-duros a lo Carlos Santana o bien estirando un poco la influencia hasta el fantasma de Hendrix. Lo relevante se deja ver en que la cadencia lujuriosa tanto como la electrificación gravitante, sobreviven juntas (02:14) y mejor que esto aun, logran afiatarse la una en la otra, formando una mezcolanza exquisita. De los puntales de la primera parte de Redlight he incluso de todo el album.

El sonido sufre una simplificación notoria con “You must be good” , bien por los bronces coqueteando entre si o bien por los (uuuhh uhh uhh uuuuhh) a lo “Calaveras y diablitos” de los Cadillacs (01:02). El resto seria dejarse llevar por el responsable sonido, y si a esto le sumamos el solo de trombón, estamos al otro lado. El gancho pop, como norma puede sonar previsible, mas queda tan bien colado y manufacturado que incluso potencia la canción.

Un desamor con entonación “isleña” deja entrever “Redlight”, que si bien por ahí deja caer un falsetto (01:55). Predomina la melodía jocosa y ni siquiera los bronces sonando con el trinar gutural de una garza, se interpone en este fin. Por su forma, esta cosmo-balada es ejemplificadora a la hora de señalar lo que les mencionaba en al introducción en relación a la melancolía feliz de Redlight. Es una canción de desamor: Sí, pero en ningún momento hay asomo de angustia ni por si acaso.

“Tin tin Deo”, viene siendo otro instrumental que engulle de aire a lo que va de corrido en el album, como un entretiempo sin relleno donde el protagonismo omnipresente de los bronces vuelve a fortificarse una vez mas a base de calidez en la ejecución. Si incluso te encuentras tarareando las líneas de los metales, eso es solo porque estamos ante una pieza imposible de descartar.

“She wants to be alone”. Creo llega para ratificar otra vez a lo que ya hice mención con anterioridad, si bien se extraña esa peligrosa fuerza del principio el optar por texturizar sus canciones en vez de sobrecargarlas de estridencia es un camino viable. Cuando deciden melodisarse les resulta bien, por una sencilla razón. Crean esquemas naturales, pero que a la vez juegan con unos ganchos pegajosos. El buen gancho pop, que se mimetiza con los multiples recursos que tiene el fértil abanico en el que juega The Slackers.

“Rude and reckless” Me produce de entrada una serie de sensaciones en conflicto. El bajo bañado en whisky, que da paso a una extraña ejecución en un piano de iglesia, para luego entregarse a los brazos de la cadencia y esta ultima no la abandonara hasta el ultimo segundo. La ubicación de las voces también me parece indicada, esa voz negra interactuando con la “calidez” de la de Vic, forman un juego que resulta por lo menos ameno, siendo mezquino con los calificativos. Lo heterogéneo de sus componentes no estan tan bien mezclado como en otros tracks, no obstante eso sube un poco la aspereza que es lo que venía a cuento luego de un trecho de tanta porcelana, como es por el que veníamos caminando.

La puerta de salida recae en “Come back baby”, guitarra de palo y ese ameno rasgueo que sabe a dulce resaca. Seria redundante el ya mencionar el sabor mohíno que tienen los instrumentos de vientos en esta banda, lo que si no puedo evitar relacionar la canción con parajes suburbanos y ese sentir a noche, a que se esta acabando y no lo puedes evitar, igual que el disco que con este duodécimo track se termina, y tampoco lo puedes evitar.

Lo bastarda que puedan haberse vuelto las últimas dos décadas en cuanto a géneros podrá ser cuestionable en cuanto a que la fuerza de cada movimiento se ve muy individualizada y poco concentrada, resultando con ello cierta pérdida de fuerza por la segmentación. Pero también por discos y bandas como esta , es de agradecer que sepan sobrellevar tanta influencia y guiarla con un eje claro.

Este es un disco para el final de dia. Probablemente te darán ganas de bailar, de cantar, de reírte, de rememorar un viejo amor perdido, de añorar una calle que viste pasar, ¿o que se yo?, lo único que podría afirmar YO como melómano y taciturno que soy es que con estos exponentes, me doy por pagado con el Jamaican Rock N’ Roll

· Tracklist

· Cooking for Tommy

· Watch this

· Married Girl

· I Still Love You

· Soldier

· Fried Chicken (Mary Mary)

· You must be good

· Redlight

· Tin Tin Deo

· She wants to be alone

· Rude and Reckless

· Come Back Baby

“Es fácil entrar, salir imposible”

2011-07-27T09:23:00.000-04:00

Entonces he aqui mi disco reseñado #100...

Mecánica Popular – La Casa De Asterion

Ese invisible espacio donde se cruza la trova y el rock, O la ya instituida formación de cuatro actores hilando un concepto a lo largo de doce canciones, son tal vez preceptos ya vistos en reiteradas ocasiones en la escena musical mundial o regional si les apetece. Sin embargo me cuestiono ¿Qué hace tan especial este disco?. Esa respuesta tal vez solo la podríamos encontrar al pasear unas cuantas veces por las lucidas habitaciones de La Casa De Asterion.

La definición de disco conceptual cobija ciertos resquemores, principalmente porque en muchos casos se pretende esconder tras una ampulosa “idea” muchas composiciones que per sé no convencen del todo, pero que si lo hacen dentro de la maquinaria del disco. Este album consigue anular este efecto, construyendo canciones que en si mismas tienen un valor análogo a lo que pueda refrendarse luego en la totalidad de la placa. Como siempre la sana costumbre de engendrar buenos temas, es lo que prima, a la hora de sacar a flote un concepto más ambicioso. Y en esa lid Mecánica Popular se puede declarar triunfadora totalmente.

El otoño andaba a plena marcha en Santiago el 20 de Mayo del 2000, que fue cuando Enrique Piraces un estudiante de periodismo se embarco en un proyecto que pretendía mantenerlo encerrado por ocho meses en una casa solo con lo estrictamente necesario es decir: Un saco de dormir y un computador con Internet que le permitiese adquirir todo lo que fuese necesitando para su subsistencia. Este proyecto con ciertas reminiscencias a lo que hoy en día serian los realities, tenia sin duda un fin un poco mas exploratorio que el de estos últimos. “Vivo On line” (nombre del proyecto) pretendía principalmente probar que tan bien estaban funcionando las tecnologías en Chile por ese entonces y si era posible, llevar a cabo esta vida digital simplemente con una buena conexión. Cámaras vigilaron el transitar de la vida de Piraces durante seis meses (el proyecto se vería caído antes de tiempo por la posterior salida de auspiciadores). El asunto es que este experimento entro en la mira de Manuel García, por ese entonces miembro de Mecánica Popular quien no dudo en enviar un mail a Piraces para ver si podían visitarlo y tocar algunos temas con su banda en la casa de este. Luego de la visita generaron mas cercanía que termino por concretarse en que la banda de García (guitarra y voz), Mario Villalobos (bajo, voz, Director musical) , Diego Álvarez (guitarra) y Marco Chávez (batería) , construyeran una banda sonora para musicalizar esta experiencia.

El abordaje de lo conceptual lo situaron desde una perspectiva en la que se sienta que este personaje que decide aislarse, o mas bien estar confinado esperando ser redimido, permita que se pueda enlazar con el cuento homonimo del argentino Jorge Luís Borges y a ello le suman elementos literarios como la Odisea. Todo refrendado por este viaje que emprende Piraces (paradójicamente sin tener que moverse). Es como la musicalizacion de los días, habrá esperanza al principio, entremedio días de soledad o días de reflexión, hasta el desenlace, es simplemente una fotografía de una rutina semi-estática. Tambien se desprenden otros datos interesantes como que recibieron colaboración de Humberto Giannini reputado filosofo chileno (quien era admirado por Mario Villalobos dicho sea de paso) y quien aporto con un ensayo incrustado en la carátula del album. Por cierto la portada ha de ser lo único terrible del disco, ya que no consigue plasmar demasiado bien que digamos esa muestra de Piraces frente al laberinto de Creta, al menos estilísticamente no esta demasiado trabajada.

Bueno un grandísimo y oculto disco que bebe de muchas influencias para dejarse caer sencillo y escuchable desde el primer momento, como una persona que conocieras de toda la vida. La guitarra no será virtuosa, las vocalizaciones no son sobre la media, pero aun asi el producto cohesivo que terminan pariendo, y a ello sumándole toda la diversidad instrumental que van desde el clarinete y violines hasta la trompeta y chello, ya tenemos una garantía para afirmar que este disco vale cada uno de sus 40 minutos de duración.

Abre “Las tropas del sol”, trompetas con tintes bohemios nos entrega de entrada esta canción. En una frecuencia bien alegre nos narra episodios épicos y a la vez de insurgencia en imágenes asociadas a la mitología. Sin embargo todo eso es una forma de metaforizar, ya que la medula del tema es ser un homenaje al Subcomandante Marcos, líder del Ejército Zapatista de Liberación Nacional y también con cierta influencia de la imagen del Che Guevara. En particular los siguientes fragmentos me parecen de una manufactura bastante bonita “Contando la historia del sol, antes de ti, antes del hombre. Que viniste aquí para vivir bajo una espada a emprender cruzadas, soñando unas manos blancas…Mirando en el viento estelar, viniste a dar a este planeta, para fundar un corazón, mares y tierras. Sembrar la flor y una razón para mi emblema”. El liderato vocal es repartido entre Manuel García (quien canta la mayoría del tiempo) con los toques arenosos de la voz de Mario. Una pieza alegre con roces de jazz en su forma, y que predispone con optimismo el viaje de este joven Asterion.

Uno de los muchos instrumentales hace aparición en la segunda posición del álbum con el nombre de “El tejado” . No se bien si tendrá una complejidad musical tremenda o bien una ejecución impecable, en un nivel distante a eso la emocionalidad que destilan es notable. Una presentación cálida donde la guitarra podría ser el sonido que oímos cada día, cada tarde, da igual realmente el cuando. Suena a algo que hemos oído toda la vida. Sin una palabra dejan que la música transmita más allá de toda integración lírica.

Para cuando “Fiebre impar del horizonte” entra en escena nos hacemos al instante la idea que la inclusión de las más diversas especias musicales son las que al final brindan la riqueza que pueda ofrecernos este LP. Psicodelia floydiana es lo que nos encontramos de lleno acá. Bien por esa potencia etérea o la sutileza ensoñada que arrastra (al final) la guitarra, estamos frente a frente a una canción cargada de macilentas coloraciones. Mario Villalobos no es que tenga una voz que arrobe, mas bien todo lo contrario; su voz árida puede tener uno que otro detractor sin embargo debemos darle merito ya que esta particularidad mancomuna con las intenciones “voladas” del track y los gritos abismales del 02:44 solo hacen ahondar esta percepción (Es Manuel quien se los adjudica en este caso, eso si). Otra vez una lírica críptica, aunque es notoria su intención de describir el viaje estático de Piraces, con todo el miedo y las diversas emociones que pudo haber concebido una vez el proyecto ya había empezado su marcha. El siguiente segmento es más que claro “Sé la historia de aquel hombre que amarro su proa a un sueño y ese sueño lo clavo en la cruz, en la flor de la sangre, de su amor”

Prosiguiendo con esta sección sicodélica “La hierba verde de los sueños” destila colores divagantes y como su titulo se explaya de forma clara, es una alusión a la marihuana y sus efectos “incorpóreos”. La voz de Manuel García es como si pasara a través de un colador de letargo que va hilando las imágenes mentales de estar sucumbiendo a una especie de paz adormecida. Bueno y el mensaje queda mas que claro cuando Manuel entona “Mi corazón que fuma sol… al respirar el humo azul la sangre invierte los extremos”

El segundo instrumental titulado “El Templo de las hachas” es el que sigue. El titulo vendría heredado del cuento de Borges y es creación del guitarrista Diego Álvarez quien se animaría a incluir una pieza de su procedencia en esta placa. Si bien inicialmente el tema tendría letra (y se llamaría veinte de sol) fue Mario Villalobos quien decidió dejarla en un formato instrumental aduciendo que se afiataba mejor a los fines del album. Al ser un tema del hombre de las seis cuerdas se deja entrever a primera vista el primer plano que toma la guitarra eléctrica. Guiándose por una clara línea melódica, pero jugando tambien con un poco mas de potencia.

Lo barroco tiene su cabida con “La noche de todas las sangres” , estéticamente se acerca mas a la trova usual, contiene un clarinete que suena elegante y noctámbulo al mismo tiempo. A la par que va de instrumento principal junto a la guitarra arpegiada ;al menos hasta que Manuel empieza con esa poesía que es la letra de la canción. El esquema del track no es más que eso, entrelazando los dos movimientos y agregando al final de cada verso la interpretación del clarinete. La temática la podríamos situar en esos días no tan buenos que ha de llevar nuestro protagonista, de elementos sobrecargados las líricas nos lo describen con algo asi “Pasó la noche de todas las sangres. Mujer desnuda en la luz de la alcoba, luce el poder de la luna en la carne y dale a Remo tu leche de loba…pasó la muerte cambiando de formas, tembló el deseo en las uvas brillantes como un aroma de sexo en la boca”. Canción memorable en todo el sentido de la palabra, el oficio de trovador es algo que tenian más que aprendido, aunque sigo sintiéndola un tema más de García que de Mecánica, al menos en cuanto a líricas.

“Canción de Cuna”, es otro instrumental, no para lucimiento de sus ejecutores, sino como regalo para el oyente, que como escuche una vez por ahí tiene una melodía muy “rica” en el sentido calido y afectivo de la palabra. La batería de Chávez esta acompasada y sutil, mientras la guitarra eléctrica suena acuosa, no obstante son los arreglos de violín y viola, los que le dan el “non plus ultra”. Tal vez sónicamente sea lo más parecido a una brisa veraniega. Y ya para el 01:30 es cuando nos rendimos ante el clímax de cuerdas. Como ya recalcaba, con estas melodías no hacen falta ni un mililitro de tinta.

“El oro de los tigres” nace fruto de la lectura que realizaba Mario Villalobos, de “El reencantamiento del mundo” en el cual se reflexionaba acerca de la alquimia, desde ahí se extraen el uso de estos símbolos en la letra de la canción, los tigres, el oro, las serpientes, los 4 elementos, etc. Musicalmente es una canción de medio tiempo, que si bien no despega nunca, tiene cierta aura de jazz que puede lograr llegar a embriagar, recalco “que tal vez pueda llegar a embriagar”. Y la guitarra y las voces distorsitivas -etéreas una vez mas parecen coladas por una cascada de Marihuana liquida.

“El templo de las Hachas – Asterion” es la versión de cuerdas y piano del instrumental semi homonimo, si bien dista mucho de él, ya que el otro destilaba guitarras floydianas y una potencia implícita, acá nos topamos con una tendencia a los sonidos lisérgicos y tristes, me arriesgaría a decir que sobrepasa la nostalgia para rozar peligrosamente el dolor.

Si hemos de señalar un punto de partida para toda esta maquinaria en la que se volvió la banda sonora de “Vivo Online” la podríamos ubicar en “Imaginario Corazón” . Manuel en una de las tantas visitas a la casa de Piraces le llevo de regalo esta canción, la cual seria el germen para las otras once que vendrían luego. Aun cuando reconoce que es un conjunto de ideas mezcladas, prima lo sobrecargado, lo religioso y lo diabólico, ya que por ese entonces leía “Lo demoníaco en el Arte” .Mas allá de esto podríamos ya reconocer las coordenadas que mas tarde lo llevarían a componer otra canción Barroca como lo es “Canción y Plegaria del disco “Tempera”. En lineas generales tenemos esa vibra espacio-astral con las reminiscencias constantes a trova-pop que engulle la mayoría del metraje de esta placa.

El penúltimo track es “Nombro tu nombre” de Villalobos e interpretada por él mismo. Perpetúa ese sentir de rock espacial, que a la vez es muy primo-hermano de la trova. Y para quien dudara de la vertiente mas rockera de la banda resulta casi explicita en el sentido de formación guitarra-bajo-batería que desemboca en una presentación cruda y directa. Sin renunciar en ningún instante a la escuela poética de sus letras.

Cierra el ultimo instrumental llamado “El oro de los Tigres- Odiseo” una bella mezcla de los mas diversos instrumentos de cuerdas dicese Violas, Violines, etc. Nótese el aura de cansancio que trae consigo, remarcando en todo momento el final del viaje. No es el broche de oro que se visualizaba para cerrar este disco perfecto, pero SI el que se necesitaba.

Aun cuando lo consideren un trabajo anexo a su discográfia, aunque técnicamente nos referimos a él como el segundo en la discográfia de Mecánica Popular, es acá cuando podemos disfrutar de la inacabable fuente de la trova que tan buenas experiencias musicales ha conseguido hilvanar con los años, pero lo mejor aun, es que está actualizada, es decir va acopiando sonidos nuevos y extendiendo su espectro para no claudicar jamás. Muy folk, muy floydiano, muy pensado y bien escrito. Cinco instrumentales y siete poesías musicalizadas ¿Qué esperas para perderte en las infinitas habitaciones de La Casa De Asterion? Su retina sónica se los agradecerá.

· Tracklist

· Las tropas del sol

· El Tejado

· Fiebre impar del horizonte

· La hierba verde de los sueños

· El templo de las hachas

· La noche de todas las sangres

· Canción de cuna

· El oro de los tigres

· El templo de las Hachas – Asterion

· Imaginario Corazón

· Nombro tu nombre

· El oro de los tigres – Odiseo

Y solo por esta vez ... para descargar, porque es un disco muy dificil de encontrar..

Disco : La Casa De Asterión
Fuente : Enferma Melodía

IC-ONO

2011-07-15T10:07:00.000-04:00

John Lennon – John Lennon & Plastic Ono Band

La iconización de los personajes mediáticos en el mejor de los casos termina por desdibujarlos y convertirlos en un estereotipo de dos dimensiones. Es decir nos muestra una idea basada en su conducta publica, tanto ideológica, como artística. Sumándole tambien el siempre efectivo pero distorsionador efecto estilístico que pueda aportar esta figura, son al final los precedentes para armar un icono. ¡Esperen! dije icono ¿cierto? Y es ahí donde mordemos el anzuelo groseramente, porque se visualiza al creador-artista como un ente análogo a la realidad (estando pero no estando al mismo tiempo). Tan cruel como si no habláramos de un ser humano, igual que tu, yo o él. Y eso no es culpa de nadie, al final uno compra la idea, luego si parece interesante la adopta con todas sus aristas y veras si es aplicable a la vida diaria, a la vida real. ¡Ven! como entre tanto concepto abstracto que muchas veces pueblan la paleta de opciones que nos entregan los oferentes (músicos en este caso) uno siempre tiende a escoger el que te parezca mas aplicable a tu vida, ya sea porque te aporta energía a tu rutina, o rememora algún pasaje conocido. El esquema no se vuelve mas complejo que “El escucha la mayoría de las veces tomara lo mas funcional…lo mas HONESTO, para si mismo”.

Y la honestidad, esa peligrosa palabra (difusa y sin límite) es de la que se hace acreedora esta placa. Lennon era/es un icono, casi tan endiosado como odiado. Y el paradigma de pacifista o observador suspicaz abrían una capa de neblina en torno a su ser real, del cielo al infierno. Al final primaba lo mas básico, era tan humano como todos esos seguidores empecinados en su imagen. Por ello entendible suena, que seguido al quiebre emocional de abandonar el lecho Beatle quedara la inestable personalidad de John a la deriva. Sin querer volver, pero tampoco con el camino tan claro por delante. Entonces la idea de “antes de reiniciar es necesario botar cualquier resabio de pasado a cuestas” se vuelve terriblemente real en estos once tracks. Un desagüe de sus trancas, una por una enumeradas, puestas en melodías, y asignadas a un trecho del recorrido de este Plastic Ono Band. Son los demonios internos de John, que van saludando y deshaciéndose a medida que avanza el disco, casi como un recordatorio sagaz que te van diciendo “yo tambien soy humano, ni tan malo como Dios ni tan bueno como el Diablo” Recuérdenlo cuando empiecen a pasar las canciones..pero recuérdenlo.

Sin atavíos, sin mascaras ni regodeos líricos, nada de eso enturbia el cometido directo del Plastic Ono Band. Nada de nada, el minimalismo como principio básico es el que gobierna el disco suena hasta irónico que sea Phil Spector quien produjo este album no? . Aunque esta carencia de pretensiones, no es tal en la practica. Como fruto de la terapia primal en la que incurría con Arthur Janov, hacían desaparecer todos esos muros que se anteponen al ser desnudo y sin aprensiones propiamente tal, fruto de ello se extrapolarían a las composiciones de ese 1970, todos los sentimientos, sensaciones, frustraciones, miedos y demases del cantautor. Hecho que no solo se ve expuesto en las temáticas, de reproche a sus padres (Mother), la religión (God), o la misma dicotomía social (Working Class Hero), sino que tambien se vería refrendada en detalles a nivel sonoro, como los aullidos catárticos que hacen aparición en algunos tracks. Mas las letras desprovistas de cualquier eufemismo. Son miles de cosas pequeñas que le dan esa grandeza humilde al disco

Ya para clarificar con que se puede topar su radar sonico, me parece esta casi todo dicho, pianos sobrios, una imperante hegemonía acústica, la siempre hiriente voz de John Lennon a sus anchas. Un placido lugar de reflexión donde a ratos hacen su aparición rockers mas feroces, pero no tanto como para desaliñar al línea editorial de la placa, se siente la influencia de Ono de fondo, pero no lo suficiente para nublar la claridad que esgrime Lennon, lo cual a los detractores de la artista japonesa les resultara agradable. La banda de apoyo lo hace bastante bien, contando incluso con Ringo en las baquetas, el piano acertado de Billy Preston o Phil Spector en ocasiones. Son todos los ingredientes del cuerpo del album, las formas las adjudicaremos a la percepción del escucha aunque Lennon de por si no deja mucha chance a la interpretación…esta todo clarito y concentrado acá.

Campanazos abismales abren (¡Que manera mas eficaz de convocar toda la atención desde el primer segundo!), y no!, no es Black Sabbath, sino el apronte inicial de Mother . Una balada poderosísima, amparada en la ejecución vocal de John que se despacha una soberbia interpretación con la voz desgarrada (efecto que sin duda alguna llega a herir por su crudeza). El piano, la batería, el bajo, van acicalando con tensión toda la protesta de John contra sus padres, ambos. De alguna manera expulsando todas esas aprehensiones que fue acumulando con los años, bien sabido es, que pese a la actitud aveces apática del exbeatle, en el fondo siempre mantuvo una turbulenta pugna contra sus temores y por sobre todo el sentimiento de abandono desde la infancia. He aquí el resultado, una versión amplificada de Julia incluso me atrevería a decir de las catarsis mas bellas de la música popular moderna.

Aveces la sutileza golpea mas que cualquier arañazo mal enfocado, Hold On, podría hacerse cargo de este apelativo fácilmente. Siendo una balada sencilla, y la guitarra sonando simple EVOCA “sensaciones de complicidad” es casi como una caricia a los oídos de corta duración. Incluso ese “Cookie” gutural del 01:08, sirve de divertimento para John quien en más de una ocasión intervenía sus temas con estas especies de bromas. Para rendirse a la total volatilidad.

Y si bien la lentitud no es lo tuyo de seguro I Found out, con sus mordiscos guitarreados te convence. Acelera la pulsación del trabajo, no obstante de forma ajustada. Me parece un Rock and Roll, levemente ralentizado y ese efecto lo dota de una acidez brutal, como si la taquicardia invadiera la ejecución del tema. La lengua/pluma de Lennon sigue empecinándose en disparar contra todo lo que lo tiene molesto entre ello, la fama excesiva, las creencias religiosas tanto oriental como occidental (paf!! Charchaso para Harrison y Paul). Me gustan las lineas donde asevera “Ellos no me quieren por lo que me hizo una estrella” a modo de revindicar lo central que siempre fue la música y cuando dice que “nos mantienen ocupados sin nada que hacer, estancados en castillos de aire”. Esa metáfora anti-religiosa es bestial.

Es bien sabido que Lennon luego de conocer a Dylan y su obra, intento profundizar más la lírica de sus producciones. Y tal vez en Working Class Hero es cuando mejor lo consiguió, si pareciera como si el alma de Zimmerman estuviese guiando la interpretación y enfoque del tema, todo con los recursos impávidos y técnicamente superiores del buen John. La temática al no estar enmascarada tras una serie de metáforas trémulas, da de lleno con su cometido. Las secuencias de acordes son sencillos brindando toda una teñidura folk, mas esta no se vería tan amplificada sin las líricas que destilan descontento con el modelo económico y cultural que impera hasta nuestros días, en particular esa sección donde dice “Te dicen que puedes llegar a la cima, pero antes haz de aprender a matar sonriendo” . Siendo ese el eje, es casi inevitable considerarla un himno atemporal. Musical y culturalmente imperdible.

Isolation, es una entrega un tanto mas moldeada en el ADN pop de Lennon, piano sencillo (incluso crepuscular me atrevería a decir), bajo pausado y batería aletargada. Pero como casi todo el disco es la medula de las canciones la que las hace brillar. De esos contados casos donde se quiere narrar un tema grandilocuente como lo es el aislamiento (alineación de nuevo!!). Lo interesante es que no ocupa gran parafernalia en ello, centrándose simplemente en insertar toda esta materia en una sencilla (no por ello pobre) canción, sin tener que recurrir en ningún instante a sobreproducir.

La segunda parte del album parte con un traqueteo taquicardico de mano de Remember, una visión pesimista e inquisidora, que acaba inusitadamente con una explosión..tal vez la de nuestro afamado anfitrión. El antónimo de la anterior lo podríamos encontrar en Love, un tema acogedor y esperanzado, porque no solo tormentos tenia Lennon, tambien tenía sus momentos de paz y evidentemente los encontraba en compañía de la palabra que da titulo al tema. La canción en si tiene una columna vertebral de piano, que logra al mismo tiempo sonar dulce y neblinoso. La temática tampoco se anida en el cliché que pueda ofrecer el asunto, ya que la aborda desde la perspectiva sensorial real, mas que los marcos sobreusados en los que se erigen la mayoría de las veces estas canciones. El amor es libre dice John habrá que creerle…

No obstante el paisaje ensoñado vuelve a desaparecer otra vez con la distorsión hosca de Well, well, well. En la que se ocupara nuevamente el recurso de Mother, aquel de los gritos catárticos. Ringo Starr en batería esta bastante bien dándole la urgencia elegante que requiere la canción. Del 03:34 luego de la explosión vocal, se vuelve a retomar lo bluesero distorsitvo de la guitarra y entra en un medio tiempo mas calmo, hasta subir nuevamente en intensidad sin alcanzar las cotas de los tres minutos y medio, pero manteniendo la premura como norte. Me recuerda todo ese rock que destilaba el Abbey Road, un estimulante eléctrico absolutamente bienvenido.

¿Onírica? Quizás esa palabra le sentara bien a Look at me, un vástago del White album escrita durante la autoreclusion Beatle en la India, pero que recién vería la luz en este album. El suave punteo de la guitarra acústica es muy tenue sin embargo se sostiene con una gran fuerza. Nos habla acerca del amor metafísico y la voz que aplica Lennon quizás nos traiga a la mente la interpretación de I’m only sleeping del Revolver y es que algo de eso tiene…esa percepción de sueño que invade cada milímetro de canción.

Entonces aparece God, tal vez una de las canciones mas emblemáticas del compositor, no solo por su contenido musical sino por algo mucho mas importante “su contenido simbólico”. Con este tema se deshacía de cualquier resabio de su antiguo yo ligado a los Beatles o cualquier atadura que arrastrara hacia lo que quería ser, si hemos de encontrar un símbolo en el que impregnar la sensación de reset es acá. Dice explícitamente dejar de creer uno a uno en religiones y emblemas de la cultura popular en este orden. La magia, el I-Ching, la Biblia, el Tarot, Hitler, Jesus, Kennedy, Buda, el mantra, el gita, el yoga, los reyes, Elvis, Bob Dylan y por ultimo y tal vez el mas relevante en The Beatles. Afirmando ya solo creer en él, bueno en el y en Yoko, pero a esas alturas ya se consideraban como una unidad asi que poco mas que agregar a este rechazo hacia sus totems antiguos. Vendrán luego mas frases como ya no soy “el tejedor de sueños” o “el sueño se acabo” , cada una de ellas conmemorativas del fin de un periodo y una etapa muy importante para la cultura en general. El cancionero colectivo estará lleno de canciones magnificas, pero del peso emocional de esta, contadas con los dedos de la mano.

Ya como una ráfaga fantasmal en el epilogo aparece My mummy’s dead, un final silente casi aterrador, cargado de pena, pero esos 59 segundos que dura ,eran la única forma de votar el dolor por no haberse alcanzado a despedir de su madre, y un final acertado dentro de todo lo que se pueda especular.

Lo puedes amar, lo puedes odiar. Da igual realmente, lo único relevante es que haya habido alguien capaz de canalizar su contradictorio sentir en un disco sencillo y que sin embargo esconde tantas aristas, ya no en el plano musical que es donde se mueve con sobriedad y emocionalidad precisa, sino en todo su cometido simbólico. Dej mensaje directo hizo nacer miles de metáforas para describirlo. Algunos gustaran mas del Imagine, mas a mi este me seguirá pareciendo el “non plus ultra” de John ¿Por qué? Pues, como siempre me gusta decir menos es mas… y en este caso mucho mas.

· Tracklist

· Mother

· Hold On

· I found Out

· Working Class Hero

· Isolation

· Remember

· Love

· Well,well,well

· Look at me

· God

· My mummy’s dead

Encontrando el camino a casa…

2011-06-29T14:30:00.000-04:00

Eddie Vedder – Into the wild

Puede que te ha haya llegado cuando estabas sentado en un parque encementado a 20 metros bajo tierra, en alguna congestionada estación de Metro, en un micro por la noche, caminando a casa luego de la jornada, sentado en el patio de la universidad, realmente da igual el lugar. Pero como un halito helado y luego como una sensación de hastío se viene siempre a la mente, cuando ya la velocidad del mundo moderno se come hasta el ultimo resquicio de paciencia; esa necesidad de volver a cero, y no hablo de nada suicida, solo les recuerdo ese instante cuando el anhelo de libertad se pavonea en nuestra cabeza..

Corría Agosto del 92’ y Christopher McCandless o Alexander Supertramp, como solía apodarse, había dejado ya cualquier rastro de su vida atrás ¿Con que fin?. La vida moderna lo había hastiado considerablemente y emprendió un viaje donde se despojo de cualquier atisbo material, donando sus ahorros a Oxfam y partiendo al camino- para encontrarse a si mismo en la naturaleza, Alaska en particular. Alcanzaría a vivir un buen tiempo en esas condiciones, habitando en un autobús abandonado y alimentándose de animales pequeños que cazaba, todo ello mientras llevaba un diario de su estancia- sin embargo las difíciles condiciones climáticas, tanto como la falta de alimentación y experiencia en situaciones de ese tipo terminarían quitándole la vida- mas lo importante quedo plasmado ahí- el mensaje de búsqueda, que representa su historia. Esta última seria trasladada a tinta años mas tarde.

Pero ya para la nueva década el destacado Sean Penn, llevaría esta versión al cine, narrándonos visualmente la travesía de Supertramp- No se asusten, este no es blog de cine, ni pretende serlo, pues de lleno nos guiaremos por la banda sonora de esta película que trae con ella a uno de esos personajes imprescindibles de la cultura musical reciente- Eddie Vedder- . Considerándolo amigo del director no resulta extraño que luego de algunos contactos halla accedido a musicalizar esta historia. Haciendo uso de una esencia folk, conmovedora y muy simple, pero que en esa misma simpleza radica toda su fortaleza.

¿De Que va?- Veamos. Esta placa tiene al menos tres particularidades que le dan toda esa garantia de solidez. La mayor es que marca el debut como solista de la voz cavernosa de Pearl Jam, lo cual le brinda mayor libertad para aventurarse lejos de los muros del rock……..¡ ESPEREN ! no tan lejos, porque pese a que Into the wild, esta claramente mas abanderada por el lado del folk, conserva ahí- intrínseca esa esencia dura, esa condición potente e indomable ¿no es esa la naturaleza del rock?- aparte nunca ha sido un genero demasiado limpio que digamos , por ende su estructura queda abierta a miles de influencias- Segundo, al ser una banda sonora de… la narrativa preexistente de la película, le brinda de por si, la estructura en la que envolverse, en este caso, la historia va muy compenetrada con las canciones- y el aura austera de estas mancomuna de buena manera con ese aire ermitaño y desolado de la narración global. Tercero, Vedder tuvo la suficiente libertad, para incluir un material lo necesariamente honesto dentro de los parámetros de la música moderna, que sin duda- con o sin imágenes de apoyo, recrea retratos de hielo, soledad natural y guerras internas con los demonios de cada eremita- Duraciones cortas que están a favor del disco, mas que del brillo de una u otra canción, siempre se vela por la sustancia del resultado global- que a todas luces cumple.

Por cierto por irrelevante que suene, al momento de la salida de este material se esperaban retazos de Pearl Jam, ya saben el típico viudo del grunge- que quedó disconforme con el color adquirido en esta entrega. Mas seria terriblemente desacertado el intentar siquiera buscar algún resabio de PJ, se nota que acá no esta MccReady o Gossard o Cameron y saben, no les hecho de menos. Pues simplemente la voz de Vedder y una guitarra, ukelele o con lo que decida rasguear, basta para lograr un disco intimo- El sonido de PJ es absolutamente extrovertido cargado de fuerza, opuesto a ello Vedder es lo mas introvertido y de fogata que he podido oír, lo cual sin duda es distinto, pero en todo el buen sentido de la palabra. De esas contadas ocasiones donde poco se torna MUCHO y por lejos.

Setting forth, abre con una especie de idea electroacústica a desarrollar en su minuto y 37 segundos de duración. Apantalla inicialmente al mostrar unos bellos vaivenes eléctricos, que luego derivan al duro rasgueo. No será deslumbrante- por una cuestión de duración no se podría adjudicar ese titulo- pero tiene algo que contar eso se nota instantáneamente, una canción buena a secas que es el fin de todo proyecto minimalista ¿no?

Tenues escarceos sicodélicos vienen con No Ceiling, y el instrumento de cuerdas que usan tiene esa característica de emitir una esencia absolutamente estival, pura luz que se estrella contra la voz oscura y sin contraste de Vedder. Resulta en una canción bastante agradable, tal vez con mas desarrollo hubiese armado una tremenda pieza, no obstante eso seria especular y por lo demás, creo entender que el fin de estos temas no es ser sempiternos sino mas bien, ejecutarse los mas efímeramente posible, y eso es justamente lo que mas me gusta de este disco…su fugacidad natural y poco precipitada.

Mas dosis de los Who, vienen incluidas en Far Behind, esa construcción de la tensión rígida antes de partir con un tema, es muy propio de la banda de Daltrey y cía, y un recurso que fue ocupado en una que otra ocasión por la banda nodriza de Vedder , bueno es una leve concesión que se otorga dentro del adusto mar acústico por el que se abandera el LP. Amague interesante también, el que intercala al 01:37. Aunque al final se me haga encomiable esa pregunta que lanza ligeramente el tema ¿Por qué ser otro libro mas en un estante? ¿Por qué? No me cabe la menor duda que el protagonista de este relato se la contesto a si mismo. En definitiva, canción de buena aura, que intenta elevar un poco lo sedentario del album, con puro tufillo a libertad.

Ya han pasado tres cortes en un abrir y cerrar de ojos cuando el ukelele hace acto de precensia con su sonar “mágico”. Rise es una canción sencilla con acordes luminosos, aunque no sin ese pequeño efecto amenazante y angustioso, procedente de toda composición de Eddie. Pero al menos deja mas aire a la línea de tracks, ligeramente positiva me arriesgaría a afirmar. El titulo, me trae a la mente una similitud con la palabra arroz en ingles, asi que no puedo evitar una imagen de la cinta, con la bolsa de arroz disminuyendo gradualmente, insinuando el fantasma del hambre de formas sutiles.

Ya con Long nights, tendríamos una de esas dos piezas que escapan a la magistral unidad, para lucir por valía propia. Puede ser negativa y proyectar ciertos espectros de frío nocturno, donde ni el mejor abrigo del mundo pueda evitar que sientas congelarte desde dentro. Pero es que la ejecución esta tan bien calibrada que engulle apenas uno le da la primera oída. Vedder para este caso ejecuta folk, pero colgándose seis cuerdas eléctricas al cuello en vez de la clásica guitarra de palo. Los arpegios son sencillos pero sobrecogedores, menos es mas en todo el sentido de esa expresión. La connotación que se le da tambien a la entonación en las lineas “Long nights allow me to feel...I'm falling...I am falling…the lights go out. Let me feel i'm falling… safely to the ground” arroba. Esta tal vez debiese durar mas, sin embargo son dos minutos y medio emocionantes, que bastan y…no, no sobra nada.

El ecuador del OST es cruzado por Tuolumne, un instrumental de un minuto de duración que enfatiza el relajo, amparado en la idea de haber traspasado ya la medianía de la travesía. Una sutil previa para la aspera Hard Sun. Un cover de Gordon Peterson, la clase de canción que denota una dureza natural, la guitarra apedrea, la voz quema, y aun no sonando demasiado sorprendente, de hecho tiene una forma bastante monótona, consigue regalar esas contadas ocasiones en que lo electrificado se toma el protagonismo de este Into the wild. Si el sol y la Tierra le cantaran a un viajero extraviado, no me cabe duda que cantarían algo muy parecido a Hard Sun.

Definitivamente Society se desenvuelve en otro nivel, aunque acunando básicamente el mismo principio “con poco hacer mucho” y no escatima en recursos emocionales a la hora de instaurar la directiva del tema, coros, rasgueos acompasados, estribillos gancheros. Compuesta por Jerry Hannan y poseída en su totalidad por Vedder este escupitajo a la sociedad y sus modelos, no sin un dejo de tristeza, se apoya en la lírica explicita “..y tu crees que tienes que tener mas de lo que necesitas”. O el efecto emocional en la pronunciación susurrada de los “without me” dan la sensación que en cualquier instante el alma del vocal saldrá disparada con guitarra y todo. Resumiendo, si Long Nights era el resultado de escapar, con Society tendríamos el motivo.

Sumamos otro instrumental con The Wolf. La podríamos reducir a gritos catárticos mas pastosidad sonica, o un enlace hacia la salida. Pero hay un poco mas de donde juntar puntos. Aprovecha de utilizar el tótem del lobo que como entenderán tiene ciertas interpretaciones que pueden ser utilizadas por la mentada película y banda sonora. Contrario al entendimiento popular la imagen del Lobo es erróneamente asociada a la soledad, que es una idea algo errada, ya que este ultimo mas bien, representa al equilibrio entre el mundo personal con el externo, es decir el equilibrio entre uno y la sociedad. Podría ser una canción de relleno para algunos, no obstante su significación le da demasiada relevancia para pasarla por alto.

Ya con End of the road y sus seis cuerdas congestionadas son los remates que van cerrando el panorama. La letra otra vez hace de las suyas en particular el fragmento “Find a way to where the sky meet the earth” podría hasta llegar a sonar grandilocuente, mas es apropiada para un album de viaje como este. Una canción congestionada, que juguetea sutil con algunos matices de sintetizadores, aunque la guitarra es la que lidera los colores de la canción a pura desnudez y precariedad.

El broche de cierre corre por la mano de Guaranteed, minimalista, arpegiada, sencilla, letra ad-hoc y asi una suma de calificativos que pueden sonar reiterativos, es que la totalidad esta demasiado ligada a la personalidad que tenga cada canción, y aunque sean siete minutos de duración engañosos, ya que luego de un parón continua el tema en una versión reprise. Guaranteed consigue aplacar cualquier duda sobre la línea trazada para esta banda sonora. Una despedida dulce, que hasta el último segundo nos plantea frases a recordar… “conozco todas las reglas, pero ellas no me conocen a mi”. Y tú lector ¿las desconocerás?

Ya para cerrar,en el formato que sea Into the wild funciona tal como se lo propone, ya sea como película, como libro o como lo que nos atañe; su banda sonora – Se nota la compenetración de Vedder para con el hilo narrativo de la cinta, eso ayuda primero a facilitar el recorrido de un disco que ya tiene como asidero su trama- y este se podría limitar simplemente a rematar escenas o ahondar mas en las percepciones que deja la cinta de Sean Penn, sin embargo va un paso mas allá- se mimetiza totalmente con las formas de expresión, que intenta ese hijo del séptimo arte. Y probablemente al terminar Guranteed estés tomando tu mochila y abordando el camino que te lleve a algún despoblado natural – palabras de suerte y ¡ Von Voyage!

· Tracklist

· Setting Forth

· No Ceiling

· Far Behind

· Rise

· Long Nights

· Tuolumme

· Hard Sun

· Society

· The wolf

· End of the Road

· Guaranteed

Dos "retorcidos" años

2011-06-26T06:36:00.003-04:00

Desgraciadamente el ejercicio de la memoria no se me da tan bien como quisiera, hace dos años corría un Invierno de aquellos, no tengo un buen recuerdo en general de esas épocas, mas bien me parecen la transición mas compleja por la que ha pasado el que tipea tras esta pantalla…sin ser condescendiente unos líos ~~amorosos~~, intelectuales me tenia bien entrapado y no encontraba en mayor parte por esto, una manera de descongestionar el día a día.. Hasta que en esos ires y venires del instituto al trabajo, del trabajo a donde me alojaba en ese entonces, se le vino esa idea a este melómano introvertido de empezar a escribir… ¿Para quién? Pues inicialmente para nadie, era solo un desahogo casi tan efectivo como un café a solas, mas con el tiempo fue ganado fuerza, quizás por esa razón los escritos provenientes de esa época estaban tan cargados y tropezados, al menos el germen nació de esa sencilla terapia…

La primera afrenta luego de haber seleccionado la opción de crear la cuenta, era el nombre.. ¿Qué nombre llevaría el blog? Debía ser algo que sonara medianamente interesente por lo menos (como se habrán dado cuenta las musas nunca vinieron a mi XD) mas si bien no es un nombre apabullante si refleja bien mi perspectiva egocéntrica, fantasmal, melodramática y sonora de la vida y de la música, que al final es lo que importa ¿de donde viene el nombre entonces? (es que aveces divago disculpen)..pues de mi amado x&y, odiado por muchos, querido por nadie, ese disco tiene el calificativo (para mí) de ser el disco que promovió en mi las ganas de describirlo, no me bastaba con la sensaciones que producía, había que hacer algo mas, pasar a letras, por pobres que estas fueran en si. En particular el titulo del onceavo tema de la placa me gustaba como se proyectaba (no asi su música que es bien normalita dicho sea de paso) Twisted logic, les suena a algo??...pues si de ese tema se desdoblo el signo que es mas representativo de este blog y las dos palabritas que han pasado a formar aparte de mi rutina a partir de entonces..

Que mas podría decir!!..gracias a todos los que se dejan caer por acá…ya casi alcanzamos los 100 discos y vamos alrededor de las 25,000 visitas, mucha gente azul en facebook, cuatro decenas de seguidores verdes en bloguer y por sobre todo…excelentes compañeros de viaje.. Jesus, Miguel, Soyde, Gonzalo, El maestro Corvan,Persi, Dani, Sergio, Eter, Aldo, Dario, Savoy Truffle, El oido, Diego … y por sobre todos mi clacetinera favorita Andrea… les agradezco por pasarse a comentar y por darme a conocer mas musica, mangas y demases vituperios de esta blogosfera expansiva..

Vamos por otro año, con la esperanza de que siempre sea mejor, por cierto en estos dos años uno ya se da cuenta que por las venas aparte de sangre, le corre tinta, tinta digital, pero tinta al fin y al cabo…

PD: ¿Sabían que? Alguna vez en este blog, se escribió sobre Hunter X Hunter, já

PAZ

"Armas esenciales"

2011-06-18T12:51:00.002-04:00

Incubus – Light Grenades

Llegado a cierto punto del Otoño, uno ya empieza a olvidarse del sol y rezumar y rezumar las horas mientras el frío revoluciona la calle, empieza a relacionar y emparentar todas las ideas con inviernos pasados o con los por venir, o simplemente con algunos imaginarios- es en ese recodo de lo cotidiano cuando empecé a buscar algún resquicio del que aferrarme, para condicionar el paraje. Ahí se me vino a la mente una de esas estaciones pasadas, en particular una transcurrida hace unos 4 años- era helado tal cual ahora, tal vez un poco mas, lo relevante es que de fondo se oía una banda, al menos tres canciones suyas rotaban por la radio con regularidad, le daban de alguna manera a las largas caminatas diarias ese dejo de burbuja, que siempre hace mas amena la marcha… Anna Molly, Love Hurts y Dig con sus elegantes ganchos o potencia desorbitada; a su manera salvaron muchos de mis tempranos días…

Parafraseando uno de los títulos de las canciones de Incubus – ellos juegan con el agua y el aceite y lo paradójico es que resulta, y les funciona bien. La sangre que corría en los albores de esta banda era mas bien espesa, de un sonido electrificado, distorsionado y potente, antes que todo fuerte. Al devanear en la línea cronológica del grupo esta sonoridad se va aplacando , reestructurando y suavizando, dejándose influenciar por la voz pop de Brandon Boyd (¡O si he dicho pop, que palabra mas sacrílega, já!). Muchos -tal vez demasiados- al leer la frase “voz pop”, se imaginen las penas del infierno, sin embargo ese me parece el eje primordial en el que se erige la personalidad de Incubus, Boyd le da el “algo mas” a las canciones, arman de un caos creacional; piezas refinadas, tanto instrumental como vocalmente, sin dudar las entonaciones y vocalizaciones melifluas, son parte de la esencia que importa a la hora de oír a la banda de Calabazas. ¿Por qué? – porque esta se ve compensada por ejecuciones electrizadas, al borde del funk a ratos, o incluso me arriesgaría con el metal en ocasiones, implementando atmósferas, melodías y riffs machacantes, todo eso forma parte del collage, pero todo en una justa medida. Como un asiento de doble partida los elementos accesibles que instauran a un lado, son absolutamente equivalentes a fuerza, distorsión y presteza al otro- es decir puro equilibrio , y eso no es un resultado azaroso- luego de varias intentonas, mas bien es el desemboque de una carrera que se venia pronunciando por este sendero desde hace mucho. Yo diría que pusieron a un lado de la balanza lo esquizoide del A Crow left of the morder y al otro, el formato asequible de Morning view, dejando que al final primara la propia experiencia como norte a la hora del armado de este “Light Grenades”.

Cuando ya nos internamos en la infraestructura del album se aparecen varias conjeturas, inicialmente el grupo lo definiría como 13 canciones de 13 bandas diferentes, no obstante esa primera impresión va resultando un tanto pobre a medida que la placa va profundizando. El método creativo aplicado normalmente por Incubus consistía en que Mike Einziger, creaba con su guitarra melodías, las trabajaba un poco, manteniéndolas siempre como ideas básicas, para que luego Brandon agregara letras y demases, para finalmente elegir entre maquetas y grabar. Tal vez la única diferencia significativa es que en esta ocasión el periodo de tiempo se estiro un tanto y llegaron con las 13 maquetas ya elegidas. Fue esencial también la decisión que tomaron desde su anterior disco en cual hicieron un receso para ganar mas perspectiva en relación a su entorno que muchas veces llega muy distorsionado (por la vida propia de un artista), como buscando un dejo de realidad - desde ahí se desprende otro concepto que abarca en totalidad la placa, no voluntariamente pero lo hace- y adhiere a los temas la idea de que- “el mundo esta cambiando ” y no necesariamente para bien .

Veamos, al encender un televisor , leer una revista, o simplemente vagar por Internet vas acumulando muchas impresiones que se van albergando en tu subconsciente, queramos o no, esto nos sucede a todos y en algún lugar de nuestra mente –todos- o casi-tenemos esa vaga percepción que el entramado de nuestras vidas como ser global se está moviendo. Resulta que Brandon Boyd, tiene el dominio de estos y para la escritura de las letras del Light Grenades, aplico el uso del sueño lucido. Una técnica que practica desde niño y que consiste en tomar el control de sus propios sueños y en base a ellos ejecutar autoanálisis , por ende el pilar temático del album lo podríamos centrar básicamente en la percepción del vocalista de su entorno en términos subliminales. De hecho por ahí va el titulo también, creación y destrucción dos procesos tan emparentados, pero que se miran tan separados, que resulta casi paródico. Por cierto el productor es ni más ni menos que Brendan O’Brien ¿les suena? Pearl Jam?. Ahora a desmenuzar

Quicksand, es una bellísima canción, donde emplean el uso del didgeridoo un instrumento de viento antiquísimo originario de Australia, que ya habían utilizado con anterioridad en la apertura de su disco S.C.I.E.N.C.E. En si convergen en el tema sonoridades espesas, con la entonación calma pero apocalíptica de Boyd, que para el minuto dos la altera aplicando un breve pero atractivo falsetto. La letra es una absoluta delicia, que interpreto como el miedo a un cambio que se aproxima, asi como a la indecisión propia de afrontarlo, “Muy bien… ahora el monstruo está despierto, no descansará hasta que no haya quedado nada. Quizás de vez en cuando me olvido del dolor. Alguien aparece orientando la luz y las flores se ladean hacia el sol. Hay gente que se enamora y toca el cielo, otros se enamoran y se topan con arenas movedizas. Yo me debato en algún sitio de entre las dos partes… lo juro…No puedo tomar una decisión”. Corto pero preciso arranque, su final se ve adherido de inmediato al segundo corte y ahí hay más sorpresas.

A kiss to send us off, la podría tachar como una de las canciones de despedida más poderosas de este nuevo siglo, se apodera desde el inicio de una atmósfera opresiva que se va a agrietando y agrietando, para que entre sutilmente la guitarra con destellos luminosos, hasta meter colados unos riffs como metralletas aplastantes. De ahí el juego será cíclico- de la sutileza al vigor, una y otra vez. Entonces en el 02:43 empieza esa sección bellísima, Einziger crea ese efecto con su guitarra el mismo del principio, que aunado con la pronunciación de Boyd en las lineas “On a wire connecting our hearts. There's a string…” .Continua con un in crescendo, donde el batero acelera la pulsación hasta culminar en el apabullante, pero menos sincero estribillo. Vaya canción para finalizar una relación, o dejar la puerta entreabierta.

Dig, por acá sacan a relucir su lado mas pop, y Boyd le da coloraciones a su voz que la hacen mas cercanas al soul, flexibilizándola para suministrarle finalmente un tono dulzón a la canción. Lo primordial es que no se guardan recursos a la hora de hacerla sonar bonita. Elementos etéreos que emergen con naturalidad mientras Dig va cavando en nuestros oídos. Por cierto, nunca me ha molestado el sonido accesible, cuando este tiene un trasfondo interesante, como es este caso. Aparte la elegancia con que parte es sencillamente para rendirse.

Anna Molly, ¿Recuerdan que antes les mencionaba algo sobre el sueño lucido? Bueno Anna Molly es un producto directo de esta técnica. Derivado de la idea ensoñada de la imagen de una mujer perfecta, esta canción se menudea en ello, en la existencia o no de esta, esto se vera potenciado por el juego de palabras que da el titulo induciendo a oír la palabra anomalía, como si la existencia de esta mujer lo fuera. Musicalmente entrelaza los dos frentes en lo que se va moviendo Incubus, el celere y sugestivo al delicado y de gancho pop. La guitarra se asemeja a una mandolina a toda velocidad que le da la personalidad al tema. El manejo de la tensión del grupo es notable desde el 02:13, hasta producir ese clímax emocional del final.

La melodía hipnótica de Love Hurts es precisa, casi basada en el molde de Dig- es decir voz ganchera mas guitarras sutiles igual a canción segura. Podría caer en el nicho fácil que esto brinda, pero el etiquetarla asi seria demasiado cómodo e impreciso por lo demás. Es un track que brilla por fuerza propia, ya sea por esos coros bellísimos o el solo fluido del 02:34, que le ofrecen esa “alma” que canciones prefabricadas similares emulan pero no consiguen. Aunque tenga contenido cliché y sea peligrosamente pegajosa, me gusta porque una buena canción no necesita disfraces. Y esta carece de antifaz alguno.

Light Grenades, da muchas razones para tacharla de desenfrenada, apocalíptica, oscura o cualquier apelativo que no hayamos visto hasta ahora en el album. Si bien A kiss…era notablemente más subida de decibeles, estos los condicionaba a melodías y arreglos sutiles por ahí por allá. En cambio la homonima se deja desbandar por distorsión y brío sin mucho norte, realmente cuando sacan la artillería pesada, la sacan con ganas. En si este ejercicio cercano a un grunge neosecular, tampoco sé si sea un tema inolvidable, pero de que es hosco, lo es.

Earth to Bella (part I), de este punto en más, las variables son menos impresionantes, ello no demerita que sean excelentes canciones, solo que son menos apabullantes. Esta rola en particular da a entender la conciencia ecológica del grupo, un tema dividido en dos, con pocas intervenciones electrificadas, primando la balada evocativa. Un freno que contrasta absolutamente al anterior, de hecho es el extremo opuesto a Light Grenades, de no ser por ese cortinaje pesado de distorsión sinuosa que empieza a aparecer del 00:45, se mantendría en un pedestal lánguido. Buena melodía pero no se si tan inteligente o adictiva como para mantener en pie toda la canción.

Oil and Water, es otra canción de amor, la estructura y el color que adopta me gusta bastante, es como si Coldplay del X & Y encarnara la instrumentación. Boyd le pone una intensidad mesurada a su voz, que dicho sea de paso, tiene una tonalidad muy propia, sin sobreactuar consigue aplicarle dejos emocionales a esta. José Pasillas, hace un buen trabajo con su batería, aplicando platillos o golpes hondos para dibujar la línea de intensidad. Las seis cuerdas son bastante prístinas y se asocian de buena forma con la atmósfera recreada por DJ Kilmore, a quien sin duda se le debe todo el clima del disco.

Con Diamonds and coal, se acentúa mas esa dicotomía insinuada en Oil and Water, ya sea por el titulo o el power pop de la canción, Pasillas se parece bastante a Will Champion en su ejecución. Unos teclados etéreos y en segundo plano, van dando la forma . Si hubiera que cercenar alguna pista para vislumbrar el rumbo que toma esta placa en su segunda mitad, usaría esta, por su evidente tendencia a la armonía asequible. La temática ronda en torno al amor complicado otra vez, Boyd le dice a la chica, que las relaciones toman tiempo, que hasta el carbón para convertirse en diamantes requiere de eso, no es una gran metáfora, pero ejemplifica bien.

Como un grito a la revolución intelectual y de paso como una pulsación acelerada anómala llega Rogues, de esos pocos pero bienvenidos acelerones. Al inicio uno pensaría que continuaría con el aura melódica hipnótica, que se venia alargando, no obstante entre esos devaneos y coloraciones vocales como si el mismisimo Jeff Buckley se hubiese levantado de la tumba a cantar, se desaparecen de la mente en un santiamén al 0:25, que es cuando los riffs desordenados pero asesinos se precipitan con estrépito. Pese a lo rustico y cavernoso que pueda sonar .Su estribillo destilara lo pastoso de siempre… el solo del 02:47 eriza los cabellos con pura estática y resonancia!!!. Cambio de velocidad excelente al recorrido.

Paper Shoes, retorna al abrigo de las sonoridades adictivas, pero con una clara columna acústica, la guitarra de palo dibuja los senderos siempre bellos en los que desenvovlerse, las imágenes de la canción son también bastante sugestivas, con el símbolo lírico de los zapatos de papel y la fragilidad de estos, refracta esa debilidad emocional que trasmite. Más contenidos en cuanto a adrenalina, pero también más precisos una vez más.

Ya para el cierre, se dan la posibilidad de experimentar un poco, con Pendulous Thread, casi un experimento setentero desordenado, con harta guitarra espontánea y peligrosa distorsión, esa es la palabra PELIGROSA, estos muchachos también muerden con sus guitarras cuando quieren, prueba de ello es este esquizoide péndulo que nos enrolla el cuello y por poco, muy poco decapita. Contrasta en lineas generales con todo lo previo y sin embargo conserva ese dejo de globalidad, es interesante sin duda – interesante -

Earth to bella (part II), es la otra mitad que corto la bisectriz, en esta ocasión mas acompasada, con mas teclados y menos lírica, vendría siendo la pieza impalpable, que busca igualar el delicado equilibrio de Light Grenades, lo cual lo deja a uno con la sencilla idea de que un gran disco pasó por nuestros oídos, en ese instante en que ETB (PII) cierra la ultima puerta…o mejor dicho lanza la ultima granada.

Puede que se hayan dosificado en exceso la carga de volteos que habían acumulado durante su carrera, puede también que por esquivar lo obvio hayan simplificado en exceso, pero aun asi, el resultado es atractivo en todo el espectro que esa palabra pueda acuñar, melodías volátiles, guitarras disparando balas de riffs, flexibilizaciones vocales que embrujan, letras profundas, a ratos obvias también. Son un conjunto que deja buen sabor de boca y ante todo, hace pensar. Tal vez el panorama ya no sea tan apremiante globalmente como ese 2006, y sin embargo persiste esa interrogante en el aire…algo esta cambiando o no?

· Tracklist

· Quicksand

· A kiss to send us off

· Dig

· Anna Molly

· Love Hurts

· Light Grenades

· Earth to Bella (part I)

· Oil and Water

· Diamonds and coals

· Rogues

· Paper shoes

· Pendulous Threads

· Earth to Bella (part II)

“Mas preguntas que respuestas”

2011-06-03T10:40:00.000-04:00

Placebo – Homonimo

Imagínense un individuo promedio, podría ser tú, yo o cualquier otro. Este individuo tiene la capacidad para tomar cualquier experiencia a su alrededor, aventurarse, entender, probar, frecuentar o dejar. Sin embargo de su cuello cuelga un tótem, este ultimo es muy pesado como para arrastrarlo muy lejos, entonces esta persona se va quedando cada vez mas encerrado en su circulo rodeado de cosas que ya ha visto, pero por culpa de este colgante cada vez son menos las sonoridades, colores nuevos que va emprendiendo. Con el tiempo va juntando mas tótem en su cuello hasta que simplemente no puede moverse fuera de estos limites y saborear ninguna novedad posible (lo cual no es malo tampoco, ya que alcanzara una gran especialización en asuntos que le son viables). Con la banda en cuestión no se puede llevar colgante alguno al cuello (si es que los hay), que nos son ajenos la mayoría de las veces, mas bien impuestos por asuntos sociales. ¡Y que mas da! Si el rock vino a algo a este cuerpo celeste fue a romper esquemas precisamente y Placebo con su estética, vino a eso mismo; a doblar un poco los prejuicios de esa escena cada vez mas plagada de tótem.

Ahora, seria también un error irrevocable el centrar esta reseña en una estética que les es muy propia, sobrecargada, plástica pero que va de la mano de sus sonidos y líricas. Entonces ¿por donde abordamos este efecto placebo?, pues por donde siempre debe ser juzgada una banda de rock - por sus canciones..

Aunque antes es necesario, hacer una parada obligada en la génesis, misión y visión de la banda para recolectar algunos indicios. El grupo para este trabajo y a grandes rasgos esta formado por Brian Molko, Stefan Olsdal y Steve Hewitt - ¡Esperen, este ultimo no aparece en el homonimo! Y eso es simple de explicar, Hewitt conocía a Molko y de hecho lo acompañaba siempre que podía en sus actuaciones, el lío es que para cuando Placebo fue formado y necesitaba grabar su primer disco el señor Steve no se encontraba disponible por ello se integro como baterista a Robert Schultzberg, quien se hará cargo de las baquetas para este LP, y bueno la incorporación total de Hewitt se concretara para las próximas entregas. Aparte Robert, no lo hace nada de mal, asimilando esa tendencia agresiva de este homonimo. La formación propiamente tal se dio origen cuando Brian se encuentra con Stefan en el metro de Londres, y conversando y afinando intereses deciden aventurarse en una banda, ya se conocían solo que nunca habían cruzado palabra alguna mientras iban a la misma escuela. En palabras de ellos, por pertenecer a diferentes grupos sociales, en esa época ¡Que mas da! La cosa es que una vez con este trío de integrantes ya tendríamos las bases para sentar el sonido placebo (que originalmente se llamaría Ashtray heart, igual como la canción homónima del Battle for the sun!, menos mal que lo cambiaron). Novedosa formación? Interesante historia? Para nada!! Lo realmente interesante viene con su música y como no, con las formas estilísticas de esta…

La naturaleza primaria de Placebo es como la tercera palabra de esta línea, punk, potente, cargada, pero muy al hueso. Evocan mucha angustia y a ratos esto se les va un poco de las manos, pero nada particularmente dañino, recordemos que toda esta posible carga dramática, es derivativa totalmente de Molko , quien en un inicio intento ser actor o estar mas ligado a las artes escénicas, proyecto que se frustro, pero que de alguna manera le abrió el camino para iniciar su banda a modo de buscar maneras alternas de expresión. Citándolo a él, no concuerda con la imagen proyectada inicialmente por el grupo; debido a algunas razones como las letras, que no las siente tan bien definidas y un tanto banales, el haber hablado tanto de sexo, desvió los reflectores en otra dirección, en desmedro de lo esencial. Eso salta a la vista, no se explayan de forma natural, sonando a ratos sobrepuestas o mejor dicho, forzada.

Por ultimo, la huella digital de este homonimo la podríamos centrar o atrapar justamente entre dos ejes de tiempo, el primero seria toda el ímpetu y desprolijidad del rock alternativo de finales de los 80’s y principio de los 90’s , mucho Pixies, Sonic Youth y Smashing Pumpkies mas las bases del brit pop, como el mismísimo Morrisey. No obstante me salta inmediatamente a la vista esa peculiaridad del sonido distorsitivo y silvestre que también acuñaría años más tarde Muse en su debut. Desde acá también se podrían trazar líneas en esa dirección, algo de deudor del The bends hay, ciertamente son casi de la misma época. Son en su forma canciones amparadas en todo el potencial eléctrico, mas una estilística bizarra apadrinada en sus videos, viñetas oscuras en la mayoría de los casos, aunque manteniendo a flor de piel el incesante gancho pop.

Luego de ello, ahora si a las canciones. Come Home es el punto de partida y tenemos una buena brújula con esta ficha inicial del tracklist. Muchas veces hacer click con un disco completo se dificulta por el “tema inicial”, ese eterno recepcionista que nos predispone el animo para el resto del tiraje. Placebo anula la posibilidad de que nos perdamos, Come Home es en si un ejercicio punketa, y uno que atrapa al instante. De percusiones alineadas con procesiones de riffs incesantes, vocalizaciones fuliginosas para representar la precariedad de ese personaje que añora volver a casa, uno se puede hasta poner en los pantalones del narrador. Casi haciendo nacer la necesidad patológica de retornar. Entre intervalos también se percibe la integración de un metal (04:30); que interviene con dejos calidos la absoluta desolación del tema. Buen arranque!.

De segundo plato viene Teenage angst, es un titulo que espanta a cualquiera, uno casi podría intuir la venida de una horda de paranoias y sin sentidos afligidos y hormonales; mas la letra no me parece para nada mala, de hecho refleja bastante elocuentemente “esa angustia” tan propagada, sin caer en casi ningún cliché “Trapped in amber, petrified
and still not satisfied. Airs and social graces. Elocution so divine .I'll stick to my needle and my favourite waste of time, both spineless and sublime”. Y hay mas destacables como la guitarra que suena creativa en desmedro de la potencia, el bajo le termina de echar esa segunda mano de pintura hosca, que hacen de la canción bastante completa, aunque sus secuencias sean un tanto repetitivas, un mal que asecha a gran parte de la placa. Por ser Bionic cae redondísima en esa ultima clasificación; vocalmente Molko suena como el titulo; “biónico” - cero transmisión de emoción y con ello (de efecto directo) desgano. La guitarra sigue siendo mas transparente, pero no creo que sea necesario el dar vueltas en círculos la mayoría del tiempo. De todos modos, me sigue gustando ese fragmento del 03:36 en adelante, donde pareciesen gotitas de agua cayendo sobre aluminio; quizás el esqueleto del tema daba para mas. Si es que se hubiese querido insertarle variantes, claro.

Luego 36 Degrees eleva nuevamente el promedio, siendo una de mis favoritas de esta “básica y autómata” placa; una dosis directa de vértigo; la guitarra a toda velocidad o ese 01:31 donde la voz toma la batuta y se deja acompañar por los instrumentos restantes quienes se las ingenian para armar una sutil aura en segundo plano que ayuda a darle mayor énfasis a la pronunciación de Brian. Suena potente, pero sagaz. Aparte sin caer en la suciedad sonica, lo que le da puntos a la sofisticación (palabra que alcanzaran mas tarde en cuanto a ejecución) sin perder un gramo de fuerza. Asociándola a su video ha de ser la forma mas presurosa de ahogarse. Ja!

Recuerdan que les decía que Molko se avergonzaba de sus primeras letras. Bueno en Hang on to your IQ, podríamos encontrar algunas señales del porque; es un tema con claras referencias sexuales sin ser demasiada bien tratadas las figuras líricas. Musicalmente es una burbuja a la vorágine de guitarras del disco, empieza prometedora con un bajo sugestivo. Pero luego se vuelve un tanto aburrida, el estribillo sin mas es bastante débil. Aunque tiene ese detalle de incorporar unos tenues agregados como campanitas diminutas sonando por ahí; no se si será un triangulo o algo? Pero le da un leve respiro al casi absoluto sopor de la canción. Su sucesora- Nancy Boy al menos en el aspecto lírico, no varia demasiado entregándonos otra rola hedonista y libidinosa, en el sentido mas explicito de la palabra- la música recrea secciones de distorsión plana y batacazos hondos, con instantes donde desde la guitarra emana una sonoridad como de aspiradora, interesante. Por otra parte es sin duda el tema al cual le deben su primera imagen como banda, ya sea por el video que contenía crípticas imágenes, como por las letras que es un argumento ya abordado.

Una rola de medio tiempo es I know, sutilmente inspirada es casi como una canción repleta de hematomas que se van floreciendo por la piel, es simple pero engancha- por otra parte su final tiene ciertos dejos orientales- muy poco pero lo suficiente para traerlo a la mente.

Como lo mas calibrado de la placa considero a Bruise Pristine , los primeros 30 segundos salen al abordaje y conquista- armando esos hálitos tensos donde Placebo se siente mas cómodo, luego va aumentando la intensidad hasta el 00:54 que es donde originan ese efecto de abducción realmente genial, pese a su aparente simplicidad, crea una sensación bastante tirante, mientras B. Molko recita el titulo del track. Luego le adhieren la típica sección aletargada- hasta que Olsdal se deja llevar emanando de su bajo tensión grave, después vuelven a repetir el efecto de succión y desvanecer el tema; si esto no va al hueso ¿Qué?

Sonar salvaje, y cuidando los detalles de enganche, no podría poner en duda el manejo que tienen de ello como agrupación.

De aquí en adelante el disco toma otra orientación, casi como una forma forzosa de evitar la monotonía, Lady of Flowers, es semi-crepuscular. Stefan se pone muy pesado, contraponiéndose a las líneas fosforescentes de las seis cuerdas, mientras una lánguida voz discursea- no es una composición de clímax, mas bien al revés, es casi como un agujero negro, sin contrastes. Cierra la atmosférica (Atmosféricas? hasta acá lo creía un álbum que solo se componía de lo contrario) Swallow, un difuso cuadro al final del pasillo. Y como casi ya es una tradición, tenemos un track oculto e instrumental titulado H.K Farewell, de coqueteos radioheadianos, palpita como una ligera marisma para apagar la luz, o mas bien mantenerla extinguida. De construcción limpia, tal vez se haga demasiado larga, sin embargo el tecleo final de esa nota de piano - si que es cortante, casi diciendo… ¡Hasta aquí!

Como ven una buena manifestación punk-brit, que aunque a veces peca de repetitiva entremedio de la distorsión saben encalar algún arreglo tenue que suavice u otorgue un poco de luminosidad en la absoluta opacidad imperante. Y bueno no hay mucho mas que agregar de este directo debut, quien seguiría por una ruta similar, aunque tenuemente mas refinada en cuanto a inclinaciones. Siempre manteniendo como premisa y tal como asevera el titulo extraído de una de las tantas mordaces palabras de B. Molko; música que siempre ofrecerá mas preguntas, que respuestas…

· Tracklist

· Come Home

· Teenage Angst

· Bionic

· 36 Degrees

· Hang on to your IQ

· Nancy Boy

· I know

· Bruise Pristine

· Lady of Flowers

· Swallow

· H.K Farewell

“La Reina Isabel le guiña un ojo al Tío Sam”

2011-05-27T09:02:00.000-04:00

Blur – Homonimo

Una vez un lector me consultó por cuales discos de Blur se podía empezar para encontrarle el gusto al grupo. En esa ocasión recuerdo haber mencionado el grandioso The Great Escape, el perfecto 13, el carismático Parklife e incluso esa declaración de principios que era el Modern Life Is Rubbish- lo que no entiendo es -¡Como carajo obvie mencionar el disco homonimo ¡. ¿Será el prejuicio por el cambio de sonido? ¿O algún derivado de aquella conclusión? Quién sabe, solo me caben unas pocas líneas y muchas razones para revindicarme con él, y su INMENSO contenido, porque lo de riesgoso, eso queda mas que claro solo al darle play.

Este album comprueba la inmensa inteligencia que tenian a la hora de direccionar sus inquietudes artísticas a la par de la lealtad con su música. No es que le hayan dado la espalda a la cultura musical de su país, bueno de cierto modo si, no obstante esto no obedece a una traición o una conveniencia, sino a un paso lógico dentro de una cadena de sucesos. ¿Pero de que estoy hablando?- Primero ordenare las ideas. Blur siempre fue la banda británica por antonomasia, ingleses hasta la medula, su sonoridad, sus textos, todo rebosaba anglofilia por doquier, esta característica los tenia inmersos en un nicho muy definido, y todo nicho muy marcado tarde o temprano termina quedando chico. Si a esto le agregamos que luego de haber lanzado su mejor album, y este no haya tenido la respuesta esperada ante esa competencia virulenta con los hermanos Gallagher, es decir una derrota ridícula ante Oasis, cualquiera con cinco dedos de frente decidiría cambiar de frente, o mejor dicho… torcer la perspectiva. Entonces estos cuatro señores se encontraban en un barco llamado brit-rock, que se llenaba gradualmente de agua y no había como contenerlo, ellos ya habían hecho lo suyo, asi que eligieron lo que nadie mas hizo…en vez de ahogarse para la perpetuidad en el agua del abandono..saltaron por la borda y se atrevieron a ahogarse, nada de tomar salvavidas fáciles- sino que se centraron en crear un album controversial, evidente cambio de rumbo- y lo mejor de todo; una permutación bastante acertada. Como se habrán dado cuenta- no se ahogaron, pero que tragaron agua salada, tragaron.

El homonimo los ve rebautizarse, como acertadamente leí por ahí, cambiando la tez de su sonido, ya que de fondo siguen manteniendo el mismo eje- y es que la influencia del underground americano llena de su intermitencia el disco. Con eso se podrían dilucidar algunas coordenadas de este recambio, el protagonismo de Graham Coxon para ir al grano, quien siempre se mantenía como el creador silencioso tras las viñetas líricas y caricaturescas de su compañero Damon, es quien lleva las riendas en este quinto trabajo, recordemos que era el quien estuvo inicialmente mas influenciado por estas cultura sónica, en cambio Albarn la descubriría mas tarde, hecho con el cual se consiguió el quórum para avanzar en este sentido :de ahí esta coloración que extrañó a anglófilos y sajones, al no sonar tan autóctona? flemáticamente británica? Sino que a ratos aplica la distorsión, la velocidad, la desprolijidad, asi como leves suspiros de punk. Aunque ha de quedar claro que como primeros resultados por esta reinvención hubieron varias complicaciones que enneblinaron el sentido real del album- hablo de los comentarios de Damon con eso de “Ya no nos interesa el brit-pop”, mas la evidente carencia de ideas en sus congeneracionales, hicieron ver esta decisión como una falta en vez de lo acertada que podía llegar a ser. No se estaban pasando de bando, sino mas bien estaban creando frente a las narices de todos una parodia inmensa, que ni los afectados, ni quienes debían disfrutarla entendieron jamás! ; por eso mismo no hay mejor forma de burlarse de alguien en su cara que simulando que lo admiras , no? Me captan?

Por eso que suenan mas gringos, porque pervierten el sonido con sus blasfemias inglesas, y muy a mi parecer nunca dejan de sonar a Blur, mas fuertes pero con las mismas texturas y guitarras creativas , en eso el guitarrista se sigue luciendo, es muy prolífico y variable el sonido que le da a sus seis cuerdas, las temáticas giraran un tanto a sentidos mas personales, en vez de las caricaturas a las que nos tenian acostumbrados, mas eso se sobreentiende tomando el difícil proceso de transición que vivía Damon en ese entonces y no solo él sino toda la banda, por las evidentes adicciones a la Heroína, la depresión , etc. Para principio de 1996 la banda casi se acaba por trifulcas internas, ya saben líos de droga, imagínense?, asi que esta renovación lírica viene directamente de esas afluencias, pura introspección.

Abre Beetlebum, y ¡que canción escogen para echar a andar esta maquinaria pop!, la guitarra de Graham Coxon se muestra entre elegante y etérea, al igual que el jugueteo sicotrópico del bajo, pero quien se lleva toda la canción con el dinamismo de su voz es Albarn, por instantes el instrumento vocal alcanza cotas bastante heroinomaniacas (¿el mismo sentido de la canción?). Hay muchos temas que hablan de adicción mostrándonos su lado crudo y destructivo, sin embargo este tema con toda su edificación, consigue hilvanar una canción terrorífica, porque no trata de mostrarnos los horrores y el infierno mismo de ser un yonkie, y a la vez seguir siendo un tema de adicción, la clave va en el nivel superlativo de su narración, uno se siente ensoñado, pero quiere escapar de esta ensoñación y no puede, es eso. Por eso es tan terrible el tema, porque nos hace sentir bien con ese estado. El final es genial con Damon usando un falsetto en las líneas “He's on, he's on, he's on it” . Podrán haber mil versiones más sobre el sentido de la composición, mas por lejos este me parece el más acertado, Albarn en su momento seguía combatiendo contra la adicción a esta droga y no solo él su novia de ese entonces la exquisita Justine Frischmann también.

Y luego de ese coctel sonoro impecable llega Song 2, un tema rápido, rockero, muy corto y ganchero, con pocas ideas pero que queda grabado de inmediato, de hecho ha de ser de una retorcida forma el mas conocido de Blur, siendo que su ADN sonoro no se parece en nada al historial musical del grupo, en fin cosas de la industria. Seria injusto de todas maneras el denigrar demasiado esta canción a los gringos al menos les gusto; siendo que a todas luces es una parodia de ese sonido crudo, la letra no dice absolutamente nada, salvo claro los universalmente conocidos Woo hoo!! Y esa línea que es para partirse de risa con el “when i feel heavy metal”, un chiste inmenso, comprendido por…nadie.

Country Sad Balad Man, abre esa tónica experimental, pero tan deliciosa con artilugios desparramados, desde el tratamiento de la voz , que es colada por un amplificador de guitarra, hasta todas las resonancias que es capaz de sacarle a su guitarra Graham Coxon, resortes sonoros, o esa figura del 03:33 arman una canción de una “singular” melancolía. Entonces ejecutan un tema de David Bowie, digo de Blur- es que M.O.R cae rotundamente en eso, se apodera de la progresión de acordes que ocupo el camaleón en sus canciones “Boys keep swinging” y “Fantastic Voyage”, y para cubrirse las espaldas acreditaron a Eno y Bowie en el tema, dejando una sensación de homenaje, en lugar del siempre mal visto plagio. En si el tema es bastante potente, de esa fuerza mesurada y equilibrada, aunque no sabría si darle todo el merito a Blur, después de todo… Ah!!- bueno lo importante es que deja en buen pie las energías de la placa, acelerando cuando se debe, y es una excelente canción que es lo significativo, al igual que On your Own , tema facturado hasta el mas mínimo detalle, Damon es acompañado de ácidos coros, mientras nos reitera “no me dejes solo” Rowntree usa un TR-606 que le da ese aire árido atmosférico a su percusión, y Coxon otra vez se lleva el tema al 02:20 con zumbidos zigzagueantes, hasta el minuto 3’ donde los coros se hacen mas palpables y no detrás de una cortina de aluminio, el pick del tema que solo baja con el fade out de pulso eléctricos, y una sirena engorrosa muy en segundo plano, un pináculo mas del LP, este fragmento es realmente duro con líricas muy alucinógenas? “Well, we all go happy day glow in the disco. The sound of magic music in our brains. Someone stumbles to the bathroom with the horrors. Says Lord, give me time, for I've jumped into space. I'm in outer space” cima

Entonces cuando andamos mas menos a la altura de la mitad del disco, nos encontramos con Theme from Retro, que es a este Homonimo lo que era The debt Collector al Parklife, voces fragmentadas y distorsionadas en una paleta sicodélica instrumental, que como siempre digo no hay para que saltárselas, al final terminan hilando mejor el concepto completo de un album, y es mas bien como una puerta giratoria que nos deja con otra disposición para que Graham Coxon nos muestre su creación. Compuesto y cantado por él You’re so Great, es puro Beatles, se edifica en base a una guitarra acústica y quizás por ahí unas seis cuerdas eléctricas muy en segundo plano que a ratos tienden a tomar protagonismo sin embargo el papel principal lo tienen la mayoría del tiempo la voz prístina y bidimensional del miope guitarrista, es una canción feliz de esas que te ponen de buen humor por su vibra de reencantamiento, podría haber sido mejor? Tal vez - pero me gusta ese ángulo que le encuentra Coxon.

Y bueno nos quedan mas canciones para sorprendernos Death of A Party ha de ser la reencarnación misma de la resaca, pero una resaca hipnótica y sin duda la mas adictiva que he oído. El final de la fiesta ¿será sobre la muerte del Britrock? algunas líneas para esclarecer… “The death of the party .Came as no surprise…And i thought "well, well" go to another party and hang myself”. Es depresiva ¿y? díganme que ese péndulo sónico del estribillo no vale la pena? O las vociferaciones de Damon al 02:30 como ecos de una caída libre; son puros detalles que en definitiva dan forma a esta bonita oda que retrata ese sentir cuando algo se acaba; el bajo y la batería también se lucen en el termino del tema..de esas canciones que casi dan escalofríos por su certeza, quedan bienvenidos a sumergirse en esos 4:33 de puro abismo. Que los valen.

Luego volvemos a tocar la fibra punk, con Chinese bombs, de esas canciones cortas, de letra hilarante, que bien podrían estar-(como no estarlo)- y nadie las echaría de menos- pero por otro lado, si hay una manera de corroborar las conjeturas que Blur se americanizó, bueno acá tienen con que valerse para afirmarlo, un poco mas interesante es I’m just a killer for your love, que tiene una secuencia interesante bastante sugestiva y al mismo tiempo plástica- me recuerda ese germen que luego se trasformaría en Gorillaz-¿Qué cosas dices panxo?- pero es que este sonido tiene un código de “algo a desarrollarse mas tarde”, porque no? Podría perfectamente ser ese eslabón, aparte coincide en el año de la génesis de aquella banda virtual.

Y si pedían mas buenas canciones la generosidad no para. Look inside America, tiene todo para ser considerada un clásico dentro del cancionero de la banda, partamos por la letra irónica a mas no poder, Damon mira con cierta desidia a esa cultura eternamente despreciada, si al partir ya dice “Good morning, lethargy. Drink Pepsi - it's good for energy” o cuando ya no se guarda nada y el escupitajo acido es mas certero “Looking for America with its kookie nights and suicides.TV says its alright cos everybody's hung up on something or other” . Y musicalmente no se queda atrás abriendo un mestizaje entre la guitarra bronca con arreglos de cuerda realmente bonitos. Al 02:36 el efecto es simplemente quimérico, y como guarda cierta malicia hace interesante lo que deriva de ella.

Al parecer no solo con M.O.R tomaron inspiración de David Bowie en Strange news from another star evoca el espíritu de Space Oddity, lo resucitan para los 90’s. Pero solo es una insinuación, nada tan descarado como el cuarto track, tiene esos vahos supernovescos y esa paz sideral. Aparte del titulo ser una clara alusión a la colección homónima de cuentos de Herman Hesse, es un tema a medio tiempo, bastante sutil. Hasta que Rowntree se pone a darle baquetazos a su batería emulando una arenga militar al finiquitar la canción. Una buena manera de hacerla crecer en potencia. En definitiva una preciosa pieza que hubiese sido ideal para terminar el album sin embargo quedaran dos temas mas (bueno tres para los mas acuciosos) Movin on, un sucedáneo gringo en el que Coxon solo falta que haga hablar a su guitarra y un efecto de aspiradora galáctica al 02:20 y Essex Dogs, que extrema todavía mas la idea de experimento, tema rarito, experimental, bizarro o lisérgico uno de esos cuatro apelativos o los cuatro juntos si asi lo prefieren. Y decía tres porque acabado el tema nº 14 viene luego unos sonidos espaciales bastante sugerentes, transmiten esa peculiaridad de estar vagabundo en un espacio vacío, manera bastante ambigua de acabar, ya que deja en el aire una sensación de adormecimiento raro.

Eso era todo; la búsqueda artística para Blur no cesaba y ya francamente no se sentían cómodos dentro de los parámetros con los que crecieron con total holgura desde MLIR en adelante, la trilogía sajona se había cerrado ya!, era momento de nuevos aires, nuevas parodias, nuevas perspectivas que darle a las canciones; se arriesgaron ; derribando todo lo armado hasta ahí y triunfaron; artísticamente y en lo otro (menos relevante) también.. Al final el armado de canciones sigue tan fino como siempre Beetlebum, Strange news from another star, Death of a Party, Look inside America, On your own, Song 2 (se quiera o no), son puras señales que algo había cambiado en la conciencia de Blur, y ese algo solo miraría donde debía; hacia adelante…

· Tracklist

· Beetlebum

· Song 2

· Country sad ballad man

· M.O.R

· On your Own

· Theme from retro

· You’re so great

· Death Of A Party

· Chinese Bombs

· I’m just a killer for your love

· Look inside America

· Strange news from another star

· Movin’ on

· Essex dogs

“Esos británicos paganos”

2011-05-20T11:42:00.003-04:00

Oasis – Heathen Chemistry

¡No se preocupen fans de Oasis! En esta ocasión no me dedicare a apalear tan de lleno a la banda mancuniana. Ello no por el contrario en desmedro de que se hará necesario el recalcar como siempre los vicios compositivos en los que suele trastabillar la agrupación en cuestión. Heathen Chemistry, me vuelve proclive a decir que es un avance en relación al empantanado “Standing on the shoulder of giants” eso salta a los oídos de inmediato y no porque marque una NOTABLE evolución con respecto a este u otros discos previos, sino mas bien a un temple mejor hilado al momento de componer los temas. Siguen siendo grandilocuentes y poniéndose zapatos más grandes que los de su talla, no obstante esta vez bajaron un poquito el número de ese exceso. Se atreven otra vez a alejarse un poco de ese nicho seguro que significan las canciones calcadas a “Wonderwall” , y en esta ocasión el hecho de aventurarse un poco, si da resultados un poco mas satisfactorios. Evitando de una ladina manera el tan marcado “autoplagio”, que les venia persiguiendo desde el 97’.

Antes que todo, los temas si son mas interesantes y tienen mas capas desde donde abordarse, una características poco propia de ellos como grupo, y por otro lado tienen muchísima mas forma que la colección de canciones del año 2000, apuntan bien en ello. Los dejos de psicodelia que adoptaron seguirán presentes, aunque mas al servicio de la canción, que una canción al servicio de la psicodelia que fue como erróneamente se plantearon los años previos. Firmando pinturas un tanto mas concretas, menos desordenas y también mas creativas. Pero esta cualidad ¿de donde viene? Al menos yo me haría esa pregunta. Y resulta de una cuestión demasiado simple, si antes el mezquino de Noel no aceptaba que sus ideas ya estaban algo gastadas como para cargarse todo el peso compositivo del album a cuestas y desarrollar un fútil sobreexceso de creaciones con su nombre , ahora si corrige totalmente ese vicio. En SOTSOG, cedió una canción a su hermano Liam, acá Gem Archer tomara también mas protagonismo y es que se nota la mano del guitarrista, que de cierta forma deja llevar sus influencias creativas en una admirable simbiosis, como recita ese antiguo pero cada vez mas cierto dicho “la suma de las partes siempre será mas que la unión de estas individualmente” y creo Gem , entiende de sobremanera esto creando temas PARA la banda, aunque sea solo uno ¿Entendiste Noel? -Ello generara libertad para que el Gallagher mayor, pueda pulir de mejor manera los temas de su autoría, que vistos y todo, seguirán tomando mayor peso en el balance final del album, otra gran sorpresa es que las aportaciones de Liam son evolutivamente superiores a su pobre primera incursión, de hecho en “Born on a different cloud” se manda una excelente canción lisérgica ¿Quién lo diría no?

Y aun hay mas destacables!, las canciones cobran mayor revuelo individualmente, Hung of an different place, Stop Cryng your heart out, Little by Little son temas que brillan por si mismos, podrán cuestionarme que algunos de los que señalo tienen todo el molde de refritos vistos hasta el cansancio, sin embargo ¿son malos temas? –No- ¿Oasis es una banda experimental? No, Oasis es una banda de rock-pop directo. Entonces, los que piden creaciones trascendentes es mejor buscar en otro lado si es lo que quieren - Si hay una de las cosas que rescato de este grupo es eso, van al grano “calculan mal su porte” pero hacen buenas canciones la mayoría del tiempo, y eso destaca nuevamente, ¡Si hasta Johnny Marr ex-guitarrista de los Smiths colabora en algunos temas!

Seria un tanto majadero a estas altura al menos no darles el merito por esta mejora.

Bueno casi todos los tracks están coligados entre si y la apertura no siendo nada sorpresivo ya dejaba un sabor a algo un tanto mas maduro, The hindu times es casi como una prueba de fe, no solo por la letra declarada en que retoman su admiración por el rock and roll, cual creyentes religiosos, sino porque sonando tan influenciada por el SOTSOG y con un estribillo y riff típicos, arman una buenisima canción nebulosa..la muralla expansiva de sonido del inicio también es exquisita, no de la mejores aperturas de la banda, que sige siendo muy difusa pero como ya decía un gancho para seguir creyendo, y le meten de esos conceptos cíclicos en que termina con el mismo sonido que inicio ,da el puntapié para que entre Noel Gallagher a cantar en Force of Nature, que en si es contundente, plana como ella sola pero decisiva, recuerdan como armar un buen numero de rock convincente, no le meten ningún matiz, pero que la canción es consistente..es consistente, no soy tan majadero como para despotricar por nada.

Y hasta aquí nada tan especial cierto? Leves dejos de mejora, pero nada razonablemente justificado como para darles la venia, y con Hung in a bad place, ocurre ese clic que a uno lo engancha en el album. Creación de Gem Archer, contiene varios elementos para ser considerada la mejor del álbum, el bajo de Andy Bell se luce bastante, las guitarras son un poco mas nítidas sin armar una carrera de caballos estrepitosa que a uno lo deje confuso, mas bien van al grano y crean riffs potentes y alguna que otra sonoridades ingeniosa, como en el minuto 02:54 ese final es alucinante. ¿ No se si es solo a mi o la letra es bastante suicida? Y si no , es que habla de un RADICAL cambio como en las líneas.. “i can sleep underwater, never worried what i’m gonna dream now” y se fijaron también cuando Liam canta en español esa frase “It’s hasta mañana”. Buena canción absolutamente.

Todo servido para Stop cryng your heart out, de esas canciones que tienen 100% el sello de esta agrupación, un piano nostálgico letras de amor esperanzado y un estribillo bien pegajoso recrean una balada bonita, nada mas ni nada menos, ni el monstruo deleznable y aburrido que algunos sugieren, ni una canción de amor definitiva, el pandero es bastante crispante como si fuera cayendo hielo picado, en definitiva es un tema bonito de esos para animarse y viceversa, aunque si de temas bonitos se trata Liam se saca un tremendo as bajo la manga con Songbird, un tema precioso, las primeras veces sabe a demasiada tranquilidad algo carente de dimensiones, mas gana muchísimo en los detalles, ese sonido amasado por sintetizadores esta muy bien logrado, dan el complemento ideal para la guitarra acústica, y esa confección excelsa del 01:32 dan como mil respiros, pues que mas decir ¡Bien por Liam!!

Noel nos dice que la perfección debe ser imperfecta, y me pregunto si habrá aplicado el mismo precepto para la canción Little by Little, en si esta si que podríamos encerrarla en el circulo de lo predecible y mas de “lo venia venir” de Oasis, sin embargo ¿ no les impresiona el desplante vocal que tiene Noel? . Es un tema de construcción básica, de molde…salido directamente de una fabrica de Manchester, y aun asi si bien no impresiona de conmover, conmueve un solo acalorado al 02:33 y nos damos por satisfechos. ¡Esperen aun nos queda rozar el techo del album con A quick peep !- ¡Vaya pedazo de instrumental! - Creado por el bajista Andy Bell, vale cada uno de sus 77 segundos, entremezcla blues con sicodelia, arreglos coordinados que arman figuras interesantes y coloridas, tal vez de lo mas variado que le hallamos oído a Oasis hasta esa fecha, las percusiones son muy competentes, recuerdan que les decía que los aportes de los otros dos miembros de Oasis si eran necesarios, y le dan mucho mas forma de banda a lo que originalmente solo parecía un reinado tiránico destinado a desaparecer.

Ya en tierra derecha las canciones que viene tienen una fuerte influencia semi-sicodélica, (Probably) all in the mind, con apertura floydiana, mete en la misma olla, terrones dulces en su estribillo y al minuto dos un solo aletargado, si se le pudiese etiquetar le llamaría “tentativa segura”. She is love es aun mas prístina, caleidoscópicamente mas inocente arpegios eléctricos y la voz adelgazada y bonita. Born on a different cloud, rompe esquemas sonando bastante desmarcada de la esclavitud sonica autoimpuesta, y lo hace de maravillas, las voces acidas, las guitarras hipnóticas, se que es repetitiva pero díganme que la entonación del minuto 04:58 no se asimila a alguien derrumbándose en un abismo psicotrópico y de paso agarrándolo del brazo a uno para llevárselo con la voz?.

Y ya el cierre definitivo se viene con Better man un tema de los que yo llamaría “”brit-sico-pop-funky” a que no es bonito el titulo?. Menos difusa, mas hedonista y provocativa, Oasis guarda un buen broche para cerrar, probablemente en su reproductor les aparezca que dura 38 minutos, lo cual es exagerado ya que hay un tema oculto bastante experimental, que viene luego de una espera de 25 minutos aprox....bastante valorables ambas compositivamente hablando, suenan frescas!. Y eso es de aplaudir.

No fue terrible al final, ni un viaje entre algodones tampoco. Pero eso tiene este disco, como si “Champagne Supernova” hubiera dado a luz once hijos bastardos y los hubiese compilado en este quinto trabajo, lo cual no es malo. Después de todo ese tema era una excelente canción. Pueden proclamar lo que se le de la gana a los hermanos Gallagher, al final algo de razón tienen. Hacen buenas canciones, no se si ello le de magia a la totalidad del album, pero se maneja y cruza sin sobresaltos ese mar sicodélico que se atrevieron a surcar los de Manchester. Siendo las 11:42 hrs, con un neblinoso día otoñal en Santiago de Chile me despido, mientras Liam canta… Get up, Why are you scare?

· Tracklist

· The Hindu times

· Force of Nature

· Hung in a bad place

· Stop cryng your heart out

· Songbird

· Little by little

· A quick peep

· (Probably) All in the mind

· She is love

· Born on a different cloud

· Better man

Track oculto : The cage

“El hombre que una vez lo tuvo todo”

2011-05-13T13:47:00.001-04:00

Pulp – This is hardcore

¡Este disco es complejísimo! Y no se me ocurrió ninguna otra frase decente para empezar la descripción de él, que esas cuatro simples- pero efectivas palabras. En si la sexta placa de esta banda es pop, pero pop como nunca habías escuchado en tu vida. Atmósferas asfixiantes, una voz seductora y un sinnúmero de imágenes líricas que van apoderándose del entorno a medida que este album gana escuchas. En si conjuga todos los elementos para ser un imperdible de los 90’s, asi como también suma otra no despreciable cantidad de baches para ser desechado. Y el lío es que entre tanta complejidad popera el album a ratos - a veces largos ratos- se torna cansino, difícil de seguirle el hilo, o derechamente aburrido. Lo bueno es que esa es una característica que se puede sanar fácil a medida que lo vas oyendo, asimilando, y cuando asi lo hace, es un verdadero viaje entintado de oscuridad, ves pasear imágenes de harto sexo, resacas mentales y pesadillas lujurientas hiladas por atmósferas que atrapan en su propio mundo orgiástico. Y todo lo anterior, entrelazado por la intrigante narración de Jarvis Cocker que con su voz “particular” consigue mantener la atención en las canciones, su entonación como dice una amiga de la blogosfera, hace que hasta “el caballito blanco” le suene calentón xD.

Las escenas que trae “This is hardcore” son difíciles de eludir y casi lo podríamos visualizar con la portada; es sentarse en un elegante cine arte abandonado, donde pasan todos los traumas de esta agrupación en formato de cinta clásica. Es un trabajo de mucho contenido, que no trata de mantener una pose intelectual, al contrario sale asi espontáneamente y es que esa aura resacosa nació directamente del singular momento que atravesaba la banda. El Britpop como genero, ya había tenido su momento cumbre y luego del tremendo tropezón de sus coterráneos el año anterior con el ampuloso Be here now!! , el brit rock, había sido asesinado. Para 1998 era solo un hediondo y olvidado cadáver con un buitre satírico encima de él; ese rapaz se hacia llamar Jarvis Cocker que con total ironía se reía del caído movimiento satirizando sobre todo lo que había ganado en su auge, y que realmente ahora se daba cuenta no conseguía satisfacerlo demasiado. ¿Entonces que hicieron? . El camino al infierno esta lleno de buenas intenciones dicen, y en este caso el camino fue un tanto largo, las menciones recién les llegarían con su cuarto disco y el éxito rotundo y absoluto con el ganchero Different Class, por ende se sobreentiende que esta placa ya es una muestra de principios y giro de timón notable y arriesgado, escarceando de frente con complejidades sonicas no tan espontáneas como las de su hermano mayor, sino todo lo contrario, no parecen TAN atractivas al inicio, para luego ir redimensionándose y sumando, siendo al final mucho mas sempiterna que los efímeros ganchos de su predecesor. Por eso mismo y todo lo antes resumido este disco es una evolución en relación a Different class, ya que es indesmentible; que acá, hay mucho mas contenido crudo, pues nos describen con detalles ese andar al infierno.

Y si de terrenos musicales se trata, tenemos en el repertorio al menos tres o cuatro (me atrevería a decir) canciones perfectas, otras tres que por contenido o ganchos dramáticos son excelentes composiciones, un experimento sonoro bastante peculiar, un tema bastante mediocre que altera un tanto la textura conseguida y los demás son canciones que de alguna u otra manera consiguen afianzar un buen sabor de boca o caer en una absoluta percepción nihilista acerca de ellas. Lo primero que salta a la vista, un GRAN disco puede tener defectos, es el desnivel entre la primera mitad del album con su contraparte, mientras la inicial tiene una cantidad notable de solides musical la segunda se deja divagar un poco y suena a ratos un poco uniforme (en el mal sentido de uniforme). Lo segundo es que este es un album de contrastes (postulado que trata de ratificar el primer punto) aveces se logran crear burbujas intoxicantes en las que uno esta inmerso y de un segundo a otro se revientan sin ton ni son, eso desequilibra un poco las cosas. Tercero, hay demasiadas canciones y el largo del disco (mas de una hora) lo hacen a ratos caer en una cuestión derechamente aburrida si no se esta bien asimilado. Cuarto, las líricas son imprescindibles, este hombre logra consumar como nadie sus estados mentales en las letras, asi que condimentado por la guitarra espacial, la percusión palpitante o los pianos elegantes (teclados, órganos o lo que sea), arman un fino paquete, pero por sobre todo ; angustiosamente imperdible.

¡Que buen inicio!- cualquier conjetura no le haría justicia a The fear, abre con guitarras sirenas (SI, escribí de adrede sirenas NO serenas), pavimentando la entrada de la sofisticada presencia vocal de Cocker, que en el estribillo se luce, ese Here comes the fear again..!! es muy pegadizo. El tema esta muy equilibrado, paseándose del discurseo magnético de Jarvis a las viñetas creadas por los teclados y quizás esa sensación cósmica de la guitarra, nos retraiga a la impresión espacial que alguna vez ocupo Bowie. Su momento cumbre llegara al 03:31 , pasando la pared de voces femeninas gélidas, para darle toda la cancha al guitarrista quien ejecuta un solo suave, pero envolvente hasta la medula, tal vez uno de los mejores inicios en los 90’s.

Y le sigue otra maravillosa canción, no me atrevería a decir mas optimista pero si mucho mas transparente. Dishes, una pieza ensoñada de velocidad calibrada y contrastes bien escogidos, las escaleras sonoras al 00:53, las orquestaciones del minuto dos o esa maravilla de sonido a lo The cure del 02:20, la hacen un tema indispensable, perfecto por decir lo menos. Las líricas sin ser apabullantes están bien escogidas por la pluma de Jarvis quien se manda algunas líneas irónicas “I am not Jesus though I have the same initials… A man told me to beware of 33…… I'd like to make this water wine, but it's impossible”

La paradoja arriba en el tercer corte, Party Hard. Luego de tan refinado inicio se desbarata todo con la inclusión de la peor canción del album. Es muy raro eso de meterla luego, de las que a mi gusto están en el top tres de la placa- y es que la esencia festiva, robótica y desalmada de este corte no dejan ni que el minúsculo momento de resplandor electrónico que tiene en el minuto 03:00, la rescaten de la inconsistencia, eso ni a palos. ¿Ven porque decía que este es una placa de contrastes?

También hay otras que tratan de dar mensajes, pero por vías alternas, haciendo amagos notorios, pero propicios para no caer en el cliché y aunque Help The aged sea un notorio tirón de orejas para la juventud, o la sociedad en general, que de alguna manera ve en los ancianos un lastre, cuando debiese ser lo contrario - Jarvis como nunca afila su lírica y nos lo deja mas que claro, nos recuerda de lleno que también vamos para allá, en particular las líneas iniciales cuando menciona “Help the aged, one time they were just like you. Drinking, smoking cigs and sniffing glue” . La musicalizacion no equipara a sus letras, no obstante tampoco es una melodía floja, el estribillo es bien ganchero con la previa distorsión de la guitarra. Y un teclado bonito, que le da un aire pintoresco al tema. Un retazo muy asequible y evidentemente una buena canción.

El punto de quiebre del album dice presente con This is hardcore (canción) la que me atrevería decir es por antonomasia la mejor canción de la banda y por consiguiente del album. Un piano sombrío acompañado por instrumentos de viento que lanzan estertores, recrean una atmósfera pesada y muy clásica al mismo tiempo. La batería pareciera alinearse con el latir del escucha; una clara bradicardia que evidencia el propósito -dejar todo servido para la entrada de Cocker quien recita “ You are hardcore. You make me hard. You name the drama and i’ll play the part. It sem i saw you in some teenage wet dream” .Jajaja lo sé!! el contenido es sumamente sexual, aunque tratado con el evidente fetichismo explicito del letrista. De ahí en adelante la rola se tornara en un eterno túnel de texturas e imágenes cinéfilas, aderezado por unos coros femeninos, que acompañan el falsetto de Jarvis en las líneas “i want it bad, i want it now” . Entonces la tensión empieza a eclosionar de a poco, primero las percusiones tajantes que acompañan el “don’t make a move” de JC y ahí te suelta por ultima vez la canción, pues luego de dicho “ ¡Oh here comes the hardcore life!” el asunto va en una curva de tensión exquisita que acaba explotando lleno de riffs delicados pero punzantes en el minuto 03:40, y esa misma sensación acompaña a las indispensables y explicitas letras que dicen ¡Oh this is hardcore. There is no way back for you. Oh this is hardcore! .This is me on top of you, and I can’t believe it took me this long”. Entonces retomamos las tesituras y esa atmósfera que sigue al éxtasis; un ambiente lóbrego, que de alguna manera consigue a uno transmitirle la sensación de aletargamiento físico. Sobretodo los instrumentos de viento bohemios del fin. Tanto lírica como musicalmente perfecta. Rematando el tema con “this is the end fo the line” y sobre todo la magnifica linea “ What exactly do you for an encore?”

De aquí en adelante la cosa no es tan prometedora, buenas canciones pero no descollantes como la primera mitad, Tv Movie, A little soul y I’m a man, están plagadas de reminiscencias a su disco del 95’, aunque escritas con una vibración mas lenta. En si son buenas y bonitas canciones, el lío es que son repetitivas y de cierto modo genéricas, no exhiben esa grandilocuencia total de la primera parte ej: la primera tiene sus detalles como silbidos, arreglos orquestales tenues; la segunda tiene un estribillo adhesivo esa parte de “you look like me” y un remate funcional dejando al vocal solo con la batería; la tercera tiene mayor inserción eléctrica, los teclados causan la sensación de campanas en diciembre y detalles asi la hacen OTRA BUENA CANCION, mas como todo este conjunto puede causar cierto dejo de decepción si lo comparamos con el principio.

Punto aparte; este disco pide bastante a sus escuchas eso se hace indesmentible cuando comienza Seductive Barry un tema casi ambiental, etéreo, que narra lo mismo que This is hardcore, pero de una manera mucho mas larga, recrea el rito sexual en ocho minutos de escarceos electrónicos y juegos de voces femeninos. A mi en lo personal me parece un buen ejercicio experimental, que cumple con su objetivo mostrándonos su orgasmo musical en el 05:38 donde se conjugan unas cuerdas bien fluidas (arpas o algo asi), con esos aullidos femeninos, que de una manera u otra ponen la piel de gallina, en fin si les gustan las cosas mas concisas váyanse al quinto track , si les gustan las cosas mas envolvente pueden disfrutar de lleno con este buen experimento; me quedo con las líneas que dicen “i will light your cigarrette with a star that has fallen from the sky” y “How many others could handle it if all their dreams came true” el resto es mas explicito ya lo escucharán / leerán.

Llegamos a Sylvia, que se vuelve derecho a la senda más comercial. Y me gusta su cebollería, sus letras de desamor y soledad directa hacia una chica, no cae en los nidos brillantes líricamente hablando de Jarvis, más ese dramatismo impostado a la voz y letra, se consuman de buena manera. Candida con sus teclados tiene menos acto de precensia pues la guitarra es bastante abusiva, simple pero bastante seguible y le da su buena dosis de energía a la canción, el solo del 03:33 es genérico pero empático. Será predecible y todo, pero díganme que este sonido caricaturizado- ¿no es encantador?

Ya en el final de la placa nos encontramos con Glorys days, que nos deja otra vez en los limites del pop ochentoso deponiendo que los teclados de Candida Doyle y la guitarra de Webber creen esas pistas neonicas, esa tónica seguirá otra vez en The day after revolution (que buen titulo) donde la precensia de las seis cuerdas es un poco mas nublada y hay mayor notoriedad de muros de sonido, en general conservan ese espíritu melódico de la segunda parte de este album.

Por ultimo la encargada de cerrar el local es Like A friend, que va en un in crescendo, de bongoes acompasados- hasta armar una verdadera fiesta- tragicómica- la guitarra de Mark Webber es muy ritmica pero cargada de brío, Nick Banks también le da bastante duro a su batería. Aunque esto no daría el mismo resultado sin las connotaciones vocales que prestan bastante interés a un tema en esencia pop, pero de tanta electricidad que sinceramente pasa colado y un broche mas que interesante para cerrar el disco, al menos mucho mas “arriba” que el inicio de la segunda parte. De todos modos el contenido de desamor es bastante claro, con Jarvis diciéndole de despedida.. “Eres como una película tan mala, pero que veo hasta el final. Ahora déjame decirte ¡Que suerte para ti que somos solo amigos!”

No quedan muchos mas adjetivos en mi pluma para seguir hablándoles de este disco, es que en si es necesario el escucharlo hasta la saciedad para salir de las dudas y escoger bando. Mas confirmare mi postulado por enésima vez, este es uno de los imprescindibles de los 90’s, si les gusta o no? Eso ya es otra historia, sin embargo es un fotograma esplendido del final de la década noventera y réquiem del britrock, como movimiento. Blur se les adelanto un poco con su lanzamiento homonimo que ya decía que los tiempos estaban cambiando, no obstante Pulp son los encargados de la procesión fúnebre, todo ese ritual esta acá y por cierto es muy HARDCORE xd.

Tracklist

The fear

Dishes

Party Hard

Help the aged

This is hardcore

Tv Movie

A little soul

I’m a man

Seductive Barry

Sylvia

Glory days

The day after the revolution

Like a friend

La historia siempre se puede redefinir

2011-05-06T15:25:00.000-03:00

Pearl Jam – Lost Dogs

Los recopilatorios gozan de un estatus poco menos que apartado de las discografías oficiales y ello no por razones anodinas o antojadizas, muchas veces resultan ejercicios para ganar tiempo entre lanzamientos discográficos, carentes de toda unión o relevancia narrativa por el hecho de que sus canciones pertenecen a diferentes épocas o bien por no saber hilar bien el trayecto temporal en el que posicionar cada pieza, resultando verdaderos caos. El caso es que con los lados B, es aun peor esta situación ya que aparte de tener que obligar a convivir diferentes canciones dispares estilísticamente entre si, se tiene que dar relevancia a temas supuestamente desconocidos, lo bueno del asunto es que se pueden encontrar muchas maravillas semi ocultas por aquí por allá, dependiendo de la calidad compositiva del grupo y Pearl Jam, siendo honestos lo hace realmente bien y mejor aun conjugan de manera perfecta la potencia, la armonía y la melancolía.

¿Cómo contar el otro lado de la historia en un solo disco que resuma o redefina las otras siete entregas hasta a esa fecha, de manera precisa y sin pecar de autoindulgente? E aquí en esta placa doble la respuesta. PJ pese a demostrar variaciones disco a disco y madurar progresivamente mientras va tomando mas horas creando, nunca se desmarco demasiado de su sonido primario, por ende ese molde es un invitado de piedra en “Lost Dogs” siendo la presencia que ayuda mucho al momento de mantener el equilibrio de esta narración, que no conserva una estructuración lineal, mas bien todo lo contrario va hacia atrás y adelante según vaya sintiendo o aguantando la flexibilidad de los temas, esto consigue armonizar los momentos electrificados con los otros donde las lagunas de pasividad invaden el tracklist. Aunque como todo gran disco doble goza de algún relleno entremedio, es la variedad y todo el inventario de canciones para elegir los que al final hablan en defensa de esta colección de rarezas, la solides individual de los temas hacen flotar estos 31 fragmentos de la historia personal de una banda, algunos clásicos (Yellow Ledbetter) otros míticos (Footstep) y por sobre todo, lo imperante; muchas sorpresas (04/20/02).

Lo otro genial o relevante mejor dicho de esta recopilación esencial, es que se percibe como haber oído una historia en primera persona durante mucho tiempo y estos dos discos te trajeran otra forma de leer la narración, como cuando un secundario toma la batuta y decide mostrar su perspectiva de todo lo que ya habías leído con anterioridad, un S.O.S a esas joyitas ocultas que por algún motivo fueron expulsadas de discos oficiales, ya sea por que no conjugaban con la atmósfera que se le querían dar al album, o porque ya estaban destinados desde un inicio a ser lados B, o bien porque fueron hechos con otras finalidades, da igual (salvo cuando fue por consistencia que quedaron fuera), el resultado en si mismo es muy bueno y ayuda a solidificar aun mas, una discográfia esencialmente sólida.

Iniciamos este relato de dos horas, casi ocho años antes de su publicación desde las armonías montañesas y eléctricas de No Code, cuando dieron un giro y renunciaron casi por completo a la fuerza para anidarse en la profundidad, All night tal vez por esto fue expulsada del tracklist definitivo, muy veloz muy sugerente para abrir el largo recorrido e iniciando con un periodo polémico del grupo, pero por eso mismo una señal mas que notable de que siempre se le puede dar un ángulo nuevo a lo que ya se creía de una forma fija. Otra cosa destacable es el portento inicio, con una triada inexpugnable, pasados 3:20 aparece Sad, que es una buena muestra de porque Binaural me gusta tanto, tiene todo ese toque nocturno, potente pero solemne, los juegos de cuerda del minuto cero dejan una leve sensación a sabor oriental-eléctrico, un estribillo hondo, un solo efectivo y para liquidarlo un final lúdico y ecléctico simultáneamente. De manera escueta me cuestiono ¿Por qué la dejaron fuera?. Queda la velocidad en el aire que es asimilada al instante por Down, de entrada nos hipnotiza con una muralla acústica, con ciertos matices a sicodélica, de ahí saldrán percusiones fuertes, que guiaran las dos personalidades de las guitarras, mientras una idea parpadeos acústicos muy bonitos, la otra ejecuta céleres líneas, resumiendo muy asequible, lo malo a ratos (que son muy pocos) se torna excesiva, mas nada grave, cero relleno hasta este inicio.

Hitchhiker , la exclusión es mas comprensible en este caso, teniendo una instrumentación maciza, el estribillo es bastante flojo (monótono, para aquel que guste de precisión), la guitarra es mas de una presión aérea, que el serrucho rebana carne de otras ocasiones, aunque también tiene sus minutos sobresalientes, ese trecho de tensión que va desde el 01:33 al 02:11, hace lucir al batero Cameron, que se las arregla con sus artimañas para producir un sismo artificial, claro los escarceos electrificados también le suman puntos a esa sección ¿ para que negarlo?, pero al final no es un tema con MUCHA gracia.

Don’t gimme no lip , ocupa el quinto escaño y haciendo gala de una honestidad brutal no mejora demasiado con respecto a su antecesor, buena ejecución, un riff idéntico al estribillo , muy colérico pero fastidioso (o plano si les parece mas propicio), tal vez su mayor característica es la teñidura a lo Dave Grohl que tiene la voz de Ament. No es la octava maravilla, sin embargo dura poquito asi que, lo dejamos en el limbo de los promedios.

En otro retroceso temporal deja caer a Alone, proveniente de las sesiones del bíblico Ten y ocupada luego como lado B de “Go” en pleno apogeo del Vs. Es notable toda la esencia de la canción que inherentemente traslada a 1991, y esa atmósfera marginal, callejera y desoladora. Hardrock en las guitarras, voz martirizada por Vedder y unas líricas que hablan por si mismas “Wide awake and he shakes in a panic. Never woke up alone ever before”. Los juegos de las guitarras son bestiales en casi toda la canción, quizás en el único instante donde se excluyen es hacia el termino, que se desvanece en algo mas sosegado.

Gran rescate desde la matriz misma.

In the moonlight, es un cuento aparte, fruto creativo de Cameron, hace apretar los dientes cuando uno la reproduce, sin riffs alucinantes, pero si noqueadores, juega con eso, con arenas sonoras muy pero muy densas, y para mas le agregan set de voz/ces sombrías que parecerían llevarlo a uno a la dimensión fantasma en toda su extensión yerma y gris. ¿Vocalizacion como aullidos lobunos? ¿Baterías con sensación a abismo hueco? ¿Bajos elevando muros reverberantes? Pues de todo eso mezclado y funcionando lo pueden encontrar en Education, cuesta encontrar la pista de algún tema que no aplique aunque sea diez segundos de chispazos creativos. Corroboran mi postulado Black, Red, Yellow y U , la primera da la sensación de una voz procesada, como un dictador robotico dirigiéndose a la masa, no obstante no tiene nada que ver con eso, sino que es la voz del basketbolista Dennis Rodman desde una contestadora, en la que el desfase entre lo vocal e instrumental, le genera divergencias de tiempos interesantes, y la segunda tiene un estribillo adecuado para quedar adherido a nuestra “retina sonica” de inmediato, la interpretación está en el lugar que mas le acomoda a Vedder, ese donde toma el papel de un Cristo moderno, enarbolando plegarias pegajosas por las avenidas del pop-rock.

Las sorpresas comienzan en la onceava canción (cof cof ¿ recuerdan que Eddie Vedder es surfista ?cof cof).-Pues si- tres canciones inspiradas en el estilo surfer Leaving here y Gremmie out of control sobretodo, se visten de Beach Boys metalizados, obviamente sin conseguir el desempeño vocal de estos últimos, pero les funcionan unos temas mas menos fuertes, bien gancheros, bien despreocupados y con mucho sabor a sal. Las marejadas sonoras no paran, y Whale song, encabezada vocalmente por Jack Irons, ofrece guitarras nítidas, aunque de tiempos menos celeres y si, mas memorables. Es una sección atípica, mas por algo este es un compilado de rarezas..xD

Undone, la podría definir como una contención armoniosa, insuflada de una famélica majestuosidad, es de esas contadas composiciones que llegan a puerto sin sobresaltos, pero tampoco con un saco de aciertos al hombro, bonita canción, muy bonita, sin rabia, sin urgencia y si muy incólume. Ya casi finiquitando el disco I, Hold on, sufre de disparidad, su sección instrumental es un vástago de 1991, mientras que la parte vocal fue metida en 2003, da igual si el estribillo destila fastuosidad, casi emulando una procesión religiosa, Bah!! exagere de nuevo..!!..Bueno a lo importante, cierra los postigos de este primer trecho Yellow Ledbetter, cara B del sencillo Jeremy, les suena??.- ¡Si pensé lo mismo querido lector!- Yellow Ledbetter no es ni de lejos un lost dog, de hecho ha de ser uno de los temas ancla del grupo, y sinceramente no le hago asco a su inclusión si en ella misma tenemos una de las baladas definitivas de la carrera de Pearl Jam, titulo solo rebatido por Black, que es de la misma época. En si la canción es como un destilado de tristeza descuerada (¡ Si no los conmueve es porque son una creación de Asimov señores!). Una guitarra que destripa, una interpretación vocal que se asemeja a un lobo aullando solo (¡Si lo remarco, SOLO!) la hacen en general un tema imprescindible, que encontró en este recopilatorio una buena manera de asirse a la discográfia oficial.

Cuando hacemos el cambio hacia el segundo disco, las primeras impresiones son un decaimiento en la energía y el paso hacia terrenos mansos, como adentrarse en un gobierno de baladas desterradas, Fatal, Other side y Hard to imagine tienen estribillos repletos de nostalgia secular, capaces de nublar hasta el día mas feliz de tu vida (si es que eres susceptible xD), por cierto el remate de Other side es exquisito.

Con Footstep, llegamos al final de la Mamasan Trilogy, ese relato oscuro que se gestó desde Alive y Once, donde un niño abusado sexualmente por su madre, con el tiempo se torna en un asesino en serie . este lado B es el cenit de la historia donde ya es condenado por su crimen mientras espera apaciblemente la hora de su ejecución. Musicalmente, es una toma en vivo, bastante reposada y menos carismática que sus predecesoras, sin embargo cabe señalar que esta canción ya había sido incluida en otros álbumes con anterioridad, salvo claro, que de otra banda, Temple of the dog les suena? Y en ese entonces bajo la gracia de “times of trouble” rellenada líricamente por Chris Cornell. Otra inclusión ya sea por peso mítico, debía estar.

Sensaciones de mortandad deja Wash, un adjetivo apropiado para Dead Man , su sucesora, que originalmente seria utilizada en la banda sonora de la película Dead man walking, sin embargo esta opción se desvaneció por la inclusión de una pieza del mismo nombre del señor Bruce Spingsteen (The boss para los amigos) en el soundtrack final, en si es bastante experimental para Pearl Jam, con una voz cansina, aletargada, y rasgueos muy bajos, casi de penumbra. Ejemplificándola seria como despertarse a media noche luego de un sueño muy muy malo.

Y si hubiese habido un precedente de lo que se vendría con el disco solista de Vedder años mas tarde, habría sido la canción Strangest Tribe, un tema acústico muy sentido, lleno de esa sensación de añoranza y al mismo tiempo abandono. Lo paradójico es que es un tema atribuido a Gossard y tiene fecha de creación al menos 8 años antes del debut del vocalista. No creo que haya sacado de acá la esencia de esa placa Eddie, sin embargo que se parece al otro material, se parece. Ondas folk frías, que la dejan como una de mis favoritas de este compilado. Drifting, tiene su génesis compartida con la anterior y por cierto, no solo en eso se asimilan, es demasiado afín su naturaleza, la armónica, el lado folk, composiciones simplistas que trasmiten crudeza. Y crudeza es el mismo complemento de Let me sleep, sonar tribal y hondo. ¡ Pura melancolía!.

Entonces hace acto de precensia Last Kiss, un tema complicado, meloso muy melódico pero que Pearl Jam le pone todo su sello. Es un cover de Wayne Cochran y que por cierto pasaría desapercibida hasta que fue covereada por J.Frank Wilson and the Cavaliers, y de ahí en adelante, múltiples versiones han salido como la espuma, hasta en español he tenido la oportunidad de oírla. Líricamente no es nada espectacular narrando un accidente automovilístico donde un joven pierde a su pareja y le jura se portara bien, para toparse en el cielo nuevamente, mientras le da el ultimo beso. ¡SIII! estoy seguro piensan lo mismo que yo ¡que historia mas cursie!, no obstante PJ le agrega algo, no dejara de escupir sacarosa por todos lados, mas es peligrosamente ganchera y accesible, aparte de ser un tema ineludible a estas alturas de la banda.

Sweet Lew, interpretada vocalmente por Ament, lleva más funk, entrecortada y no tan calida como lo mejor de ese estilo. Las hace de aperitivo para Dirty Frank, una canción escrita mientras estaban de gira con los Red Hot Chili Peppers, con lo cual uno ya se puede hacer la idea de donde sacaron la sonoridad, que por cierto no es muy reseñable. Algunos fragmentos incluso imitan a “Freaky Styley” otra razón mas para saltársela, y la letra se basa en un asesino que se hace pasar por chofer de bus (¿en esos tiempos parece que solo pensaban en asesinos?), mas se queda en una broma para el chofer del autobús que los trasladaba en ese entonces, una broma por cierto que nos tenemos que calar, porque no pasa nada si se la saltan.

Cuando las casi dos horas de disco se van terminando se dejan caer Brother un instrumental, mas bien sin cánones altos, pero que mete algunas lagunas hipnotizantes entremedio, y al 02:29 tiene una buena explosión, ni dañino, ni desequilibrante, puede pasar desapercibido, como gustarle a alguien (Comentario relativista xD). Bee Girl es el track del final de la lista ,que con una interpretación acústica sirve mas que nada de un cierre de cortinas apaciguador. Y ahí acaba el disco…¡Esperen, no! ¡Osoooooooo! hay un track oculto, que se inicia pasados 04:20:02 desde el fin de Bee Girl ,se escucha ese réquiem compuesto para el fallecido vocalista de Alice In Chains, Layne Staley…un tema parco, sombrío tal como fue el homenajeado en vida, 04/20/02 simplemente se reduce a proclamar

“so sing just like him, fuckers it won't offend him

just me

because he's dead”

Ya para cerrar como les venia diciendo, con toda esa colección cíclica terminan de meter un sello añejado por mas de 10 años de carrera y marca de paso el fin de una sonoridad especifica y profunda, para adentrarse mas en la potencia casi sin cabida a regodeos pensativos; García Márquez alguna vez nos narró los cien años de soledad de un pueblo llamado Macondo. Pearl Jam nos narra poco mas de un decenio, mas ocupa una formula similar, naufragan por donde quieren, y teniendo como premisa, tocar algo interesante “que sea digno de ser oído”, nos debería quedar absolutamente claro con Sad, Fatal, All night o Drifting, pero por sobre todo incluyendo esa magia que cohesiona todos y cada uno de sus fragmentos en un total colorido; de preferencia tonos opacos.

2011-04-25T09:43:00.000-03:00

Q.E.P.D Gonzalo Rojas

"Tal vez nunca descubrio que se amaba cuando se ama, mas dejo una huella indeleble en la poesia chilena, ha fallecido Gonzalo Rojas de esos poetas que disparaban letras sugerentes, lo importante..es que como todo GRANDE nunca muere "

(Diciembre 20, 1917 - Abril 25, 2011)

Personaje retorcido VII : Thom Yorke

2011-04-20T15:39:00.002-03:00

“I maybe paranoid, but not android”

Un complejísimo artista encarnado en Thom Yorke hay sin duda, una afirmación imposible de poner en duda luego de mirar TODO su trabajo de tan cerca. Muchas veces tachado de oportunista y de consumir con variantes sonicas al borde de lo esquizoide todo el nombre ganado con su banda nodriza, y que la sobrevaloracion de sus creaciones le permite girar el timón por donde se de la gana, incluso por zonas donde cualquier otro compositor se tiraría el pelo ante tan descabellada idea; mas esa es una visión demasiado simplista; demasiado; y no digo que para asumir el intelecto creativo de Yorke haya que ser un genio, de hecho muchas veces, debajo de todas las capas sonoras de densidad estrangulada , se esconde una idea muy simple que se va desarrollando de acuerdo al formato que pretenda Thom, lo que pasa es que no regala las cosas fáciles, es como ese brujo que aparece en la portada de su disco solista que nos llena de enigmas con respuestas ilusamente fáciles y le importa un carajo tener toda la corriente en contra, por pura apatía para con el receptor, porque eso otro si que es innegable; el tipo es irremediablemente apático. Y esa misma apatía se trasmite en forma de líricas, imágenes y sonidos a sus canciones y dibujos, con formas de pesadillas binarias o demonios infantiles…todo gira al final en una condición humana muy satanizada por su creador, pero todo tiene una respuesta, incluso el entramado diabólico de la mente del líder de Radiohead…

Tal vez el hilo conductor que deshilacha toda la temática , podría situarse en dos capítulos el primero de ellos su asimetría ocular, y el otro en su fijación (no gratuita) para con los automóviles; el primero una particularidad que vino desde su nacimiento , un ojo paralizado, que lo tendría todo el inicio de su vida de operación en operación, todas ellas sin un resultado, por ende su rostro quedaría asi tal cual, génesis para que sus amables compañeros de clase lo llamarían salamandra, y lo segundo básicamente un accidente automovilístico que por poco le cuesta la vida a el y a su novia, o pensaban que Airbag, era mera casualidad? Mas es imperioso el no quedarse con la figura “rarita” de una persona que trasciende a eso en muchas direcciones, lamentablemente acrecienta su fama de arisco por el trato desidioso a la prensa y a sus fans muchas veces, mas como todo, tiene una razón, ejemplo, la mirada critica que hace a la interpretación de sus temas, tal vez Street Spirit sea el mas icónico, teniendo las siguientes palabras para sus fans…

“No puedo entender que tengamos fans que puedan lidiar emocionalmente con esa canción. Es por eso que estoy convencido que ellos no saben de que se trata. Es por esto que la tocamos al final de nuestros shows. Me desgasta, y me sacude, y duele como el diablo cada vez que la toco, mirando a miles de personas animando y sonriendo, ignorantes a la tragedia de su significado, como cuando tienes que sacrificar a tu perro y él esta moviendo la cola en el camino”

Como ven no es indiferencia nacida de generacion espontánea, me parece mas bien que el artista en cuestión maneja signos diferentes, y el mensaje no siempre llega tan prístino como lo quería evocar, son esos muros los que esconden al final un mensaje de honestidad brutal, pero honestidad para consigo mismo, estoy seguro que nadie tan comprometido con su arte habría sufrido colapsos nerviosos luego de la fama apabullante de un disco endiosado, y mas encima no aprovechar el legado compositivo dejado por este ,si no dirigirse a una beta totalmente opuesta y de paso triunfar de nuevo?...realmente son pocos los personajes asi de convincentes como para echarse a todo el mundo encima y que luego de un tiempo demostraran tener la razón otra vez, porque con In Rainbows lo volvería a repetir, para que esta hecha la música sino para tambalear sus propios pilares y reinventarse? He aquí el catalizador. Thom definitivamente no se educo musicalmente para seguir formatos. Por otro lado no solo por la vía de la música consigue expresarse, bien conocida es su voz en falsete con la que logra resquebrajar las emociones, o su pluma critica y a ratos abismante que idea figuras de muerte, resurrección o alineación o el pulso electrónico que suena en su cabeza, porque Yorke decanta mucho mas por la vereda de la música computarizada sin guitarra que por el del rock convencional, mas también dibuja, bajo el seudónimo de Tchock. Pictogramas apocalípticos y esquizofrénicos obvio, tal vez al final el hombre solo sea un tipo corriente que bota todos sus diablos en hojas, canciones o acordes, no creen?

Estudiante de bellas artes, vocalista, letrista afligido, guitarrista cáustico o bailarín convulso son muchas las facetas de Yorke, desde el ecologista al activista, podríamos desmenuzar un mar de influencias o papeles en los que se despliega, desde el niño que compone su primera canción sobre un desastre nuclear al arquitecto tras el color de King of Limbs, prefiero quedarme con el mensaje positivo tras todas sus canciones y es que en si describen a la humanidad tal cual, miedosa y errática, con sus recelos y virtudes, me mantengo en la letra auspiciosa de Sail to the moon, una de sus canciones de significación ambigua que interpreto como; “un reset, y una oportunidad para empezar de cero, mientras el elegido nos guía a navegar por la luna y recomenzar” . También es claro que no siempre usa figuras típicas para representar esto, ejemplo los gusanos y el agua de Weird fishes Arpeggi por ejemplo, el primero es la muerte, y luego el segundo como el medio por el cual se renace, en definitiva si uno se centra en una interpretación superficial de “En el océano mas profundo, en el fondo del mar..Soy comido por gusanos y peces extraños..yo toco fondo y escapo” se podría inferir el típico texto depresivo ,mas como les decía se esconden mucho mas signos ahí, y en el meollo del asunto hay mucha mas esperanza disfrazada de lo que ha simple vista parece.

Como conclusión no creo que Yorke sea un androide, simplemente es una persona que se endureció por fuera de tanto vivir entre ellos… no obstante le darás el tiempo? Invitado quedas a sumergirte en ese confuso mundo de este señor ingles, mientras en mi cabeza se sigue divagando una voz que dice… “tal vez sea un paranoico, pero no un…..

Unidimensional

2011-04-19T09:24:00.005-03:00

Pearl Jam – Backspacer

Sensaciones encontradas deja luego de diversas oídas este disco, ya que sin ser malo no termina de convencer y por el otro lado sin ser bueno tampoco se vuelve un trabajo desdeñable ni menos desechable. Si nos vamos a la impresión inicial, lo que al instante genera desconcierto es el aura del LP, no es que me agrade en exceso las cosas sesudas o densas y se sobreentiende que de vez en cuando es necesario meter mas vértigo que profundidad para no atosigar al receptor, no obstante acá como que se extremo demasiado en lo digerible y decayó totalmente el contenido de las composiciones volviéndose un poco insulsas y eso no es habitual, por otra parte son temas que se vuelven adictivos mientras uno las oye, esa especie de ligereza pegadiza termina adhiriéndose, y el origen de ello esta, como leí por ahí hace un tiempo, en la cercania del disco con la influencia Ramona como ninguno otro antes, de ahí es de donde deriva esa columna nueva que le insertaron a Backspacer, los ganchos y la alegría subliminal. Asi que evitando cualquier dictamen absolutista o prejuicio alguno, para mi el album divide totalmente a su recepción, no habrán puntos medios esta vez, o te gusta este rock-pop y lo disfrutas o bien lo encuentras el peor disco de Pearl Jam, y lo mas raro aun, les doy la razón a ambos ¿por que?...

A los que les gustara… Hay varios motivos el mas notable es la falta de pretensión, se desenvuelve con naturalidad sin caer en ningún recoveco denso, casi siempre avanzando como una ráfaga certera repleta de melodías y ganchos (cof cof Got some cof cof ¡!), como ya decía muy cercano a ese espíritu primario del punk pop donde con pocos acordes puedes crear verdaderas piezas refinadas sin ser fatuo. Lo otro verdaderamente reseñable es la atmósfera que se explaya, no es el típico ambiente cáustico propio de la crudeza de sus primeros días, o lo críptico de su inicio de siglo y eso es un aliciente, tal vez sea el único disco de los Jam que saque una sonrisa en la cara. Y bueno si a eso le sumamos una duración concisa, que mejor?

A los que definitivamente no… habían varios signos en el aire antes de la salida de la placa y uno de ellos, quizás el mas notable ,fue ese iniciativa solista del vocalista Eddie Vedder, poniendo la banda sonora de la película Into The Wild, de temáticas de búsqueda personal, muy simplista pero efectiva y cruda, con este precedente daba la sensación de que cuando se volviesen a reunir se armaría un cuadro similar o al menos potenciado sónicamente por las guitarras de McCready y Gossard, y esa es la falencia principal del album, la expectativas se diluyen por el sonido, llega a tal punto el renunciar a la tridimensionalidad del tandem compositivo del que teníamos antecedentes que las canciones suenan demasiado delgadas o de frente débiles, y esto no solo por una ansiedad que no es culpa del grupo , sino que basta comparar (ese ejercicio odioso ) con cualquier tema anterior incluso de los del homonimo, para denotar un claro menguamiento en cuanto a fondo.

Pero esto ultimo no es tanto de extrañar si es que nos vamos al dato duro y comprobamos que Vedder pierde mucho protagonismo a la hora de componer, quizás en este mas que nunca contribuyendo con menos de la mitad de los temas, de ahí deriva entonces toda esa fragmentación sonica que abunda en el disco, mas como decía, no se puede satanizar un disco por ser blando y al final pese a perder peso, es notable la celeridad ganada, las aguas están divididas. Aunque O’Brien su mítico productor de Ten, les haya hechado una mano en esta ocasión.

Gonna se my friend y Got some, son mas que claros ejemplos, aveces PJ nos abría con una patada en la cabeza los discos y nos dejaba encendidos de inmediato, de nuevo aplican esta formula sin embargo el sabor es diferente, se siente power pop o new wave muy escandaloso, en la segunda me gusta de todos modos la modalidad de cantar, donde por momentos pareciera que Eddie rapea, mientras va disparando sus frases acolchonadas en la potente pero inofensiva guitarra. Son eléctricas, son rápidas, son chiclosas, pero se dejan entrever un poco anodinas. Y los entramados no acaban ahí, The Fixer fue la punta de lanza, cargada de una especie de optimismo con teclados y coros refulgentes, de hecho los back again, get back again!! se adhieren de sobremanera, pero innegablemente es “raro” el resultado. Tal vez nos mal acostumbramos solo a la evolución gradual del grupo, y por eso el efecto desconcierta un tanto.

Prefiero cobijarme en la simplicidad y refugio que representa Just Breathe, con la guitarra precisa y la voz vinagrosa, con menos arreglos, con menos ganchos, pero mucho mas conmovedora y voraz, y aunque si de pretencioso se trata Unthought Known,lo es totalmente , siendo un tanto ampulosa, y con dejos de canción espacial, al final perdura lo que se tramo con su inclusión, la belleza nocturna como base y forma. O como el solo encementado al 02:25 en Amongst the waves, son piezas que se adentran mas y entregan a un trecho de rock maduro, en desmedro de lo atropellado a ciegas.

En adelante solo se reiteraran facciones previas, el pulso acelerado de Supersonic, esa majestuosidad fatua y al mismo tiempo que le rinde pleitesía a la Tierra con Speed of Sound o Force of the nature, incluso los nombres que dan titulo a los temas parecen formas vistas con anterioridad y el nombre The end probablemente les termine sonando mas a una oscura canción sicodélica que a la soledad montañesa incomesurable de Pearl Jam, es un buen cierre, demasiado disonante para todo lo visto, pero uno sin duda lleno de sobriedad ausente en el resto de LP.

Bueno, como ya les dije, acá las opiniones se dividen. Si valió la pena el cambio o no, es cosa de cada quien, mas intentar sonar a los Ramones solo les puede resultar a los Ramones, Pearl Jam se desperfila un poco y entrega un disco algo ligero, para escucharlo,reír un rato y luego bueno……. (Inserte su comentario)

PD: la portada no les recuerda el video de Do the evolution.. da para pensar..

· Tracklist

· Gonna see my friend

· Got some

· The fixer

· Johnny guitar

· Just breathe

· Amongst the waves

· Unthought known

· Supersonic

· Speed of Sound

· Force of the nature

· The end

¡A derrocar a Sauron !

2011-04-13T09:56:00.001-03:00

Pearl Jam – Homonimo

Las calles alborotadas, un pueblo-imperio dividido, el mundo entero espectador de la elección de unos pocos, por la inclinación que afecta a un planeta, pero al menos tenemos clara la postura y de seguir, seguiremos al de la voz cantante … para estos efectos el buen Eddie.

George W. Bush ha de pasar a la historia como uno de los seres mas despreciables a nivel mundial en cuanto a decisiones políticas, militares y de relaciones con el exterior que se puedan concebir en los últimos tiempos, caracterizando su largo gobierno, excesivamente largo para mi gusto con una clara tendencia al imperialismo mas detestable, y como no puede ser de otro modo, suscitando una gran aversión en casi todos los frentes imaginables y el del arte no se podía mostrar contrario a ello, especialmente el de la música; donde se alinearon varias bandas en pos de un cambio de mandato, NIN, REM, Neil Young etc… PJ, no se abstuvo de participar y gritar un poco, incluso en un recital se vio a Vedder romper a golpes una mascara del citado expresidente en cuestión. Esta especie de furia se extrapola no solamente a la postura en vivo del grupo, si no que de varias maneras se vierte en el trabajo Homonimo, insertándole ciertos dejos de furia y retrayéndose un tanto a un sonido mas rápido y peligroso, que a la introspección a la que nos tenian habituado. Ahora también seria un desacierto inmenso el afirmar que Pearl Jam vuelve a su raíz, como se suele decir cada vez que suben un poco los decibeles, y es que simplemente no es asi, no es retornar, solo manejar lo que han aprendido y darle matices totalmente diferentes, estas no es una segunda oleada de rabia visceral , sino que renuncia un poco a la tridimensionalidad adquirida en el periodo Binaural – Riot Act, para ser mucho mas directos en el mensaje, aparte este proceso de simplificación sonica, por llamarlo de algún modo, porque de simplicidad es bien poco, seguirá adelante incluso hasta el noveno disco donde mas que la lectura política de este, se mueve a un lado mucho mas plano y facilitado. Este resultado o impresión general tiene una génesis muy clara, si antes la concepción se basaba en material mas menos terminado y luego su posterior perfeccionamiento y acabado, renuevan los procedimientos armando la estructura en base a riffs previos, es decir menos bases en las que guiarse, para ir hilando una composición mas natural, lo cual sin duda ayudo en una aportación mas amplia de los integrantes. En simples palabras entraron con nada de material grabado y solo unas pocas ideas, pero que ayudo en definitiva a este resultado mas directo.

La temática aparte del eje antes mencionado también se va trasluciendo en diferentes contextos tales como la religión, la muerte (otra vez), la guerra, la pobreza, la soledad, el empezar de cero, la adicción, etc en si nada demasiado rupturista o diferente a lo ya expuesto por los Pearl Jam en cuanto a contenido , si es que su musicalizacion no se internara de lleno en un aura mas hardrockera, no entendería porque tanto alboroto ante un grupo que siempre ha demostrado la misma calidad (muy buena),y son dichos como ¡por fin PJ vuelve a hacer ruido! los que me molestan pues van en un claro desmedro de otros trabajos menos simples pero si igual de consistentes. Estas aristas tocadas tienen un origen en ese sentir de oscuros tiempos en los que se fue tramando, y es innegable el hecho que recuerda de alguna ladina manera esa sensación global de fin de los tiempos. Y no puedo dejar de mencionarlo, ya sea porque lo he dicho en otras ocasiones o porque simplemente salta a la vista al instante, y otro aliciente es la portada, PJ siempre entrega portadas magnificas, mas la simplicidad y aparente inocuo significado de esta, solo puede terminar de cerrar un concepto que ya se vera exponenciado con las canciones y es el de una fuerte “impresión primaria”

Life Wasted, Comatose y World Wide Suicide dan una trilogía de poder innegablemente auspiciosa si de abrir intereses se trata, esa posición que ocupan en el orden del disco dan el puntapié que cualquier album necesita para volar la cabeza de inmediato, nada de rodeos, riffs feroces, aplicaciones de una voz sangrante y temas conceptualizados en una especie de apatía americana. El primero escrito luego del funeral de uno de los ramones y un buen corte de Réquiem, el segundo claramente es rabioso rozando una violencia incontenible, me gusta cuando dice “deja el odio ..en la cruz” al igual que esa tormenta eléctrica del 01:33 y bueno WWS, se uso de primer single y vaya que acapara la atención, mas prudente quizás que los otros dos tracks de todas maneras tiene una buena carga de energía que soltar, esa atmósfera de suicidio colectivo, de rechazo bélico letras directas a la vena sin casi ninguna metáfora eufemista va de lleno como un escupitajo a los cerditos de la guerra y es claramente mas voraz en su cometido que Army Reserve, que si bien un tanto mas lenta y armónica de todas maneras es otra buena mascada, las líricas ejemplifican esa atmósfera de opresión y miedo entre las batallas innecesarias como cuando con una sola frase inundan de ese sentimiento de fragilidad al escucha.. “¿cuan sonoro se puede volver el silencio?”

Severed Hand, también realiza bien su juego conjugando diversas texturas desde esa sonoridad como cantos de sirenas cáusticas (de esas que parecen mujeres, no de las otras) en el principio a la ametrallante sucesión de riffs posteriores, todo en la canción se deja notar modernizado en sus secciones potentes, así como conmovedor en las partes lentas (If i don’t lose control..!!). Un vaivén fluorescente y riffero, crudeza mas suavidad, y a este lo podríamos hermanar en la misma línea de Marker in the sand, a quien le atribuyo una onda mas noventosa, partiendo oscura para tornarse absolutamente accesible en el estribillo, por su parte esos delirios religiosos caen como anillo al dedo, la tergiversación de los significados y símbolos que durante siglos han azotado a la sociedad mediante el miedo, como parte de un plan con fé, no obstante no con amor, citando directo a la letra.

Encrucijadas varias se vienen ya en medio terreno del album, la suavidad adormilada de Parachutes, con todo el significado de Unemployable (que es aderezado con unos ooooh oh oh oh..!! pegadizos aunque un matiz extraño para PJ y que seria reutilizado otra tantas en Backspacer ), la dosis adrenalinica de Big Wave, que se siente demasiado lustrosa para toda esa estructura mastodontica que a ratos deja exponer (del minuto 01:40 en adelante es una estampida espectacular) y una versión alterna de Life Wasted, acompañada por un sutil teclado

Pero la recta final sin duda se merece una mención absoluta, siempre hay que mantener la atención hasta el ultimo segundo Gone, con sus murmullos y guitarra filosa en segunda línea, quizás apunta a lo que seria Into the wild el abandono de todo para empezar de cero, las posesiones, los lazos , absolutamente cualquier nudo que pudiese entrabar esa búsqueda esencial, y esa vibra es símil a la de Come Back, que gira en torno a la soledad, porque esta bien deshacerse de todo el equipaje que distorsione un camino, mas inherentemente a ello va esta idea. ¿Quién no ha tenidos ganas de mandar todo al carajo para siempre y largarse? Bueno para ellos es este final. Y ya para dejar caer todo Inside Job con MCCready componiendo, da el ultimo empujón, su esquema se basa en abrirse a nuevas perspectivas. Ósea para redondear tenemos un finiquito mucho mas espiritual en comparación, a la primera mitad, mas cercano a los trabajos previos que a la naturaleza directa del inicio lo cual le da matiz.

Pearl Jam ha de ser uno de esos grupos que sin duda guardan bajo su alero un notable arsenal de buenas canciones, pero mas importante que ello, tienen la suficiente lucidez para armarlas correctamente en un album, porque componer buenas canciones es difícil, pero armar placas que sigan retumbando como ecos dentro del escucha por días es tarea bien hecha por bandas contadas con los dedos de la mano, solo queda aprovechar este hondo respiro y dejar que la música patee al mundo un rato…

· Tracklist

· Life Wasted

· World Wide Suicide

· Comatose

· Severed Hand

· Marker in the sand

· Parachutes

· Unemployable

· Big Wave

· Gone

· Wasted Reprise

· Reserve Army

· Come Back

· Inside Job

Los estertores de la muerte

2011-04-06T10:13:00.000-03:00

Pearl Jam – Riot Act

30 de junio, 2000 – Festival Roskilde, Dinamarca

Mientras la banda ejecutaba su show, la adrenalina y diversos efectos secundarios propios de un recital empezaron a sembrar en el publico el ya sabido por todos éxtasis, hasta que las líneas traseras de asistentes empezaron a avanzar hacia adelante, aplastando con ello al publico ubicado en las pocisiones de vanguardia, todo esto ocurría frente a los ojos estupefactos de Pearl Jam que de diversas maneras llamo a la calma, sin embargo el suceso solo podía terminar mal, como mirando el pintar de un cuadro dantesco, solo les quedo el puesto de espectadores ante la muerte de nueve fanáticos que estaban entre el tumulto, mientras se les iba la vida aplastados.

ya se podía dar por concluido el ascenso a la madurez total como grupo de rock a estos muchachos observadores de la nebulosa reloj de arena, sin embargo luego de haber iniciado su gira para la promoción de su sexto disco, se les vino encima ese accidente que por poco termina de hacer naufragar para siempre al tambaleante Pearl Jam. De hecho por algunos instantes se consideraron directamente responsables de la tragedia, situación que por poco los lleva a la disolución. Lo aliviante es que todo se dilucidó mas tarde, conviniendo que la culpa debía guardarse en otro saco, digamos la negligencia de los organizadores del evento, que no tenian todos los medios de seguridad necesarios para la magnitud del festival. No obstante esta tragedia, no seria un hecho aislado en el proceso de creación de Riot Act. Es sabido por todos que cuando la señora facinerosa quiere marcar a alguien lo logra, vendría luego el 11 de septiembre del 2001 (los 11/09 tienen una marcada desventura en si) y de paso el aprovechamiento del presidente de cierto país, para torcer la situación e invadir tierras orientales (este será otro ingrediente que entintara de activismo las composiciones) y como tercer precedente podríamos mencionar el deceso por sobredosis Layne Stayley, vocalista de Alice in Chains y una de las piedras angulares de TODA esa institución que se volvió en sus días el ~~grunge~~ ,sellando un ya inevitable sentir de mentiroso final para sus congeneracionales, lo cual no deja de incitar cierto eco de pesadumbre.

Como se notara, el album en cuestión bebe de esos elementos; el luto por un lado (Arc) ,el silencio de las perdidas y el activismo anti- Bush (Bushleager), coloraciones que se entremezclan en Riot Act, bailando y conduciendo por sus diferentes matices, desde una electrificación cercana al punk-modernizado, ejemplificando crudeza (You are) o a la reverberación acústica para representar la búsqueda personal (Thumbing my way) , mas no se reduce a eso, tenemos al final ese eterno escrutar con la palabra mas desgastada del mundo, esa a la que hacían referencia los Beatles en The word, y si no estoy en lo cierto fíjense en la letra de Love Boat Captain, guarda mucho de todo lo que necesitas es………….? Dejando abierta la interrogante.

Para resumir lo único que puede barajar un significado claro con los múltiples y transversales ejes que atraviesan de norte a sur Riot Act, es la eterna redención que buscan (mos) en todas las fuentes citadas. Hay mucho de todo, pero el TODO esta muy metido en esa palabra encriptada. ¿Complicado? Tal vez pero la banda logra explicarse mucho mejor por medio de la música, que es lo relevante

Se abre el playlist con Can’t Keep, no me parece un mal inicio aunque si mas tibio de lo habitual, acostumbrados ya a la instantánea atención que logra el grupo con sus discos desde el primer minuto , se siente una canción atiborrada, de hecho las primeras partes, se asemejan al sonido neo-sicodélico usado por Oasis en el SOTSOG , ese espejismo desaparece una vez Vedder entra con toda su forma y lo retorna a un track netamente Pearl Jam.

Siguiendo la línea preestablecida Save you, si que se mueve en otro espectro, plagada de urgencia y una especie de tensión densa, logra acelerar tanto como invadir de surcos de adrenalina el metraje, me hace recordar que en definitiva PJ tiene raíces hardrockeras, mas eso por ratos hace olvidarse de esa total visión punk que despliegan muchas veces, u relegamos Vs. ya?

Y ya en un tercer escaño encontramos una pieza distintiva, Love Boat Captain ,aparte de su mensaje plenamente redentor y que pueda sonar poco honesto de no ser porque quien canta se gano la suficiente credibilidad durante su carrera como para poner en duda el mensaje ( ¿ recuerdan lo que les decía de esa palabra?), tenemos una variable sónica muy presente , una especie de acolchado por un teclado , que recubre el tema de un muro de sonido muy suave que de alguna manera amortigua todavía mas las palabras de Eddie, este ultimo efecto obra del miembro no oficial de la banda Keneth Gaspar, nunca olvidando innovar por lo visto, o al menos probar.

Cropduster, resulta pedregosa y aspera, de todos modos el recado no se pierde, esa especie de universalidad que inculcan siempre, en que formas parte de un ecosistema así como el ecosistema gigante es parte tuya, la individualidad no vale, en pos de la dualidad en que nos movemos. Lo otro es que el tema sale acreditado a Cameron y Eddie, traducido a la anhelada estabilidad de los bateros que se ve por fin normalizada tanto así como para incluir sus colaboraciones. Un par de brazos mas a la fuerza creativa.

Llega Ghost, con sus halos, me gusta la entonación que le da Vedder a la letra, se mimetizan perfecto de hecho generan esa vibra de escape-liberación que representa, y si de libertades de trata I am mine, no puede ser mas acertada como continuación. Desde esos bonitos acordes iniciales acompañados por el sutil trabajo de batería enganchan con su magia, porque ese ¡yo soy mio!, es todo lo contrario a lo egoísta que pueda parecer, habla de la libertad individual no del egoísmo, y suena sincero, aparte musicalmente es impecable se vuelve un plato fuerte dentro de la variedad de “este acto de desorden”. Desde el solo al 03:12 a las líricas donde dice “La luna llena busca amigos en la alta marea. La pena crece cuando es negada. Solo conozco mi mente” Una de las mejores canciones de todo su catalogo definitivamente.

Thumbing my way, se recrea en la desnudez acústica, lo cual hace crecer mucho su contenido, el ser un viajero y retornar haciendo dedo por la carretera, no hay mas arreglo que lo famélico de las cuerdas y la voz profunda del vocalista, y no se necesita mas para darle toda la dimensión que necesita al contrario de You are, que es evidentemente una variación tecnologizada, me recuerda al efecto producido por la guitarra de Tom Morello , quien por ese entonces militaba en el naciente Audioslave, para Get right retoma algo parecido, aunque mas suavizado y dulcificado por ingredientes vocales, como por el uso de menos experimentación deshuesada en la técnica de la guitarra y si un hacer mas clásico hardrockero.

Las cosas se suavizan notablemente con Green Disease y Help help, la primera notablemente melódica y un prototipo de single no terminado y la segunda de unas percusiones profundas que parecen emular el paso de un titan, me quedo con la letra de la segunda cuando recita “El hombre al que llaman mi enemigo, he visto sus ojos se parece a mi”

Ya entrando en terrenos finales Bu$hleaguer, suelta toda la artillería lírica contra ese despreciable presidente de USA, me gusta de sobremanera la apertura con un Vedder recitando, y esa pared de distorsión bizarra al fondo, pero es en este trecho cuando tiene acto de precensia 1/2 full, y que gran baterista es Cameron, el trabajo desplegado en este álbum es notable le da una textura diferente al tandem total, redimensionándolo, quizás volviéndolo mas plano, pero definitivamente mas condensado. Como un sentido réquiem Arc, un experimento vocal que pese a no ser una forma convencional logra erizar los pelos con total justificación, ya casi apagando las luces, de no ser porque el telón lo cierra la sobria y elegante All or none, con teclados, así como guitarras acústicas y electrificaciones precisas, mas un solo al 03:30 realmente notable, que hacen querer que no se acabe, sin considerar que ya han pasado por los oídos quince temas… Todo o nada? Parece que ellos prefirieron la primera opción.

Serán muchas canciones, todas no despegaran, pero es que con tanta inspiración resumida en un disco es difícil conservar estable en todo momento el equilibrio acústico, de todas maneras es imposible bajarle el dedo a PJ y en esta sin duda aprueban, aunque con menos facilidad que en el ejercicio anterior, de no ser porque el código sigue siendo tan claro como siempre… grandes canciones, un blanco al que ametrallar y también caídos por quienes hacerlo.

El sortilegio

2011-04-04T17:43:00.001-03:00

El sol diurno como una lámpara caleidoscópica

sobre una cabeza cercenada;

¿Será que de noche nos ponemos de cabeza?

\ o al revés? \

Y no debajo del sauce

sino con una alfombra de surcos

en los pies vueltos

¿Será que las chinitas floydianas

gozan merodear dejando halos tornasoles

por los países miniatura de tomates?

\ ahí en el torso de mi Tierra empelotada \

Y no es que sean los volantines del diablo;

que ocioso mata sus horas de regadío;

en vez de tatuar el piso con su azadón

¿será tu ropa curtida?

¿por el sol? ¿la sal? ¿la aspera piedra?

Lo que la volvió greda torcida

\ y no la explotación demócrata permitida \

Quizas son los días

Como el miércoles que pende de esa rama

O el coqueteo de la dama con mascara de verano

¿será el yugo?

¿será el sauce?

¿será el sur?

Lo que hace que te veas mas sereno (de llanto )

Como mascando la parsimonia chiclosa

(¿será mi lámpara? ¿tu sol? ¿mi linterna?)

A mi padre

“Bajo la estela del Reloj de Arena”

2011-04-01T14:47:00.002-03:00

Pearl Jam – Binaural

Pasó la década , se remato el siglo, el grunge desapareció como la leyenda del fénix hecho cenizas pero sin resucitar nunca mas, y para sorpresa del mundo Pearl Jam seguía ahí y muy lejos aun de que se les acabasen las ideas y por sobre todo la buena música. Porque cerrar la mente y darse vuelta constantemente alrededor de dos discos es una absoluta perdida de tiempo en esta banda, el abanico de discos sólidos es muy amplio para solo enfocarse o mas bien limitarse a tan poco, personalmente considero que artísticamente cada album de PJ, esconde un mini-universo yuxtapuesto a su antecesor y asi van confabulando de a poco galaxias sonicas imprescindibles, y bueno….este es el caso, una nueva obra maestra del milenio menos longevo. Ahora luego de mi afirmación debería caer la pregunta clásica y no por ello menos justa… ¿Por qué?

Veamos, primero que todo acá ya se notan mas texturas variables y espesas en casi todo el larga duración, atmósferas floydianas muy opresivas, asi como un poco del vértigo de los Who, un poco del famélico acústico de su tutor de siempre y si hasta un ukelele se cuela en el resultado final, solo queda ver como carajo consiguen ordenar todas esas piezas tan disímiles unas de otras y ahí hay una nueva impresión pues lo consiguen en orden y una especie de sutil cobertura de homogeneidad recubren el album de unidad, produciendo una fuerte sensación de escucha cohesiva. Segundo, tiene un sabor a lo mas nocturno que les he oído, asi como un poco de gustillo a vino estival, Binaural se concibe en muchos vértices, cada cual conectado de forma elegante con cualquier otro; desde esa bestia que dejamos nos amedrente en Rival a la opresión de Insignificance, o porque no? los rieles sonoros del ultimo track oculto, casi todo se me vuelca indispensable para el total de un primer disco de la nueva y decadente década (fea cacofonía). Tercero, su portada es preciosa, la fotografía de la nebulosa reloj de arena entra de lleno como una cárcel de sinestesia que enjaula la esencia del album, esa especie de vaho estelar y la vez noctámbulo, bellísimo. Definitivamente a la hora de las virtudes, casi todo suma, o no?..

Lo interesante es que a nivel de grupo los encontramos en un excelente momento también, una vez mas y esta ya seria la definitiva, las percusiones sufrirían otro relevo, abandonando el grupo Jack Irons, para el ingreso de Matt Cameron, ex - bataco de la extinta en esas fechas Soundgarden y quien dará esa profundidad aplastante a su puesto, no olvidar de donde venia. Aparte, para cuando ya se empezó a forjar esta placa, venia tocando con ellos desde la gira del disco Yield, por ende cualquier traba química era ya inexistente, conformando un quinteto sísmico sin fisuras. Lo interesante es que la gestión de Binaural venia precedida también por el sorpresivo éxito del single Last Kiss (que llego a ser el tema mas exitoso de Pearl Jam, increíble no?) Bueno y creo entender que ante las estelas dejadas por ese nuevo respiro artístico, vendría la soltura para desarrollar en potencia, las mixturas del sexto hijo de PJ.

Como resultado tendremos un disco muy alentador y vigente, espeso a ratos, veloz en otros, mas siempre preciso en donde ahondar en recursos, toda una experiencia estereofónica como versa su titulo, por cierto y de paso, sería en la gira promocional de Binaural cuando como banda experimentaron la decisión de publicar oficialmente TODOS los bootlegs de su gira, en discos dobles un numero no menor (72). Un momento álgido para dar un paso seguro en los nuevos tiempos, y un nuevo revés aun se veía lejano, mas eso es otra historia, mientras que la música siga contando la fabula, porque hay mucho desde donde desmenuzar.

El inicio se carga de vertiginosidad, una triada de temas poderosos y urgentes, incluso al inicio de Breakerfall, se deja oír una sonoridad de tensión eléctrica idéntica a la partida de “I can see for miles” de los Who, y lo mejor es que no se queda ahí, martillazos gravitantes golpean una y otra vez con las sucesoras God’s dice y Evacuation. Y para quien dude que la intensidad no puede ir de la mano de la profundidad chequeen las líricas de estos temas, unas líneas sobre el cuestionamiento de la existencia divina bastantes adecuadas. “Guiados como monos. ¿A esto le llamas vida? Já /Presta atención a lo tuyo, lo que es mío no te pertenece. Nos va a terminar desconectando” . Como si Dios fuese un dictador absolutista allá arriba.

Y como ya les citaba en la introducción luego de esa euforia madura, viene el ahondar en texturas Light years y Nothing as it seems son las encargadas, la primera es muy nostálgica de una pena muy honda, distanciamiento y demases, enarbola esos sentimientos de perdida de manera sobria y brillante. La segunda por otro lado es inquietante más que triste, recrea las atmósferas floydianas de las que antes hablaba, ese navegar espeso ejemplificado en la letra como un ticket de ida a la tumba y me encanta ese gusto enlodado que deja en el aire. Thin air, va en una capa similar aunque mucho menos gruesa, adormecida por decirlo asi, el sabor acústico que tiene va embriagando despacito hasta provocar esa lluvia de estremecimiento que suelen evocar estos temas. Cuando nos posicionamos en el Ecuador del album Insignificance, es un péndulo de tensión, y es ese vaivén metido en su estructura quien se encarga de ir moviendo la intensidad del tema, al 00:50 se hilan unos intercalados guitarrazos que acompañados de la voz de Vedder pronunciando desganado que la luna llena es piel muerta, es impagable. Ya mas de la mitad de la placa y ningún tema me parece descartable por el contrario cada cual cumple su función a cabalidad en el espacio que les fue otorgado, y eso que la lista varió mucho antes de ser publicada, se descartaron varios temas y el orden de reproducción de vio alterado hasta llegar a esta lista.

Of the girl, es mucho más apantanada, y como Grievance, vuelven su estancia más apesumbrada, mucho mas cargada, encementando uniformemente trazos lodosos, no son temas formidables, tampoco temas desdeñables, están ahí y si bien no elevan el promedio del disco, tampoco lo bajan, están ahí y se vuelve necesario pasar por ellos, asi como también podrían tomar un atajo de esta parte de Binaural. Luego se siente un sonido gutural de algo asi como una bestia, que da el puntapié a Rival, con guitarras un poco más cadenciosas y funkies emerge hipnóticamente, también sigue formando parte de esa sección mas oscura/nocturna por ponerle algún adjetivo.

Sleight of hand, ya casi terminando narra una especie de relato muy depresivo donde la rutina hace ecos interminables en el protagonista, casi como un martillazo invisible de un ventrílocuo incorpóreo, aluciones a lunes hechos para caer o leer interminablemente un mismo libro en sueños, son todas letras que ejemplifican muy bien la opresión del tema, la rutina como radicalización y absolutismo opresor, pura vida moderna, como dicen por ahí la realidad es mil veces peor que la ficción. A esa rotunda bruma negra le entra un pequeñito rayo de sol con el Ukelele de Vedder y Soon forget, un tema corto pero efectivo para disipar un tanto el ambiente, de todas maneras el decimotercer track vuelve a disolver este espejismo con su fuerza gravitatoria, Parting Ways y sus múltiples cuerdas sicodélicas despiden la nebulosa noche de Binaural.

Bueno Pearl Jam nunca mas retornarían a las sendas coléricas y muestra de ello es este opus maduro, aparte la prueba firme de que el camino que señalaron era el correcto, un paso adelante en su discografía y aunque por ahí por allá luego de pasar la mitad hayan algunos rellenos menores, no alcanzan a empañar la totalidad de uno de los mejores discos de PJ. Déjense pintar por el tinto de esta sexta y esplendida pieza…

PD: ¿Sabían que la imagen de esta nebulosa "Reloj de Arena" es tomada por algunos manuales religiosos como la prueba de la existencia Dios?

Todos esos ayeres

2011-03-31T07:00:00.002-03:00

Pearl Jam – Yield

¡Asi es! un titulo nostálgico para una canción y disco que amerita el uso del adjetivo, todo lo transcurrido en la vida del grupo, la arena y el mar, el sol que descueraba la imaginación de Vedder, con sus respectivas noches estaban muy atrás, mas de ocho años en carrera que pareciese emular esa portada ejemplificadora del camino, como hijos de la tinta de Kerouac; Ament, McCready, Irons y Gossard, miran por un retrovisor por el descampado, pero mas que mirar y saborear esa vieja nostalgia albergan muy adentro esas sensación de avanzar, medir cuanto han andado pero también notar que hay un horizonte ahí adelante y sin duda mas cosas por hacer, mas música que tocar y obviamente plasmar lo aprendido, ese fue en un principio el código básico de la evolución, y la selección natural es algo intrínseco de PJ.

Ahora es cierto que aveces este disco deja ese sabor a añejado, como dicen “mas sabe el diablo por viejo, que por diablo” y ello lo dan a notar sin ninguna excusa entrelazando las diferentes paradas que hicieron en sus discos anteriores, cuando se detienen en la energía corrosiva (Do the evolution, Brain of J) cuando rodean la exosfera armoniosa ( Given to fly , Wishlist ) o cuando se estancan en los recodos experimentales ( Red dot, Push me, Pull me) hay mucho del camino acá, y definitivamente no es una vuelta a la raíz, ya que la raíz en este caso, es mas como una enredadera que se mantiene arriba, atada a la superficie omnipresente. Lo cual no quiere decir, no me malinterpreten, que estamos frente a frente a una conjunción maestra de todos los aspectos ya vistos, realmente esta lejos de eso, el abordaje de diferentes texturas solo crea inconsistencias en el hilo-carretera del disco, rutas muy elevadas de pronto que no alcanzan a conmover, o meros temas que no consiguen enlazar muy bien su propósito (In hiding). Asi de sinuosos y difusos se tornaron las rutas para finales de la década pasada, individualmente buenas canciones, aglomeradamente imperfecto. Y aunque esa premisa sea demasiado cierta por momentos, la inspiración y desarrollo de la quinta placa rebosa esa sensibilidad imperecedera que bien podría achacársele a una de las principales fuentes de las que bebe, Ishmael, de D.Quinn dotando a Yield de esa idea de ceder ante la naturaleza, o el dejar que esta fluya por si misma sin intervenciones ni distorsiones muy ajenas a ella, pero si muy propia de nuestra raza.

Otras ideas que quedan rondando son esas sensaciones de que los temas lentos le siguen sentando demasiado bien a la maquinaria escondida en los integrantes, de algún modo canciones como Wishlist embaucan de manera soberbia, es como si uno pudiese mirar los deseos del vocalista levitando de poquito y yéndose bien pa’ arriba u All those yesterdays, que se concibe sepia, son todas funciones que siguen emocionando, de una u otra manera.

Abre la poderosísima y elástica Brain of J , una manera certera de traer a la memoria los voraces primeros días ,tal vez sea por temas como este que muchos dicen que Yield es un retorno a las fuentes primarias del grupo, y yo aun asi no le encuentro demasiado sentido a tal aseveración, para mi su disco a disco marca una fotografía de ese momento en particular, obviamente sacan jugo a todo lo pasado pero ni siquiera se aproximan a “querer” dar una vuelta al sonido “Ten” o “Vs.”, y aun asi tiene esos tintes de madurez que da la experiencia ,que no lo hacen a mi gusto un regreso. Y si de experiencia se trata Faithfull, nos muestra la faceta calma de Pearl Jam, ese avanzar sigiloso y pacifico, pero que inherentemente conlleva mucha fuerza, como ser aplastado por la atmósfera, no se le ve moverse fervorosamente, pero te hunde con toda la serenidad del mundo, cuando quiere. Las letras también andan bastante bien me quedo cuando pronuncia… “M.Y.T.H. is belief in the game controls that keeps us in a box of fear”

No way, es la siguiente en asomarse con toda una parafernalia de medio tiempo que va atrincherándose y demoliendo, y repitiendo estas dos acciones una y otra vez. Sus efectos me traen a la mente esa sensación de desmembramiento que me producía Tremor Christ (Vitalogy), y lo genial es que una vez mas las letras se mandan esa introspección casi obsesiva de Gossard (el hombre también escribe!!) profiriendo con manía… “To the ocean of my platitudes. Longitudes, latitudes, it's so absurd / I'm not trying to make a difference …Ooh... Let's call in an angel” Bueno en si, no es la octava maravilla en cuanto a composición musical, mas detalles como los antes enumerados las vuelven necesariamente infaltable.

El siguiente es un trecho de bastante calidad Given to Fly y Wishlist, han de ser dos fuertes candidatas para la mejor canción del album. La primera es inquietantemente sobrecogedora, narrando la liberación espiritual de una persona, con metáforas de alas y cadenas, para luego ser devorado una vez mas y traicionado (traído de vuelta), se podría asimilar como esa necesidad de las personas a percibir nuevas formas de expresión, y la negativa de otras ante estas “anomalías”. La manera de hilarla la hacen una bella canción, y es esa profundidad compositiva y las fibras subliminales que toca, como lo hace Wishlist que terminan de convencer de la limpieza “sensible” de las canciones. Dije bien “sensibles” no “sensiblerías”.

Pílate, primer aporte de la mano de Ament, líricamente anda bien, pero en lo respecto al tema de rock que pretende ser queda debiendo, no resalta demasiado siendo un tanto soporífera y monótona, una nebulosa letárgica que desaparece instantáneamente con Do the evolution, una canción corrosiva, venenosa, explosiva y filosa, que lacera con su ritmo sucio. El sonido de la guitarra al 01:05 es distorsionadamente hipnótico, la canción mas escabrosa que hicieron desde la exagerada Blood del Vs. Aparte marca un precedente con ese videoclip magnifico, que de paso marco la vuelta de la banda por esas artes, la cual se habían auto vedado desde los líos con Jeremy, luego se sienten unas sonoridades étnicas y voces algo paródicas, es Red Dot, o un tema sin nombre asignado a un punto rojo, cabiendo como la dosis experimental del disco (de esos implacables nexos).

Lo bueno es que el ritmo se retoma con MFC, un tema brioso que deja una impresión de dignidad en su metraje, Low light de Ament ,reversa la situación, siendo una balada crepuscular, aletarga o mas bien disminuye la prisa del album, lo cual no es contraproducente, para nada. Les sigue In hiding, una canción compleja de describir, porque se nota grandilocuente, hecha con forma de himno, con letras de autoreclusión y temor, pero por alguna razón no logro conectar con ella, algo parecido a lo que me sucedía con Evenflow, aunque para este caso su forma esta mas cerca de la sobriedad inflada que de la fiereza del otro tema. Y Antes de terminar viene Push me, Pull me, un tema a medias de experimental a medias de un Vedder recitando con una instrumentación disminuida atrás, aunque no por ello menos vertiginosa, de paso se saca unas buenas frases entremedio como…“Si no hubiese ángeles, no existiría el pecado / Como una nube arrojando lluvia, estoy descartando todas mis ideas”

El cierre no puede ser mas preciso en cuanto a temática, All those yesterdays, suena a dejar la nostalgia de una vez, después de todos en eso hemos andado en gran parte de album reformando lo visto, pero sin llegar a añorarlo de vuelta, dejar atrás todo nos dice Gossard en la letra, pero Vedder es quien lo pronuncia y quien le da la significación, el camino hacia atrás se cierra, para abrirse a sus anchas hacia el frente… (Bueno entremedio hay un tema oculto llamado Hummus, pero solo es una guitarra con aires españoles-gitanos y palmas percusivas que me suena a un eco extraño de despedida).

Al final como muchas veces, se detienen caballerosamente para darnos el paso…y el siguiente siglo conseguirían seguir brindando calidad a destajo. Una manera simbólica de cerrar la década y el siglo, aunque lo realmente importante es que el mensaje sigue sonando de una complejidad casi romántica. Indudable que es difícil encontrar fallas en un mural de sonido tan sólido como los de este quinteto, y esa es una cuestión que se gana a pulso y por qué no?............ trayectoria..

· Tracklist

· Brain of J

· Faithfull

· No way

· Given to fly

· Wishlist

· Pilate

· Do the evolution

· (Red dot)

· MFC

· Low light

· In hiding

· Push me Pull me

· All those yesterdays

“Metido entre las uñas de la maquina”

2011-03-30T09:20:00.001-03:00

U2 360 Tour – Estadio Nacional 25.03.11

Se podría empezar por mil maneras una reseña sobre un recital, como dos días antes por ejemplo cuando inventaba alguna “excusa soberbia” a mi jefa para ausentarme del trabajo el viernes, o las horas previas con el inevitable atraso de mis camaradas (y el mío propio) al punto de reunión, o las respectivas rondas de cervezas antepuestas al evento etc. Hay mil puntos de partida aunque para los efectos de ese show un solo final. Esta vez nos situaremos desde la fila, para mi fortuna no tan larga que se situaba fuera del estadio nacional a eso de las tres de la tarde mas menos, el sol no era tan pesado y nubes otoñales se dejaban entre ver por aquí por allá, al igual que miles de vendedores de diversos merchadising de la banda, en definitiva nada fuera de lo habitual, una espera normal, el atraso en la apertura de las puertas habitual…todo hasta antes de las seis de la tarde que fue cuando por fin ingrese a la cancha del Estadio se movía dentro del parámetro, pero como dije hasta que entre a la cancha…y ahí pude ver con mis propios ojos la tan manoseada y mencionada “Garra” el escenario que traía U2, esa enorme e imponente mole situada en uno de los extremos del recinto, eh ahí el primer vuelco de la tarde, y solo seria el primero de muchos.. Con cuatro extremidades y patas de una especie de blanco verdoso, mas sus montones de parlantes y pantalla de luces circulares, puentes móviles y muchos artilugios mas, el asunto al menos a esas horas daba buena espina…

Una vez acomodados en cancha solo quedaba esperar, con la fortuna de adquirir un sitio bastante privilegiado visualmente, frente a frente a la bestia maquinal, y mas menos como a cinco o seis filas del red zone, en castellano a no mas de 15 o 20 metros del escenario, situación que se veía claramente favorecida por la forma circular de este, entonces entre cigarros y música de fondo el reloj avanzo bastante rápido hasta las ocho que es cuando dio inicio el show… y Bellamy y compañía entraban a telonear…

Muse, lo suyo fue una presentación fugaz, no mas de 50 minutos lo que se entiende en el contexto, eran la banda de acompañamiento no el numero principal y yo era de los que iban a verlos a ellos principalmente y luego dejar que me sorprendieran los irlandeses, y no me decepcionaron, desde que visione H.A.A.R.P que tenia muchas ganas de “su en vivo” y fue un completo shock eléctrico, iniciaron con la poderosa Plug in Baby, desatando de inmediato los saltos eufóricos de la asistencia, menos claro de un grupo de puristas de U2, que lo único que repetían era que tocaban bien y todo pero que se bajaran luego, ya saben típica mente cerrada por los años, luego vendría Resistance con toda esa parafernalia pomposa pero efectiva para un estadio repletándose rápidamente, un encendido automático que dejo el letargo de la espera en una dimensión aparte. Le seguiría un escarceo a “The house of rising sun” ese cover que tan electrificado les sale para hacerlas de intro al bajo lujuriento de Time is runing out. Tres temas pura adrenalina. Bueno pero como se nota que le deben mucho a sus últimos trabajos en cuanto a la popularidad ganada, ejecutarian tracks recientes como United States of Eurasia, la anarquista Uprising ( con todos vitoreando el They will not control us .We will be victorious!!) y la azucarada, pero bonita al fin y al cabo Starlight, sin embargo se guardaban lo mejor para el final y el tapaboca definitivo para los escépticos, la demencia brutal de Stockholme Syndrome abatió con toda su fuerza y si ese era el puñetazo critico, el cierre de su interpretación de las manos de la épica Knights of Cydonia termino de cerrar el circulo de una actuación redonda, 45 minutos esplendidos, tal como se esperaba de Muse, tal vez 8 canciones sean muy pocos para quitarse las ganas, mas esperaremos su vuelta y ojala en esa ocasión sea como numero estelar, porque de teloneros aunque sea de una banda consagrada ya les queda chico.

Con toda la energía liberada, empezó el entretiempo para rearmar un escenario y darnos de una vez el plato principal, y entre tanto salto perdí a un compañero que cada vez se veía mas lejano entre la multitud a mis espaldas, y bueno mis otros dos amigos se mantenían en una tensa situación con unas muchachas israelíes que por decir lo menos eran “una odiosas”… Lo bueno es que cada vez el escenario estaba mas cercano. Con un retraso de unos diez o quince minutos se reordeno todo, y la garra entro en funcionamiento… 21:45 , Bono, The edge, Clayton y Mullen Jr. salen a escena…

La banda telonera lo hizo excelente pero U2 se encargo de remarcarnos porque ellos son los dueños del show aplicando todas las maniobras que el armatoste en el que estaban emitidos les podía brindar, aveces la música queda en un segundo plano en cuanto a la oferta audiovisual que se puede ofrecer, no estoy diciendo que la banda tenga peros en cuanto a ello, las interpretaciones fueron excelentes, pero es que en este espectáculo las canciones solo son un complemento mas de el todo, donde se mueven , imágenes, sentidos, colores, figuras y todo ello alborotado da como resultado las sensaciones que te pueda dejar la performance. Y lo otro es que Bono no anduvo tan predicador como aveces, y se soltó las típicas frases de siempre, aunque en menor medida lo cual se agradece…. No necesitábamos que nos recordara una y otra vez que admira a Victor Jara.

Beautiful day, I will follow y Get on your boots, dieron la movida apertura de cortinas, mucho ritmo y euforia que disiparon cualquier neblina de duda que pudiese cobijar, lo cual me trajo a la mente porque U2 si es una banda de rock al final, para que hablar de lo soberbia que sonó Magnificent con un The edge sonando casi catártico con su solo o en Mysterious ways, con las pantallas circulares proyectando formas psicodelicas que embargaban de ingravidad el ambiente, a esas alturas ya eran los dueños absolutos del recinto… Elevation, volvió a subir en pulsaciones con una interlocución entre Bono y el público gritando el nombre del tema, a esa nueva escalada en potencia, le vendría la presentación de la banda y los agradecimientos respectivos a los teloneros, para inundarnos de un trecho mucho mas calmo pero por ello mismo necesario… Until the End of the World , I Still Haven't Found What I'm Looking For y One Tree Hill (esta ultima acompañada por la preciosa aunque pop Francisca Valenzuela), trajeron ese periodo de serenidad espiritual y mayor simbiosis entre asistencia / banda que deja percatarse mejor de las movidas que va haciendo el escenario y demases, que por cierto entre tanto salto y empuje , terminamos como a tres filas del circulo exterior, donde como máximo tendríamos a Bono y The edge como a tres o dos metros, bendito escenario!!

Los clásicos no podían faltar y Pride fue muy coreado, con una ejecución impecable, no obstante el momento mas álgido de la noche llegaría con Miss Sarajevo y City of Blinding Lights , la primera nos mostró al vocalista en un estado de gracia replicando con su voz una interpretación conmovedora, para que decir las imágenes de las que fue acompañada que de alguna manera lograban casi sacar lagrimas, y luego las pantallas empezarían a deformarse en decenas de hexágonos para ir a bajando hasta cubrir casi por completo el escenario que humeaba como una gigantesca nave futurista mientras las luces iban haciendo formas y formas, hasta transformar el centro del escenario en un panal multicolor que se enardecía por los prístinos acordes del segundo tema mencionado, ahí ya se notaba porque valía la pena este armatoste y todo el juego que podía dar, de esos eventos que uno debiese ver con sus propios ojos para asimilarlo, y no se quedaron cortos ya que le secundaron con Vértigo y ahí ya la euforia de la asistencia no daba para mas, sobre todo con miembros del grupo tan cerca.

Ya casi finalizando el primer y mas extenso bloque I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight , daba esa impresión con un Bono al medio del escenario de una disco (o algo asi , la esfera de espejos da para pensarlo) mientras la pantallas iban reduciendo y aumentando los rostros lilas de los integrantes del grupo, me dejo un gusto demasiado pop en la boca para considerarlo un aporte a lo excelso del trecho anterior, lo bueno es que la crudeza de Sunday Bloody Sunday le quito cualquier vestigio resacoso dejando el paso abierto para dos canciones mas que finalizaron el primer bloque y dieron paso al Encore…

Unas cuantas proyecciones propias del activismo del grupo servirían de Intro para One y la fuerza prístina de Where The Streets Have No Name ,el primer final rebosaba calidad, tanto asi que la efervescencia estaba mas que justificada, a esto le vendría un nuevo entretiempo aunque este mas marcado, para volver con otro hecho digno de contar…

Un micrófono con forma circular y fluorescente colgaba desde lo alto de la garra y sirvió de artefacto para que Bono se luciera con esa exagerada, pero propia faceta de frontman en Hold me, Thrill me, Kiss me, Kill me, un temazo rockero, pura fuerza, pura crudeza , como se lucio The edge con ese riff… hasta ver al vocalista colgado de ese anómalo micrófono causaba impresiones de …Wow, esto es ampuloso, pero resultaaaa..!! y With or Without you, coreada, gritada, cantada, y desgarrada ya lucia la puerta de salida de una noche gigante en si misma, creo que en ese punto ya estaba demasiado sordo por la potencia del sonido y la cercanía de los múltiples parlantes sin duda, mas valió la pena…y el cierre definitivo y propio llegaría con Moment of Surrender, la manera de dejar caer el lienzo total a un show redondo, en 360º como versa su gracia.

Tal vez se les puede achacar mil cosas como banda de estudio, y cinismos varios a cuestas, mas el oficio de espectáculo visual y grandilocuente lo tienen demasiado bien aprendido…por estos días.. U2 te la compro…uno de los mejores recitales de mi corta y estratosferica vida… un show digno de ser visto por todos..

Setlist

Beautiful day

I Will Follow

Get On Your Boots

Magnificent

Mysterious Ways

Elevation

Until the End of the World

I Still Haven't Found What I'm Looking For

One Tree Hill (con Francisca Valenzuela)

Pride (In the Name of Love)

A Little While

Miss Sarajevo

City of Blinding Lights

Vertigo

I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight

Sunday Bloody Sunday

Scarlet

Walk On

...................

One

Where The Streets Have No Name

..................

Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me

With Or Without You

Moment of Surrender

PD: Próximamente vendría Paul Mc Cartney, espero estar ahí, si los sepultureros de las productoras no me obligan a vender un riñón para poder asistir..

¡Experimental mis pinzas!

2011-03-27T00:22:00.000-03:00

Pearl Jam – No Code

Como bien dice el titulo el disco en cuestión recibe comúnmente esa etiqueta por optar por otro camino un tanto distinto de sus tres hermanos mayores, sin embargo este apelativo puede estar sujeto a dudas ya que simplemente no alcanza a ser un disco ecléctico o con una variación demasiado extraña para considerarlo como tal, solo se reduce en densidad y recurre menos al rock furioso, agregando como siempre de Vitalogy en adelante uno que otro tema conector que le cabe mejor la glosa de “experimental”. Mas no me parece demasiado preciso por varias razones, una de ellas y quizás la mas notable es que si se escucha con atención, esta mas cerca de un rock clásico reposado y maduro, para mi un titulo asi cabe mas preciso en un “Amnesiac” o un “Zaireeka” de los Flaming Lips, e incluso en su predecesor que si era un tanto mas engorroso, por ende solo lo tomo como el siguiente paso de madurez en una banda, no los vería como tal si se hubiesen pasado los siguientes 20 años repitiendo un “Ten” innumerables veces, por muy buen disco que este sea, aparte la variación no es TAN visible como se podría inferir.

Quizás EL CAMBIO NOTABLE sea la atmosfera recreada en “No Code” que se escapa de la regla general imperante hasta ese punto, en vez de la tragedia y obscuros temas que reposaban en la angustia, para este trabajo podría intuirse el fin de ese amortizante, para dar paso a una paz omnipresente. Se sienten auras livianas, más tranquilizadoras y holgadas. Ello profundizado totalmente por temáticas de religiosidad (no una dogmática por cierto, si no mas bien esa que le es propia a cada ser humano como individuo, sus propias creencias) e introspección. Al oírlo completo deja esa leve idea de vagar mentalmente entre el mundo interno de un individuo contra o mejor dicho con todo su exterior, me parece lo mas cercano a la simbiosis que ocurre en esa interacción, acomodándose y siendo muy tranquilizador… al final lo único que quiere decir el código es.. “Fe en si mismos”.
Bueno y ante tamañas afirmaciones uno se creería que todo los problemas internos de Pearl Jam se habían resuelto post- “Vitalogy” y habían derribado ese muro floydiano que tenian para la prensa y demases aislamientos varios, no obstante no es asi…El mutismo para con los periodistas seguía, e incluso estará presente por al menos nueve años mas y los sinsabores tuvieron un papel principal notable en el inicio de grabación de “No Code” de hecho llego a tal punto la incomunicación y las desavenencias al interior del grupo, que Jeff Ament abandono el grupo momentáneamente, lo notable es que estos conflictos se reversaron y en gran parte el merito de ello ha de recaer en la incorporación de un baterista nuevo (si ya saben con PJ los batacos se suceden rápidamente), de nombre Jack Irons (les suena?), exactamente el mismo que un día llevo ese milagroso demo a las playas con su amigo Vedder, incluso se le debería dar el titulo de padrino de la banda según mi parecer, bueno a Neil Young también, xD. El fichaje de Irons disipo el ambiente denso, y ayudo a alivianar un tanto esas tensiones terribles que algún día afectaran al grupo.

Y por ultimo sin dudas el factor que define en gran parte el enigma sonoro de la placa, estaría en una llave, y esa llave en un bolsillo, el bolsillo de un hombre admirado por Vedder, exactamente el ya citado Neil Young, la colaboración con el en su disco Mirror Ball asi como el EP Merkin Ball unos meses antes, influye bastante en esa vibraciones subliminales del larga duración, también de este punto es de donde se desprende el mayor ascendiente posible al espíritu de las canciones, que sobrevuelan por terrenos poco conocidos, al igual que las búsquedas personales de cada miembro que se extrapolaban mas allá de lo musical o los intereses particulares de cada extremidad, como resultado abarca una paleta mayor de colores y eso es bienvenido, aun cuando no le guste a los seguidores de un sonido mas riffero.

Acostumbrados a que desde el inicio la banda nos despertara de un golpe directo y acelerado, nos sorprende que para esta velada se inclinara por adormecernos mas en la obertura, Sometimes es una versión parpadeante, de sonidos bonitos pero lentos que acompasados engullen en una especie de epifanía muy borrosa, Hail Hail, es al revés, con una aplanadora de sonido medio ventisquea fuerte, acelera el pulso , aunque tiene esos sonidos tintineantes que dejan en el éter ese sabor a algo violentamente medido. Who you are es quizás la que mas se beneficia de eso, porque aprovechando todos esos destellos sonicos delicados del aire (legado de sus predecesoras) los redondea sumiéndolos en un mar de percusiones, una marcha aquietada que no le pide velocidad a nadie y se mueve a un tiempo preestablecido muy plácido. La que definitivamente (como una cadena) intensificara su relevancia en esos pasajes tribales, será In my tree, dejando que el seco y retumbante sonido étnico le guíe hacia una especie de elevación o allá arriba casi tan alto, como rozando el cielo, tal cual describe la letra.

¡Si! , una armónica, que pareciera bailar junto a la gravedad de la guitarra es la que define en un segundo a Smile, deudora de esos soundtracks montañeses, donde los pinos con su acido logran hacerse entender por medio de esas armonías alcalinas. Mas uno de los puntos fuertes entre tanta quietud es esa inamovilidad que nos presenta la simpleza de Off he goes, nunca un sosiego tan cálido resulto de una hipnosis tan potente, la desnudez muchas veces es el mejor adorno el mundo. Lo malo es que un incidente de alineación de tracks nos deja luego con una fuerza desbordada en Habit, un tema que resquebraja esa sutil cúpula inmóvil que habían conseguido con el tema previo, bueno la potencia siempre es bienvenida, menos en estos casos en que su intromisión arruina de cierto modo un riel bien armado hasta ahí. Esa tendencia se perpetuara con Red Mosquito, que se entiende hacia donde va, y por sobre todo de donde viene, creada mientras Vedder permanecía en un hospital, suena letal, aunque con jirones de insustancialidad.

Mientras cruzamos los 2/3 del album se deja entrever esas distintas facciones que presenta “No code”, ahorrándose muchas veces la existencia de un hilo conductor que salvaguarde el orden de la escucha, la narración de este album parece mucho mas enfocada al valor de cada pieza que lo que se pueda aportar al precio de la placa, por ser Lukin es una dosis acelerada y efímera de potencia desbordante que con una duración de apenas un minuto y dos segundos, cual ráfaga parece desfilar ante nuestros ojos para luego diluirse tanto del recorrido, como de nuestros oídos…no agregando nada al total, como tampoco a si misma. Lo otro tremendamente destacable es que las baladas o temas mas apaciguados pero cargados de profunda densidad, parecen ser los que reinen en esta cuarta pieza por la sencilla razón que los momentos álgidos se consiguen fuertemente en dos paradas, Off he goes y Present Tense, que con una sabia velocidad pareciesen apoderarse totalmente de todo cuanto haya a su alrededor mientras se les escucha detenidamente. Y otro cambio brusco se deja percibir con Mankind, un tema que en el cual la influencia de Vedder es cero, tanto vocal como líricamente esta compuesta por Stone Gossard, narrando en tono power-pop, la superficial evolución de la humanidad, que suena algo cínico tomando la entonación del tema, sin embargo lo dulce que pueda llegar a paladearse, no queda tan mal. El final es como no, una brisa tenue que despide al oyente con I’m open una experimentación ambiental en la que Eddie nos describe lo que seria vivir sin sentir nada, particularmente me gusta cuando menciona.. “When he was six. He believed that the moon overhead followed him” y el adiós definitivo se deja en las manos letárgicas de Around the bend, una canción que pareciese cerrarnos los ojos para siempre, bonito fragmento de disco.

Bien un disco que pretende buscar un fin lógico, alejándose de esa baranda segura , resumiéndolo vendría siendo una inmersión introspectiva o una ligera ascensión espiritual, tal vez en siete u ocho años mas cuando este pasando a otra edad, el significado sea mas fuerte, por el momento me parece el siguiente paso natural en una carrera fiel a si misma.

• Tracklist

• Sometimes
• Hail Hail
• Who you are
• In my tree
• Smile
• Off he goes
• Habit
• Red Mosquito
• Lukin
• Present Tense
• Mankind
• I’m open
• Around the bend

“A rey muerto, rey puesto”

2011-03-24T08:45:00.001-03:00

Pearl Jam – Vitalogy

El disco clave de Pearl Jam, conste digo clave no el mejor, sin el no se podrían dilucidar ni comprender todo el sonido posterior al año ’94 del grupo. Porque la dosis de honestidad administrada en este tercer album es sin duda mas legitimo que lo iracundo de “Vs.” o esa pena honda de “Ten”, porque esta al borde de lo esquizoide y al ser una fotografía tan consciente del momento de la banda, genera la apertura para comprender el ADN sonoro del grupo. Otra cualidad es que este disco las hace de punto de inflexión, es bien sabido que la variedad no es una de las características mas sobresalientes de PJ, y es en Vitalogy, cuando la aparición de recursos menos convencionales hace acto de presencia, para quedarse para siempre… Como escritores hasta el ’93 se les sabia dos tipos de narrativa..la feroz, incombustible y potente y la otra mas deshuesada, acústica y descriptiva mas que avasalladora… Acá le suman un nuevo folio al libro, donde poder irradiar un estilo paranoide, mas divagante y desordenado, mas no por ello menos envolvente.

Este tercer disco carga con el difuso apelativo de experimental, y es cierto , no obstante no es que el rock directo y texturizado que nos habían acostumbrado a oír, hubiese sufrido un cambio radical de personalidad y se tornara en flujos ruidistas o sinsentidos acústicos-electrónicos, que es lo primero que se viene a la mente cuando menciona la palabra experimental, sino que es apenas la inclusión de tres o cuatro temas no convencionales, y por no convencionales me refiero a acordeones caóticos, repetición de frases como un mantra o la auto-descripción de su padecimiento por parte de enfermos psiquiátricos, ello anexado a una disminución de la potencia en pos de una profundidad sónica. Lo cual sin dudas no molesta, es un paso adelante compositivamente hablando, porque temas como “bugs” o “aye davanita”, no es que sean indispensables, mas redondean el concepto paranoico y de oscuridad mental del disco, tal como hiciera Fitter Happier en el Ok. Computer. Otro asunto es que acostumbrados a la relación simbiótica de las guitarras de McCready y Gossard, en esta oportunidad se añaden las seis cuerdas de Vedder, formando un tridente y generando amplificaciones de su propio sonido. No en fuerza, pero si en resonancia insondable.

El disco en si mismo es un viaje algo perturbador a ratos, con sentimientos suicidas, agobio casi claustrofóbico, alimentados por rabia y resentimiento que terminan irradiando pesimismo como nunca antes, el porque de este enfoque negativo, se puede deducir simplemente del tiempo y espacio donde estaba parada la banda, su peor momento en cuanto a relaciones personales, mucho peor que para el disco anterior. La creación de estos temas se dio en mayor parte mientras andaban de gira para la promoción de Vs. Allí en medio del tiempo libre que les quedaba imbuían de espíritu primario los nuevos tracks, por otro lado las relaciones con la prensa se vieron cortadas ante la evidente persecución de esta luego de la muerte de Kurt Cobain, como frases sensacionalistas de … “el rey de los condenados a caído, ya saben a rey muerto, ¿Quién lo podrá reemplazar? Pues quien mas, Eddie es el elegido, te hacemos nuestro rey”. El cuadro sonaba bonito para ello, claro , lo malo es que no tomaron en cuenta que Vedder no estaba dispuesto a cargar con ese muerto, rechazando tamaña oferta y lanzándoles este disco como respuesta, ¿que mas claro?. Y para realzar esta etapa de salmones acrátas, como banda aparte de guardar silencio ante los medios, también cortaron los lazos con Ticket Master, principal encargado de sus recitales, como respuesta a los elevados e injusto precios que ellos pensaban que debían cargar sus fans por asistir a sus recitales… Otro punto mas que sumo en tensión al interior del grupo, ya que en vista de esto si le das la espalda a un grande este tratara de pisotearte como sea, en este caso los recitales disminuyeron notablemente, royendo de a poco las relaciones personales entre los integrantes.
Vitalogy tal vez sea esa bandera bajo la cual se asió la banda en esta guerra contra si mismos, contra lo medios , contra los consorcios, pero sobre todo contra la perdida propia de la libertad que va como regalo con la fama, y en un intento definitivo por eludir tamaño sino, dan un poderoso y definitivo disparo.

Una apertura soberbia baja de manos de Last Exit, un tema donde tanto batería, voz y guitarras van dimensionando un tema suicida, de todas maneras la percusión es el principal (casi tanto como la lírica) justificativo para enarbolar ese apelativo..golpes secos que producen una sensación de preocupación que desaparece con la catarsis vocal del 02:33..me quedo cuando Vedder nos enfrenta con esos.. “Deja que la marea del océano disuelva mi pasado/ deja al sol escalar, oh, y quemar mi mascara”

Se aceleran vertiginosamente las pulsaciones con Spin the black Circle, un tema electrificante en honor a los vinilos (si es medio obvio el titulo), la situación es que un tema tan volcánico y tirado para el lado del punk, da la impresión de ir escalando y saltando una pendiente vertical, los riffs siendo repetitivos plagan de energía, tienen unas arterias muy fogosas que contagian de inmediato de la prisa del tema. Un tipo de canción obligado en los minutos iniciales de todo album de Pearl Jam.

Not for you, es una aplanadora tanto significativa como instrumentalmente, va aplastando al escucha hasta el 2:08 cuando en un vértice le quita un poco de grosor y densidad al sonido, volviéndolo mas sutil, pero en todo el resto de la canción se siente esa sensación de solidez apretujante, como si el mismísimo Vedder apuntara con el dedo hacia ti y te dedicara el titulo de la canción.

Ahondando mas en esa densidad llega Tremor Christ , en un tiempo medio que da el espacio para que el tema desenvuelva el arsenal martirizador que le queda bien a Eddie, de todas maneras al sonar como una marcha ralentizada el tema gana en eso, un sentimiento que va cortando despacito. Ello agregado a la necesidad de Vedder de parecer un Cristo moderno, la corona de espinas le viene de todos modos.

El capitulo quinto corre por cuenta de Nothingman, una dolora pieza de amor naufragado, menos ruidosa, mas intimista, y si bien se siente esa calidez dolorosa al ser un gajo mas reposado, el halito del tema en líneas generales esta demasiado desganado. Entiendo que para reflejar fastidio o carencia de felicidad es necesario reducir un poco el ritmo (no siempre), pero carece de una explosividad emotiva o algo símil, buen tema, no sobresaliente ni mucho menos.

Con Whipping le ponemos nuevamente aceleración al disco, en una canción urgente, aunque con más tendencia al pop disfrazado con electricidad, sin embargo la connotación que le da su contenido cambia totalmente el avalúo del track. La lírica nos sitúa o mas bien nos insinúa el asesinato de un medico que tenia una postura a favor del aborto y por lo visto fue muerto por detractores. Lo sombrío pareciera reinar a sus anchas en cada canción de Vitalogy. Con la aparición de Pry to, se podría dar por comenzada el surgimiento de los temas “experimentales” , que como dije no pasa nada si te los saltas , de hecho ni siquiera se les puede considerar como canciones, pero de todas maneras sirven para complementar la idea del disco, en este caso es asi. La repetición constante de Vedder de la frase..¡la privacidad es inestimable para mi! Puede causar un ligero soplo de angustia, por la crudeza con que lo dice.

Corduroy, es conmovedora, su inicio es muy tenue como una brisa oriental, para dejar entrar lo fuerte del tema luego, sin sonar excesivo, tiene la fuerza en la cantidad perfecta, aparte Vedder con su voz también se siente moderado. ¿Cómo decirlo? Siendo una canción melódica-convencional, recae en ella una chispa que la torna emocionante y en eso la temática tiene mucho que ver. Una angustia apasionada la doma de principio a fin, es secundada por la locura claustrofobica de Bugs, una pieza extraña creada con un Eddie acusando estar rodeado de bichos mientras un acordeón (que compro en una tienda para ver si podía hacer una canción con el y lo intentó, de lograrlo bueno ¬¬) va tornándola muy bizarra. De todos modos su inclusión profundiza más esa sensación de inestabilidad mental del disco, en el sentido del concepto claro. Satan’s bed, es muchísimo mas blanda en cuanto a su ejecución, no por ello muy accesible, tiene una estructura elástica que deja ciertos vacíos en su forma, en definitiva no se siente tan cohesionada, pareciendo un poco insulsa. Como curiosidad, su titulo fue censurado en algunos países, ya saben a la santa iglesia le gusta purgar, xD.

Como ven ya pasando la mitad del disco tenemos canciones muy buenas, otras con retazos de experimentación y canciones que no logran cuajar del todo a oposición de la primera parte que se muestra hasta cierto punto mas convencional o vemos un Pearl Jam más clásico, ya para el trecho final Better man se asoma muy accesible, de hecho la banda para Vs. La desprecio por su aparente aura pop, al parecer al grupo no le gustaba esa accesibilidad del tema, que sin ser dañino se deja oír con una sintonía bien bonita, más no descollante.

Aye davanita, casi un mantra con batería, no mucho mas que decir, exactamente otro recodo para ocultar las perturbaciones, lo bueno es que Inmortality que es su sucesora, nos lleva a la que para mi suena como la pieza mas prístina del album junto a Corduroy, hablándonos de la mortalidad, ese puerto al que navegamos y tarde o temprano debemos desembarcar allí, sin prisas y con la instrumentación justa, al borde de dejarnos en un feliz limbo.

Bueno y el cierre, como uno podría dilucidar (o no también es una opción) es Hey Foxy Mophandlemama, that’s me, que al igual que su confuso titulo son siete minutos de voces de enfermos psiquiátricos reales, un final alternativo y muy oscuro, mas si quieren se pueden quedar con el recuerdo de Inmortality como cierre, para evitar una frase del tema que deja realmente helado por su crudeza.

un disco imperfecto-perfecto, mas esta tan honestamente hecho, que la angustia tanto como ese espíritu de persecución suenan a sinónimo de Vitalogy, las canciones calmadas son como pozos insondables, las rápidas convencen con el sello punk como Spin the black circle, sumado a los cortes experimentales, que irradian o se originan en la atmósfera perturbada del album, sin duda un punto de inflexión y el manual para los siguientes discos. Al parecer los primeros años de Pearl Jam iban viento en popa, tres discos tres maravillas en si mismas… ¿Qué esperan? No solo de Black depende esta banda.

Un disco en los tiempos de la cólera

2011-03-21T08:00:00.001-03:00

Pearl Jam – Vs.

Luego de todo deslumbramiento por el éxito ocurre una cierta sensación de hastió, y te puedes percatar que el “equilibrio de intercambio” empieza a surgir efecto, en pequeños detalles o simplemente abrumador griterío…es por eso mismo que la segunda canción del hermano pequeño de Ten pueda servir para definir todo el album con su titulo; Iracundo; la voz hemorrágica de Vedder imprime represión desatada mientras el resto de instrumentación provee del restante rescoldo furibundo. Es que desde la portada con ese cordero ahogado contra las rejas, se asimila un ambiente predeterminadamente hostil.
“Go”, “Animal”, “Rearviewmirror”, “Blood” (esta ultima excesivamente cortante), podrían servir de muestras o unificadoras del criterio imperante, “rabia para patearle el culo a medio mundo”, e incluso alcanza un poco para el auditor. Porque si nos permitimos la desfachatez de acuñar el termino “grunge”, podríamos usarlo fácil y sin reparos para este disco, salvo quizás por el sereno aporte de “Indifference” o “Elderly Woman”; pongámoslo asi “ lo gobernante es la urgencia y un tipo de asfixia casi amenazante”. De todas maneras es el curso natural posterior al dolor de “Ten” y justo por ello, le da una continuidad muy digna, tan asi que mantiene el buen nivel e incluso dependiendo de esas vibras subliminales y/o in-universales lo supera, mas eso depende del receptor, porque el debut acumulo mucho agua en la presa, y este enrabiado hermano chico, la desbarata y manda abajo premeditadamente, puro cataclismo, pura potencia, puro rock violento.

Pero esta explosión de cólera tiene sus asideros, y su matriz esta situada claramente luego de la grabación del primer disco, empiezan a aparecer los primeros problemas con sus baterías, asunto que se vera reiterado una cuantas veces mas en años venideros, Matt Chamberlain cede su puesto a Dave Abruzzeze quien tomara el liderato de las baquetas en lo que respecta a las actuaciones en vivo y participaría de lleno en la elaboración de este sucesor. Mas el recambio en este caso da una inusitada potencia al menos percusivamente hablando. El detonante vendría con el año siguiente, 1992, se podría considerar el periodo que da inicio a la cada vez mas creciente tensiones de la banda para con todo su entorno, incluso al interior de la misma también. La paranoia de la fama y la creciente atención de los medios, como una erosión acelerada, inicio la mella en los estados de ánimo de Vedder, quien cada vez mas empezaba asentirse ahogado por la situación en la que se estaba metiendo, y los medios no ayudarían mucho a apaciguar los ánimos, poniéndolos continuamente en primeras planas y demases. Tal vez otro punto de inflexión vendría con Junio mientras se presentaban por Europa en una serie de festivales masivos (50,000 personas) Pink Pop festival incluido, donde seria victimas de robos de artículos personales, a Eddie le sustraerían un cuaderno con anotaciones, imagínense. Lo peor de todo es que no termina ahí la cantidad de reveses, sino que en agosto su video para Jeremy digeriría censuras, dando como resultado la total negativa del grupo para mas realizaciones de videoclips para sus canciones, eso les duraría unos cuantos años. En 1993 las cosas se tornarían un tanto mejor haciendo de teloneros de bandas como U2 y su idolatrado Neil Young, como ven la apatía no surgió por mera generacion espontánea. Pero como dicen no todo lo bueno ha de ser color de rosas.

Lo fértil del asunto es que producto de todos los sucesos antes mencionados, tendríamos como frutos , tal vez el disco mas voraz de Pearl Jam, en que las guitarras, el vértigo, los gritos, y esa especie de Ira apresada tendría una vía de escape en la música, un disco potente de principio a fin, que goza de una calidad compositiva muy sólida, líricas enfocadas en desgarros internos, remencionando episodios autobiográficos una vez mas por parte del vocalista, y por sobre todo esa especie de “urgencia vital” que nunca mas veríamos. De Vitalogy en adelante el panorama cambia para la banda asi como para su material, incluyendo mas variantes sonicas y una disminución en cuanto al aturdimiento total de los discos, ¿Grunge? Acá tenemos y harto.

Al partir hay dos piezas potentes, Go, en tonalidades bien punk, resalta sobretodo una aglomeración de la voz, que la provee de salvajismo y urgencia. Y Animal, que si bien se parece a Evenflow del disco pasado, esta me engancha mucho más, la/s guitarra/s vierten toda una violencia silvestre en su interpretación y Vedder complica mas el asunto, dando una pronunciación entrecortada, que forma corrientes muy violentas.

Sin embargo con Daughter, se recupera esa tendencia a buscar texturas, disminuyendo el ritmo y cayendo en atmósferas acústicas, lo cual bajo ningún punto significa que a la mitad no tenga uno que otro estallido electrificado, mas es un buen tema, que equilibra el transcurso, sirviendo de reposo catalizante y al mismo tiempo sin perder el meridiano de la potencia.

Le sigue una triada de canciones que prevalecen por ser una especie de rock, menos arterial y con características mas impasibles, Glorified G, Dissident (guitarreos electrificados serenos) y WMA, esta ultima tiene percusiones tribales, un recurso étnico que se ira mostrando en álbumes posteriores, por el momento acá suma en variantes al resultado, no obstante al menos en este pasaje, el punk deja una abertura para el rock profundo y con aplomo. El trayecto deja caer esa cortina y toma un vuelvo totalmente diferente con los siguientes temas, siendo Blood una manifestación algo excitista de angustia y fuerza. Un track algo desbandado con guitarras demasiado acidas y voces que rozan como vidrios cortados. El caso de Rearviewmirror es diferente mezclando una melodía ganchera, y a ello sumándole una batería tectónica apresurada, para todo lo demás estucarlo con guitarras coordinadas, que van haciendo figuras efímeras constantes (3:22). Me gusta esa multiplicación de voces que se van contestando en el minuto 3:45 o el catártico final, con una desenfada extroversión. En definitiva un buen track que dicta que se pueden forjar grandes temas enérgicos (de retrospectiva y resentimiento en este caso), en base a ganchos accesibles, sin perder el norte de fondo y forma.

Rats, de algún modo refleja la sensación para consigo mismos de Pearl Jam ¿será que el volverse una rata manejada calo demasiado hondo?. Por ende el escupitajo de vuelta no resulta tan sorpresivo, la pasiva Elderly woman, prosigue, inundando de emotividad y una especie de pasividad acústica el recinto final, sin embargo Leash, no deja las cosas tan suaves, produciendo la purga final, entre esas confesiones honestas de Vedder en sus letras, asi como en la distorsión espacial de la música que rasguña desde dentro. Finalmente todo acaba en ese respiro apaciguador en que se convierte Indifference cerrando, esa paz masticable luego de haber lanzado todo fuera instintivamente…

Como ven un disco potentísimo, tal vez Pearl Jam jamás volvería a sonar asi de “vital”, en el sentido de la prisa, y a la misma vez incluir uno que otro analgésico sonoro al vértigo. Un album que puede calar hondo, por el mero hecho de sonar diáfano en el mensaje, y este ultimo termino es ambivalente tanto como para la irritación, como para esa especie de tristeza conmovedora que se sigue inmiscuyendo en el balance final… Áspero, si a algo me atrevo a llamarle asi de esta banda..remotamente es a este disco… “el preludio del cambio que vendría...”

Tracklist

Go
Animal
Daughter
Glorified G
Dissident
W.M.A
Blood
Rearviewmirror
Rats
Elderly woman behind the counter in a small town
Leash
Indifference